호안 미로

Joan Miró
"미로"는 여기로 방향을 틀었습니다. 기타 용도는 미로를 참조하십시오.
이 카탈루냐어 이름에서 첫 번째 성 또는 부성은 미로(Miró), 두 번째 성 또는 모성은 페라(Ferrá)이며, 둘 다 일반적으로 "i"라는 접속사로 연결됩니다.
호안 미로
칼 반 베흐텐의 초상화, 1935
태어난
호안 미로이 페라

(1893-04-20) 1893년 4월 20일
바르셀로나, 카탈루냐, 스페인
죽은1983년 12월 25일 (1983-12-25) (90세)
팔마, 마요르카
교육Escola de Belles Arts de la Lotja and Escola d'Arte de Francesc Galí, Cercle Artistic de Sant Lluc, 1907-1913
유명한회화, 조각, 벽화, 도자기
움직임.초현실주의
배우자.
Pilar Juncosa Iglésias
(m. 1929)
상
  • 1954년 베니스 비엔날레 그래픽 작품상
  • 1958년 구겐하임 국제상
  • 1980년 스페인 미술 금상
서명

Joan Miró i Ferrà (/mɪˈroʊ/mi-ROH,[1]US also /miːˈroʊ/mee-ROH,[2][3] 카탈루냐어:ʒ우 ˈ람 미 ˈɾ요스 əˈ라(, 1893년 4월 20일 ~ 1983년 12월 25일)는 바르셀로나에서 태어난 카탈루냐의 화가, 조각가, 도예가입니다. 전문적으로, 그는 단순히 조안 미로로 알려졌습니다. 1975년 그의 고향인 바르셀로나에 그의 작품인 Fundació Joan Miró가 설립되었고, 1981년 그의 입양 도시인 팔마에 Fundació Pilari Joan Miró가 설립되었습니다.

국제적인 찬사를 받은 그의 작품은 초현실주의로 해석되었지만 개인적인 스타일을 가지고 있으며 때로는 야수파와 표현주의로 변하기도 합니다.[4] 그는 무의식이나 잠재의식에 대한 관심으로 유명했고, 그의 아이 같은 재창조에 반영되었습니다. 그의 분류하기 어려운 작품들은 카탈루냐적인 자부심의 표현이기도 했습니다. 1930년대 이후의 수많은 인터뷰에서 미로는 부르주아 사회를 지원하는 방법으로 전통적인 회화 방식을 경멸하고 기존 회화의 시각적 요소를 뒤집기 위해 "회화의 암살"을 선언했습니다.[5]

전기

금세공과 시계장인의 가정에서 태어난 미로는 바르셀로나의 바리 그 ò트 지역에서 자랐습니다. 미로 성(Miró)은 기독교로 개종한 이베리아 유대인들(marrano 또는 converso contextso 이베리아 유대인들)의 일부 가능한 뿌리를 나타냅니다.[7][8] 그의 아버지는 미켈 미로 아드제리아스였고, 어머니는 돌로레스 페라였습니다.[9] 그는 7살 때 중세 저택인 Carrer del Regomir 13의 사립학교에서 수업을 그리기 시작했습니다. 그의 아버지를 경악하게도, 그는 1907년 La Llotja의 미술 아카데미에 등록했습니다. 그는 Cercle Artistic de Sant Luc에서[10] 공부했고 1918년 갤러리 달마우에서 그의 작품이 조롱을 받고 훼손된 첫 단독 쇼를 가졌습니다.[11][12] 바르셀로나와 해외의 파우브와 입체파 전시회에서 영감을 받아, 미로는 몽파르나스에 모여드는 예술계에 끌렸고 1920년 파리로 이주했지만, 카탈루냐에서 여름을 계속 보냈습니다.[6][13][14][15]

직업

The Farm, 1921–1922, 국립 미술관, 워싱턴 D.C.
호안 미로, 1918, 라카사 데 라 팔메라 (야자나무가 있는 집), 캔버스에 기름, 65 x 73 cm, 아르테 레이나 소피아 국립 박물관. 1921년 파리 Galerie La Licorn 전시, 카탈로그에[16] 재현
조안 미로, 1920, 말, 파이프 그리고 빨간 꽃, 캔버스에 기름, 82.6 × 74.9 cm, 필라델피아 미술관. 1920년 10월 26일 - 11월 15일, 갤러리[17] 달마우에서 전시된 엑스포시치오 다반트과다

미로는 처음에는 예술 학교뿐만 아니라 비즈니스 스쿨도 다녔습니다. 그는 신경쇠약을 겪은 후 예술을 위해 사업계를 완전히 포기했지만, 10대 때 점원으로 일을 시작했습니다.[18] 그의 초기 예술은, 비슷하게 영향을 받은 야수파와 입체파의 예술과 같은 것으로, 빈센트 반 고흐와 폴 세잔에 의해 영감을 받았습니다. 미로의 작품이 아방가르드의 중간 세대의 작품과 닮았기 때문에 학자들은 이 시기를 그의 카탈루냐 야수파 시기라고 칭하게 되었습니다.[19]

1918년 바르셀로나 개인전 이후 몇 년 후, [11]그는 파리에 정착했고, 그곳에서 그의 부모님의 여름 집과 농장에서 시작한 많은 그림들을 마쳤습니다. 그러한 그림들 중 하나인 농장은 좀 더 개인적인 화풍과 특정한 민족주의적인 특징들로의 전환을 보여주었습니다. 나중에 이 작품을 구입한 어니스트 헤밍웨이(Ernest Hemingway)는 "그 안에는 여러분이 그곳에 있을 때 스페인에 대해 느끼는 모든 것과 여러분이 그곳을 떠날 때 그리고 그곳에 갈 수 없을 때 느끼는 모든 것이 담겨 있습니다. 그 누구도 이 두 가지 아주 상반된 그림을 그릴 수 없었습니다."[20] 미로는 매년 몽로이그로 돌아와 그의 경력 동안 그와 함께할 상징주의와 민족주의를 발전시켰습니다. 초현실주의로 분류된 미로의 첫 번째 작품들 중 두 작품인 카탈루냐 풍경(The Hunter)과 틸드 필드([21]The Tilled Field)는 다음 10년의 예술을 지배하기 위한 상징적인 언어를 사용합니다.[22]

요셉 달마우는 1921년 갤러리 라 리콘에서 미로의 첫 번째 파리 개인전을 마련했습니다.[13][23][24]

1924년에 미로는 초현실주의 그룹에 가입했습니다. 미로 작품의 이미 상징적이고 시적인 성격과 거기에 내재된 이중성과 모순성은 그룹이 지지하는 꿈 같은 자동화의 맥락 안에 잘 들어맞습니다. 미로의 많은 작품들은 지금까지 그의 작품을 정의했던 어수선한 초점 부족을 잃었고, 그는 전통적인 그림이 제공하는 틀을 거부하기 위해 콜라주와 그의 작품 내에서 그림을 그리는 과정을 실험했습니다. 그림에 대한 이러한 적대적인 태도는 미로가 1924년 시인 친구인 미셸 레이리스에게 보낸 편지에서 그의 작품을 "x"라고 모호하게 언급하면서 드러났습니다.[25] 이 시기에 나온 그림들은 결국 미로의 꿈의 그림으로 불리게 되었습니다.

호안 미로, 틸드 필드 (1923-1924), 솔로몬 R. 구겐하임 미술관. 사물과 형상을 복합적으로 배열한 이 초기 그림은 미로의 첫 초현실주의 걸작이었습니다.[26]

그러나 미로는 주제를 완전히 버리지는 않았습니다. 1920년대에 그가 광범위하게 사용한 초현실주의 자동 기법에도 불구하고 스케치는 그의 작업이 종종 체계적인 과정의 결과임을 보여줍니다. 미로의 작품은 상징적이고 도식적인 언어를 유지하면서 비객관성에 거의 빠져들지 않았습니다. 이것은 아마도 1924년에서 1925년 사이에 반복된 카탈루냐 농민의 우두머리 시리즈에서 가장 두드러졌습니다. 1926년, 그는 막스 에른스트와 함께 발레 프레사리오 세르게이 디아길레프의 디자인을 공동으로 작업했습니다.

미로는 1928년의 네덜란드 인테리어로 더 대표적인 형태의 그림으로 돌아갔습니다. Hendrik Martenszoon Sorgh와 Jan Steen의 엽서 복제품으로 보이는 작품들을 본떠서 만든 이 그림들은 작가가 찍은 네덜란드 여행의 영향력을 드러냅니다.[27] 이 그림들은 몇 년 전에 제작된 미니멀리즘적인 꿈의 그림들보다 틸드 필드나 할리퀸의 카니발과 더 공통적입니다.

미로는 1929년 10월 12일 마요르카 팔마에서 필라르 준코사(Pilar Juncosa)와 결혼했습니다. 1930년 7월 17일 마리아 돌로레스 미로라는 딸이 태어났다. 1931년에 피에르 마티스는 뉴욕에 미술관을 열었습니다. 1989년 마티스가 사망할 때까지 존재했던 피에르 마티스 갤러리는 미국 현대 미술 운동의 영향력 있는 부분이 되었습니다. 처음부터 마티스는 호안 미로를 대표했고, 미로의 작품을 뉴욕에서 자주 전시함으로써 그의 작품을 미국 시장에 소개했습니다.[28][29]

1932년에 그는 Massine의 발레 "Ballet Russe de Monte-Carlo"의 경치 좋은 [ru] 디자인을 만들었습니다.

스페인 내전이 발발하기 전까지 미로는 여름에 스페인으로 습관적으로 돌아갔습니다. 일단 전쟁이 시작되자, 그는 집으로 돌아갈 수 없었습니다. 많은 그의 초현실주의 동시대 사람들과 달리, 미로는 이전에 그의 작품에서 명백하게 정치적인 논평을 멀리하기를 선호했습니다. 그의 초기 초현실적인 풍경과 카탈루냐 농민의 우두머리에게 민족주의의 감각이 스며들었지만, 1937년 파리 전시회에서 스페인 공화정을 위해 그에게 벽화 "The Reaper"를 그려줄 것을 스페인 공화국 정부가 그에게 의뢰하고 나서야 미로의 작품은 정치적으로 중요한 의미를 띠게 되었습니다.[30]

1939년 독일의 프랑스 침공이 임박하자 미로는 노르망디의 바렝게빌로 이주했고, 이듬해 5월 20일 독일군이 파리를 침공하자 비시 정권의 통치 기간 동안 가까스로 스페인(현재 프란시스코 프랑코가 지배하는)으로 피신했습니다.[31] 1940년에서 1941년 사이에 Varengeville, Palma, Mont-roig에서 Miró는 23개의 구아체 시리즈 Constellation을 만들었습니다. 천상의 상징성을 중심으로 한 콘스텔레이션스는 17년 후 미로의 시리즈에서 이름을 따와 영감을 받은 일련의 시를 쓴 안드레 브레튼으로부터 예술가의 찬사를 받았습니다.[32] 이 작품의 특징은 여성, 새, 그리고 달에 대한 주제로 초점이 옮겨가는 것을 드러냈고, 이는 그의 남은 경력의 대부분 동안 그의 도상학을 지배할 것입니다.

다키구치 슈조는 1940년에 미로에 관한 최초의 모노그래프를 출판했습니다. 1948-49년에 미로는 바르셀로나에 살았고 모를로 스튜디오와 아틀리에 라쿠리에르에서 인쇄 기술을 작업하기 위해 파리를 자주 방문했습니다. 그는 Fernand Mourlot과 긴밀한 관계를 발전시켰고, 그 결과 1천 개 이상의 다양한 석판본을 제작하게 되었습니다.

1959년, 안드레 브레튼은 미로에게 엔리케 타바라, 살바도르 달리, 에우제니오 그라넬과 함께 초현실주의에 대한 오마주 전시회에 스페인을 대표해 줄 것을 요청했습니다. 미로는 1964년에 완공된 프랑스 생폴 드 뱅스에 있는 매그 재단의 정원을 위해 일련의 조각품과 도자기를 만들었습니다.

1974년, 미로는 카탈루냐 예술가 요셉 로요와 함께 뉴욕에 있는 세계 무역 센터를 위한 태피스트리를 만들었습니다. 그는 처음에 태피스트리를 하는 것을 거부하다가 로요에게서 기술을 배웠고 두 예술가는 여러 작품을 함께 제작했습니다. 그의 세계 무역 센터 태피스트리는 건물에[33] 전시되었고 9월 11일 공격 동안 잃어버린 가장 비싼 예술 작품 중 하나였습니다.[34][35]

1977년, 미로와 로요는 워싱턴 D.C.에 있는 국립 미술관에 전시될 태피스트리를 마쳤습니다.[36][37]

1981년, 미래에 미로의 시카고로 개명된 미로의 태양, 달 그리고 하나의 별이 공개되었습니다. 이 크고 혼합된 미디어 조각상은 시카고의 도심 루프 지역의 야외에 위치해 있으며, 또 다른 대형 공공 조각상인 시카고 피카소의 건너편에 있습니다. 미로는 1967년에 태양, 달 그리고 별 하나의 청동 모형을 만들었습니다. 이 마켓은 현재 밀워키 미술관에 소장되어 있습니다.

생과 사

1979년에 미로는 바르셀로나 대학교에서 명예 박사 학위를 받았습니다. 심부전을 앓던 이 예술가는 1983년 12월 25일 팔마(마조로카)의 자택에서 향년 90세를 일기로 세상을 떠났습니다.[38] 그는 나중에 바르셀로나에 있는 몽주 ï크 묘지에 안장되었습니다.

정신건강

호안 미로가 쓴 개인 텍스트 분석을 통해 그가 일생 동안 여러 번의 우울증 에피소드를 경험했다는 사실을 확인할 수 있었습니다.[39] 그는 1911년 18살 때 처음으로 우울증을 겪었습니다.[40] 많은 문헌들이 이것을 그의 삶에 있어서 작은 좌절인 것처럼 언급하고 있는 반면, 그것은 훨씬 더 많은 것으로 보입니다.[41] 미로 자신은 다음과 같이 말했습니다. 사기가 떨어져 심각한 우울증을 앓았습니다. 저는 정말 병이 나서 3개월 동안 침대에 있었습니다.[42]

그는 우울증 에피소드를 다루는 방법으로 그림을 사용했기 때문에 그의 정신 건강과 그림 사이에는 분명한 연관성이 있습니다. 심지어 그것은 그를 더 침착하게 만들었고 그의 생각은 덜 어두워지게 만들었습니다. 조안 미로는 그림을 그리지 않으면 매우 우울해지고 우울해지며 저는 '검은 생각'을 갖게 되고 저는 저 자신을 어떻게 해야 할지 모르겠습니다.[43]

그의 정신 상태의 영향은 그의 그림 Harlequin의 카니발에서 매우 잘 드러납니다. 그는 자신이 겪은 혼란, 그 혼란을 뒤로 하고 싶은 간절함, 그리고 그로 인해 생긴 고통을 그리려고 노력했습니다. 미로는 이 그림 이후 여러 다른 그림에서도 볼 수 있는 사다리의 상징을 여기에 그렸습니다. 탈출을 상징하는 것으로 되어 있습니다.[44]

창의성과 정신 질환의 관계는 매우 잘 연구되어 있습니다.[45] 창조적인 사람들은 조울성 우울증이나 조현병을 앓을 가능성이 더 높고 유전적으로 전염될 가능성도 더 높습니다.[46] 미로가 일시적 우울증을 앓았다는 것을 알면서도 종종 조울증으로 불리는 조울증도 겪었는지는 불확실합니다.[47]

작동하다

호안 미로, 카레르 드 페드랄베스, 드로잉, 1918년 3월 4일 N. 세고나세리에, 트로소스에서 출판.

초기 야수파

그의 초기 모더니즘 작품들은 빈센트 누비올라의 초상화 (1917), 시우라나 (길), 노르수드 (1917), 톨레도의 그림을 포함합니다. 이 작품들은 세잔의 영향을 보여주며, 그의 후기 대부분의 작품들의 딱딱한 스타일보다 화려한 표면과 더 회화적인 처리로 캔버스를 채웁니다. 노르수드에서 그 이름의 문학 신문은 입체파 작곡에서 흔히 볼 수 있는 구성적 장치이지만 화가의 문학적, 전위적 관심에 대한 언급이기도 한 정물에 등장합니다.[48]

마성적 리얼리즘

1920년부터 미로는 매우 정확한 스타일을 개발하여 모든 요소를 분리되고 세부적으로 선별하여 의도적인 구성으로 배열했습니다. 야자수가 있는 집 (1918), 거울이 있는 나체 (1919), 말, 파이프와 빨간 꽃 (1920), 그리고 토끼가 있는 식탁 – 정물화 (1920)를 포함한 이 작품들은 비록 절제된 방식이지만 주제의 일부에만 적용되는 입체주의의 분명한 영향을 보여줍니다. 예를 들어, 농부의 아내(1922-23)는 사실적이지만, 여성의 발을 확대하고 평평하게 처리하는 등 일부 부분이 양식화되거나 변형됩니다.[49]

이 스타일의 정점은 농장(1921-22)이었습니다. 그것이 묘사하는 시골 카탈루냐 장면은 중앙에 전위적인 프랑스 신문에 의해 증강되어 미로가 파리에서 그가 접했던 모더니즘 이론에 의해 변형된 이 작품을 보는 것을 보여줍니다. 마찬가지로 중요한 각 요소에 대한 집중은 각 요소에 대한 그림 기호를 생성하기 위한 핵심 단계였습니다. 배경은 평면으로 렌더링되거나 단순한 영역으로 패턴화되어 그의 성숙한 스타일에서 중요하게 여겨질 인물과 지면의 분리를 강조합니다.

미로는 이 작품을 홍보하기 위해 많은 시도를 했지만, 그의 초현실주의 동료들은 그것이 너무 현실적이고 분명히 관습적이라고 생각했고, 그래서 그는 곧 더 명백하게 초현실주의적인 접근법으로 방향을 틀었습니다.[50]

초기 초현실주의

1922년, 미로는 적어도 한 점의 그림에서 추상적이고 강렬한 색채의 초현실주의를 탐구했습니다.[51] 1923년 여름부터 Mont-roig에서 Miró는 The Farm에서 사용된 사실적인 표현이 아닌 추상화된 그림 기호가 지배적인 주요 그림 세트를 시작했습니다. 경운의 들판, 카탈로니아 풍경(사냥꾼)과 목축(1923-24)에서, 이 평평한 모양과 선(주로 검은색 또는 강렬한 색상)은 때때로 꽤 신비롭게 주제를 암시합니다. Catalan Landscape (The Hunter)에서 Miró는 머리를 위한 삼각형, 콧수염을 위한 곡선, 몸을 위한 각선의 조합으로 사냥꾼을 나타냅니다. 그래서 암호화된 이 작품은 나중에 미로가 사용된 기호에 대한 정확한 설명을 제공했습니다.[52]

초현실주의 회화 언어

1920년대 중반까지 미로는 그의 남은 경력 동안 중심이 될 회화적 수화를 개발했습니다. Harlequin's Carnival (1924–25)에서는 Tilled Field로 시작된 라인이 명확하게 이어집니다. 그러나 '나의 브루넷을 사랑하는 행복'(1925)과 '프라텔리니'(1927)와 같은 그 이후의 작품들에서는 전경 인물들이 훨씬 적고, 남아있는 인물들은 단순화되어 있습니다.

얼마 지나지 않아 미로도 스페인 무용수 시리즈를 시작했습니다. 이 단순한 콜라주들은 그의 그림들에 대한 개념적인 반박과 같았습니다. 스페인 무용수 (1928)에서 그는 빈 종이 위에 코르크, 깃털 그리고 모자핀을 결합했습니다.[50]

1982년 스페인 바르셀로나 도나이 오셀

리브르 드 아르티스테

미로는 250권이 넘는 삽화책을 만들었습니다.[53] 이것들은 "Livres d' Artiste"로 알려져 있습니다. 그러한 작품 중 하나는 1974년 프랑스 시인 로베르 데스노스의 미망인의 재촉으로 "지옥의 벌" (Les pénalités de l'enfer oule noveles Hébrides)이라는 제목으로 출판되었습니다. 25개의 석판화 세트였고, 5개는 검은색, 나머지는 색상이었습니다.

2006년 베로 비치 미술관의 "Joan Miró, Illustrated Books"에 전시되었습니다. 한 비평가는 그것이 "풍부한 이미지뿐만 아니라 책의 창작 배경에 대한 이야기로 특히 강력한 세트"라고 말했습니다. 석판화는 길고 좁은 세로형이며, 미로의 친숙한 모양이 특징이지만 질감에 특이한 강조점이 있습니다." 비평가는 계속해서 "저는 이 네 개의 판화에 순간적으로 매료되었습니다. 그것은 미로의 많은 작품의 멋진 표면과 대조되는 감정적인 풍부함. 그들이 어떻게 생겨났는지 읽을 때 그들의 불길함은 더 큰 것 같습니다. 그 예술가는 아마도 가장 사랑 받고 영향력 있는 초현실주의 작가인 데스노스를 1925년에 만나 친구가 되었고, 얼마 지나지 않아 그들은 살아있는 예술가와 협력할 계획을 세웠습니다. 그 계획들은 스페인 내전과 제2차 세계 대전 때문에 보류되었습니다. 후자에 대한 데스노스의 대담한 비판은 그를 아우슈비츠에 투옥하게 만들었고, 그는 1945년 석방 직후 45세의 나이로 사망했습니다. 거의 30년 후, 데스노스의 미망인의 제안으로 미로는 시인의 원고를 묘사하기 시작했습니다. 1922년 모로코에서 쓰였지만 이 사후 공동 작업이 있을 때까지 출판되지 않은 채 남아있던 그의 첫 산문 작품이었습니다."[This quote needs a citation]

바르셀로나 몽주 ï크에 있는 Fundació Joan Miró 박물관. 이 건물은 합리주의 건축가 요셉 루이스 세르트가 지었습니다.
1966년 마드리드 레이나 소피아 박물관, Pájaro lunar (Moon Bird)
팔마데 마요르카에 있는 필라르와 조안 미로 재단. 사진은 Josep Luís Sert가 지은 Miró의 이전 작업장입니다.

스타일과 발전

파리에서 시인과 작가들의 영향 아래, 그는 그의 독특한 스타일을 발전시켰습니다: 유기적인 형태와 날카로운 선으로 그려진 평평한 그림 평면들. 일반적으로 자동화에 대한 그의 관심과 성적 상징(예를 들어, 물결 모양의 선이 나오는 난형)의 사용으로 인해 초현실주의자로 여겨진 미로의 스타일은 초현실주의와 다다에 의해 다양한 정도로 영향을 받았지만,[18] 그는 전간 유럽 시대의 어떤 예술 운동에도 참여하는 것을 거부했습니다. 안드레 브레튼(André Breton)은 그를 "우리 모두 중 가장 초현실주의자"라고 묘사했습니다. 미로는 비슷한 상황에서 자신의 가장 유명한 작품 중 하나인 Harlequin's Carnival을 만들었다고 고백했습니다.

제 그림과 그림에 대한 아이디어를 어떻게 생각했나요? 음, 저는 밤에 Rue Blomet에 있는 파리 스튜디오에 집에 와서 잠자리에 들곤 했고, 가끔은 저녁을 전혀 먹지 않았습니다. 저는 물건들을 보고 공책에 그것들을 적었습니다. 천장에서 형체를 봤는데...[54]

미로의 초현실주의 기원은 모든 스페인의 초현실주의 및 마술 현실주의 작품과 마찬가지로 "억압"에서 진화했습니다. 특히 프랑코 정권에 의해 특별한 박해를 받았던 그의 카탈루냐 민족성 때문입니다. 또한, 호안 미로는 망명하기 전 여행을 통해 아이티 부두교와 쿠바 산테리아 종교에 대해 잘 알고 있었습니다. 이것은 그의 독특한 예술 스타일로 이어졌습니다.[citation needed]

실험양식

호안 미로는 그림에서 이전에 확립된 기술을 되돌리는 방법으로 자동 그리기를 개발한 최초의 예술가 중 한 명이었고, 따라서 안드레 메이슨과 함께 초현실주의의 시작을 예술 운동으로 나타냈습니다. 그러나, Miró는 그룹 내에서 그의 위치를 손상시키지 않고 다른 예술적 스타일을 자유롭게 실험하기 위해 초현실주의자들의 공식 멤버가 되는 것을 선택하지 않았습니다. 그는 자동 드로잉과 초현실주의에서 표현주의, 서정적 추상화, 컬러 필드 페인팅에 이르기까지 예술계에 자신의 관심사를 추구했습니다. 4차원 그림은 미로가 제안한 이론적인 그림의 한 종류로 그림의 2차원성과 심지어 조각의 3차원성을 초월할 것입니다.[citation needed][55]

미로가 자주 인용하는 그림 암살에 대한 관심은 부르주아 예술에 대한 혐오에서 비롯된 것인데, 그는 부유한 사람들 사이에서 선전과 문화적 정체성을 촉진하는 방법으로 사용되었다고 믿었습니다. 구체적으로 미로는 입체파에 대해 이런 식으로 대응했는데, 그의 인용문이 나올 무렵에는 프랑스에서 확고한 예술 형태가 되었습니다. 그는 피카소의 그림을 언급하며 "나는 그들의 기타를 부수겠다"고 말한 것으로 전해졌는데, 이는 피카소의 예술이 정치적으로 인기를 얻고 전유되는 것을 공격하려는 의도에서 나온 것입니다.[56]

하늘의 장관이 저를 압도합니다. 거대한 하늘에서, 달의 초승달이나 태양을 보면 가슴이 벅차오릅니다. 제 사진에는 거대한 빈 공간에 작은 형태가 있습니다. 텅 빈 공간, 텅 빈 지평선, 텅 빈 평원 – 벌거벗은 모든 것이 항상 저에게 큰 감동을 주었습니다. -Joan Miró, 1958, 20세기 예술가들에 인용

전기 작가 발터 에르벤과의 인터뷰에서 미로는 "그들은 무엇보다 철학자가 되는 것에 관심이 있습니다."라고 말하며 예술 비평가들에 대한 반감을 나타냈습니다. 그들은 선입견을 형성한 다음 예술 작품을 봅니다. 그림은 그들의 수척해진 철학적 체계를 감싸주는 망토 역할을 할 뿐입니다."[57]

삶의 마지막 수십 년 동안 미로는 다른 매체에서 그의 작업을 가속화하여 파리의 유네스코 건물에 있는 달의 벽과 태양의 벽을 포함한 수백 개의 도자기를 생산했습니다. 그는 또한 전시를 위해 (유리 위에) 임시 창문 그림을 만들었습니다. 그의 삶의 마지막 몇 년 동안 미로는 가스 조각과 4차원 그림의 가능성을 탐구하면서 가장 급진적이고 가장 덜 알려진 생각을 썼습니다.

전시회

1960년대에 걸쳐, 미로는 마크 샤갈, 자코메티, 브라흐, 세자르, 유백, 탈코트의 작품들을 포함한 매그트 재단에 의해 조립된 많은 살롱 쇼에 출연한 예술가였습니다.

뉴욕(1972), 런던(1972), 생폴 드 뱅스(1973), 파리(1974)와 같은 곳에서 그의 노년기에 미로에게 바쳐진 대규모 회고전은 지난 반세기 동안 꾸준히 성장해온 국제적인 찬사를 보여주는 좋은 지표였으며, 더 많은 대규모 회고전은 사후에 열렸습니다. 1978년에 그의 그림과 그래픽 작품이 마드리드의 아르테 레이나 소피아 미술관에서 처음으로 전시되었습니다. 그가 태어난 지 100주년이 되는 해인 1993년에 여러 전시회가 열렸는데, 그 중 가장 눈에 띄는 전시회는 바르셀로나의 Fundació Joan Miró, 뉴욕의 현대미술관, 마드리드의 Arte Reina Sofia 미술관, 파리의 Galerie Leong 등입니다.[58] 2011년, 런던의 테이트 모던에 의해 또 다른 회고전이 열렸고, Fundació Joan Miró와 워싱턴 D.C.의 National Gallery of Art를 방문했습니다. 호안 미로, 판화, Fundación Joan Miró (2013). 그리고 2014년 '미로: 알베르티나 미술관의 '지구에서 하늘까지'와 도쿄 국립아트센터의 '쿤스트하우스 취리히'의 '명작들' 두 전시회.

조안 미로: 본능과 상상력, 그리고 "미로: 2015년 3월 22일부터 6월 28일까지 덴버 미술관에서, 2015년 9월 30일부터 2016년 1월 10일까지 맥나이 미술관에서 각각 열렸으며, 1963년부터 1981년까지 미로가 마드리드의 아르테 레이나 소피아 미술관에서 대여한 작품들을 전시했습니다.[59][60][61][62][63]

2019년 봄, 뉴욕 현대미술관은 조안 미로: 세상의 탄생을 시작했습니다.[64] 2019년 7월까지 열리는 이 전시회는 미로의 경력 시작부터 세계 대전의 영향을 포함한 60점의 작품을 전시합니다. 이 전시회는 60피트 캔버스와 더 작은 8피트 그림을 전시하고 있으며 입방체주의에서 추상화에 이르기까지 영향을 미치고 있습니다.[65]

유산과 영향력

미로는 20세기 후반 예술, 특히 미국의 추상적 표현주의 예술가들에게 중요한 영향을 미쳤습니다. 마더웰, 칼더, 고리키, 폴록, 마타, 로스코 등이 그의 서정적인[66] 추상화와 컬러 필드 그림은 헬렌 프랑켄탈러, 올리츠키, 루이 등의 화가들이 그 스타일의 선구자였습니다.[67] 그의 작품은 또한 폴 랜드와[68] 루시엔 데이를 포함한 현대 디자이너들에게 영향을 미쳤고 [69][self-published source?]줄리안 해튼과 같은 최근의 화가들에게도 영향을 미쳤습니다.[70]

맨 레이의 1930년대 사진 중 하나인 '로프와 함께하는 미로'는 벽에 고정된 정렬된 밧줄을 가진 화가를 묘사하고 있으며, 단일 이슈 초현실주의 작품인 '미노타레'에 실렸습니다.

2002년, 미국의 타악기 연주자이자 작곡가인 바비 프레비테는 자딕 레코드에서 The 23 Constellations of Joan Miró 앨범을 발매했습니다. Miró의 Constellation 시리즈에 영감을 받아, Previte는 Miró의 그림들의 작은 크기를 맞추기 위해 일련의 짧은 작품들(3분 이하)을 작곡했습니다. 평론가들은 프리베테가 10명의 음악가로 구성된 앙상블을 위한 작곡을 "전례적으로 가볍고 우아하며 몽환적"이라고 묘사했습니다.[71]

인지도

1954년 베니스 비엔날레 판화상, 1958년 구겐하임 국제상을 수상했습니다.[18][72]

1981년 팔마 시의회(마조르카)는 미로가 기부한 4개의 스튜디오에 Fundació Pilari Joan Miróa Mallorca를 설립했습니다.[73]

2018년 10월, 파리의 그랑 팔레는 이 날까지 작가에게 헌정된 최대 규모의 회고전을 열었습니다. 이 전시회는 거의 150개의 작품을 포함하고 있으며 장 루이 프랏(Jean Louis Prat)이 큐레이션했습니다.[74]

아트마켓

오늘날 미로의 그림들은 미국 경매에서 25만 달러에서 2,600만 달러 사이에 팔리고 있으며, 2008년 5월 6일 라 카레 데 토일(1938년)의 미국 경매에서 1,700만 달러에 팔리고 있으며, 당시 그의 작품 중 하나에 가장 높은 금액을 지불했습니다.[75] 2012년, 페인팅-시(Painting-Poem)는 크리스티 런던에서 2,660만 달러에 팔렸습니다.[76] 그 해 말 런던 소더비에서, Pinture (Etoile Bleue) (1927)는 2007년 파리 경매에서 팔렸던 가격의 두 배가 넘는 2,360만 파운드의 수수료와 경매에서 그 예술가의 기록적인 가격을 가지고 왔습니다.[77][78] 2017년 6월 21일, 그의 별자리 중 하나인 작품 팜므 오이소(Femmeet Oiseaux)는 소더비의 런던에서 24,571,250 파운드에 팔렸습니다.[79]

갤러리

참고문헌

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외부 링크

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