György Ligeti

György Ligeti
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György Ligeti
1984년 리게티
태어난(1923-05-28)1923년 5월 28일
루마니아 트란실바니아 주 디키오산마르틴
죽은2006년 6월 12일 (2006-06-12) (83세)
오스트리아 빈
직업
  • 작곡가
  • 학술교사
상에른스트 폰 지멘스 음악상

György Sándor Ligeti (/ˈlɪɡəti/; 헝가리어:ˈ리 ɡɛ티 ˈɟ외르 ɟ ˈʃ도르(, 1923년 5월 28일 ~ 2006년 6월 12일)는 헝가리-오스트리아 출신의 현대 클래식 음악 작곡가입니다. 그는 "20세기 후반 가장 중요한 아방가르드 작곡가 중 한 명" 그리고 "그 시대의 진보적인 인물들 중 가장 혁신적이고 영향력 있는 사람 중 한 명"으로 묘사되어 왔습니다.[2]

트란실바니아에서 태어난 그는 1956년 오스트리아로 이민 가기 전까지 헝가리 인민 공화국에서 살았습니다. 그는 1968년 오스트리아 시민이 되었습니다. 1973년에는 함부르크 국립 음악원 작곡과 교수가 되었고, 1989년 은퇴할 때까지 그곳에서 일했습니다. 그는 2006년에 비엔나에서 사망했습니다.

공산주의 헝가리 당국에 의해 그의 음악 스타일에 제한을 받은 리제티는 1956년 서양에 도착했을 때 비로소 아방가르드 음악에 대한 그의 열정을 완전히 깨달을 수 있었고 새로운 작곡 기술을 개발할 수 있었습니다. 독일 쾰른에서 전자 음악을 실험한 후, 그의 돌파구는 나중에 그가 마이크로폴리포니라고 부르는 기술을 사용한 Atmospheres와 같은 관현악 작품들로 왔습니다. "반오페라" 르 그랑 마카브르를 쓴 후, 리제티는 그의 후기 작품들을 위해 유채색주의에서 벗어나 폴리리듬 쪽으로 방향을 틀었습니다.

그는 영화 사운드 트랙에서 그의 음악을 사용하여 대중에게 가장 잘 알려져 있습니다. 비록 그가 직접 영화 악보를 작곡하지는 않았지만, 그가 작곡한 작품들의 발췌본들이 촬영되어 영화에 사용될 수 있도록 각색되었습니다. 스탠리 큐브릭의 영화, 특히 2001년의 음악의 사운드 디자인은 리게티의 작품에서 따왔습니다.

전기

초기생

리게티는 1923년 트란실바니아의 디시오산마르틴(Dicosânmartin, 1941년 ă스젠트마르턴으로 개명)에서 산도르 리게티 박사와 ő베니 박사 사이에서 태어났습니다. 일로나 소모기. 그의 가족은 헝가리계 유대인이었습니다. 그는 바이올리니스트 레오폴트 아우어의 증조부이자 헝가리 철학자 아그네스 헬러의 2촌 조카였습니다.[3][4] 어떤 소식통들은 그가 증조부라기보다는 아우어의 외조부였다고 말하고 있습니다.[5]

리제티는 루마니아어를 사용하는 마을 경찰과의 대화를 듣던 중 헝가리어 이외의 언어를 처음 접하게 된 것이 어느 날이었다고 회상했습니다. 그 전에는 다른 언어가 존재하는지 몰랐습니다.[6] 그는 여섯 살 때 가족과 함께 클루지로 이사를 갔습니다. 그는 1990년대까지 출생지로 돌아오지 않았습니다. 1940년에 북트란실바니아는 제2회 빈 상에 이어 헝가리의 일부가 되었고, 따라서 클루지도 헝가리의 일부가 되었습니다.

1941년, 리게티는 콜로즈바르(Colozvarr)에 있는 음악원에서 첫 음악 훈련을 받았고,[7] 여름에는 부다페스트에 있는 팔 카도사(Pal Kadosa)와 함께 개인적으로 음악 훈련을 받았습니다. 1944년, 리게티의 교육은 홀로코스트가 발생하는 동안 호르티 정권에 의해 강제 노동자 여단으로 보내지면서 중단되었습니다.[5] 16세의 형 가보르는 마우트하우젠-구센 강제 수용소로 추방되었고, 그의 부모는 모두 아우슈비츠로 보내졌습니다. 그의 어머니는 그의 직계 가족에서 살아남은 유일한 사람이었습니다.[8]

제2차 세계 대전 이후, 리제티는 부다페스트에서 공부로 돌아왔고, 1949년 프란츠 리스트 음악 아카데미를 졸업했습니다.[9] 그는 팔 카도사, 페렌 파카스, 졸탄 코달리, 산도르 베레스 밑에서 공부했습니다. 그는 트란실바니아의 헝가리 민속 음악에 대한 민족 음악학적 연구를 수행했습니다. 그러나 1년 후 그는 부다페스트의 프란츠 리스트 아카데미로 돌아왔고, 이번에는 화성, 대위법, 음악적 분석의 교사로 돌아왔습니다. 그는 코달리의 도움으로 이 자리를 확보했고 1950년부터 1956년까지 이 자리를 지켰습니다.[7] 젊은 교사로서, 리제티는 리제티의 안전한 피난처를 대표하는 보수적인 기독교인인 지휘자이자 음악학자인 라조스 바르도스의 강의에 정기적으로 참석하는 이례적인 조치를 취했습니다. 작곡가는 바르도스의 두 개의 화성 교과서(1954년과 1956년)의 서문에서 그의 도움과 조언을 인정했습니다.[10] 공산주의 정부의 제한 때문에, 헝가리와 서방 사이의 의사소통은 그때까지 어려워졌고, 리게티와 다른 예술가들은 동구권 밖의 최근의 발전으로부터 사실상 단절되었습니다.

헝가리를 떠난후

헝가리 봉기가 소련군에 의해 격렬하게 진압된 지 두 달 후인 1956년 12월, 리제티는 전 부인 베라 스피츠와 함께 비엔나로 도망쳤습니다.[11] 그들은 1957년에 재혼했고 아들을 함께 낳았습니다.[12][13] 그는 부다페스트에서 열린 대회의 심사를 위해 헝가리에 초청되었을 때, 14년 동안 헝가리를 다시 볼 수 없을 것입니다.[14] 빈으로 급히 도망치는 동안, 그는 헝가리 작곡의 대부분을 부다페스트에 남겼으며, 그 중 일부는 현재 분실되었습니다. 그는 자신의 가장 중요한 작품이라고 생각되는 것만 가져갔습니다. 그는 나중에 "저는 저의 오래된 음악을 전혀 흥미가 없다고 생각했습니다. 저는 12음 음악을 믿었습니다!"[15] 그는 결국 1968년 오스트리아 시민권을 취득했습니다.[12]

1957년 7월 Darmstädter Ferienkurse에서 카를하인츠 슈토크하우젠 강의

비엔나에 도착한 지 몇 주 후, 리제티는 쾰른으로 떠났습니다.[16] 그곳에서 그는 몇몇 주요 아방가르드 인물들을 만났고 더 현대적인 음악 스타일과 방법을 배웠습니다.[17] 이 사람들은 카를하인츠 슈토크하우젠과 고트프리트 미카엘 코에니그 작곡가를 포함하고 있으며, 둘 다 그 당시 획기적인 전자 음악을 작업하고 있었습니다. 여름 동안, 그는 다름슈테터 페리엔쿠르스에 다녔습니다. 리제티는 쾰른 일렉트로닉 뮤직 스튜디오에서 스톡하우젠, 코에니그와 함께 일했고 거기서 들은 소리에 영감을 받았습니다. 그러나, 그는 그 자신의 전자 음악을 거의 제작하지 않았고, 대신 종종 전자 소리가 나는 질감을 포함하는 악기 작업에 집중했습니다.

그들과 약 3년 동안 함께 일한 후, 그는 쾰른 전자 음악 학교와 사이가 틀어졌습니다. 왜냐하면 많은 파벌 싸움이 있었기 때문입니다. "스톡하우젠과 같은 다른 사람들이 1등을 하고 싶어했기 때문입니다. 그리고 저는 개인적으로 1등이 되거나 중요해지고 싶은 야망이 없습니다."[6]

1961년부터 1971년까지 스톡홀름에서 작곡 객원 교수로 재직했습니다. 1972년에 그는 미국 스탠포드 대학교의 레지던트 작곡가가 되었습니다.[7]

1973년에 함부르크 호흐슐레퓌르 뮤지쿤드 극장의 작곡 교수가 되었고, 1989년에 은퇴했습니다.[18] 그가 함부르크에 사는 동안, 그의 아내 베라는 나중에 작곡가가 된 그들의 아들 루카스와 함께 비엔나에 머물렀습니다.[19]

발터 핑크의 초대를 받은 리게티는 1990년 라인가우 뮤직 페스티벌의 매년 열리는 콤포니스텐포르트에 출연한 첫 번째 작곡가였습니다.[20]

르네상스에서 아프리카 음악에 이르기까지 다양한 음악 스타일에 대한 광범위한 관심 외에도, 리게티는 문학(작가 루이스 캐롤, 호르헤 루이스 보르헤스, 프란츠 카프카를 포함), 회화, 건축, 과학, 수학에도 관심이 있었습니다. 그는 특히 브누아 만델브로의 프랙탈 기하학과 더글라스 호프스태터의 글에 매료되었습니다.[21]

죽음.

빈 중앙묘지에 있는 리게티의 무덤

리제티의 건강은 천년을 넘기면서 악화되었고, 2006년 6월 12일 빈에서 83세의 나이로 사망했습니다.[19][22] 그가 몇 년 동안 아팠고, 그의 삶의 마지막 3년 동안 휠체어를 사용했던 것으로 알려졌지만, 그의 가족은 그의 사망 원인에 대한 자세한 공개를 거부했습니다.[23]

오스트리아의 수상 볼프강 쉬셀과 미술장관 프란츠 모락은 모두 리제티에게 경의를 표했습니다.[24] 그의 장례식은 푀르할레 시머링에서 열렸습니다.[25] 추모 콘서트는 피에르 로랑 아이마르와 아놀드 쇤베르크 합창단에 의해 공연되었습니다.[25] 그의 유골은 빈 중앙 묘지에 안장되었습니다. 에렌그랩).[26]

그의 유족으로는 아내 베라와 아들 루카스가 있었습니다.[19] 후자는 미국에 기반을 둔 작곡가이자 타악기 연주자입니다.[27]

음악

참고 항목: 요르기 리제티의 작품 목록

헝가리의 작곡

리게티의 초기 작품들 중 많은 것들이 합창을 위해 쓰여졌고 민요의 배경을 포함했습니다. 이 시기에 그의 가장 큰 작품은 4명의 성악 솔리스트, 코러스, 오케스트라를 위한 칸타타라는 제목의 부다페스트 아카데미 졸업작이었습니다. 현재 레퍼토리에 있는 그의 초기 작품 중 하나는 1948년과 1953년에 쓰여진 대조적인 두 악장의 작품인 그의 첼로 소나타입니다. 이것은 처음에 소련이 운영하는 작곡가 연합에 의해 금지되었고, 4반세기 동안 대중들에게 공연되지 않았습니다.[28]

리게티의 초기 작품들은 종종 벨라 바르토크의 음악 언어의 확장입니다. 심지어 그의 피아노 사이클인 Musicaricercata (1953)도 리제티에 따라 "내가 알고 사랑하는 모든 음악을 존재로 간주했다. 이 곡은 바르토크의 피아노 작품집인 미크로코스모스와 매우 가까운 세계에서 온 것으로 한 전기 작가에 의해 묘사되었습니다.[29][30] 리게티 세트는 총 11개로 구성되어 있습니다. 이 작품은 단순한 제한에 기반을 두고 있습니다: 첫 번째 작품은 여러 옥타브에서 들리는 한 음정 A만을 사용하고, 작품의 맨 끝에만 두 번째 음정 D가 들리는 것입니다. 두 번째 작품은 3개의 음표(E ♯, F ♯, G)를 사용하고, 세 번째 작품은 4개 등을 사용하여 마지막 작품에 12개의 반음계 음표가 모두 존재합니다.

작곡 직후, 리게티는 '바람 5중주를 위한 여섯 개의 바가텔'이라는 제목으로 바람 5중주를 위한 뮤지카 라이서카타의 악장 중 여섯 개를 편곡했습니다. 바가텔스는 1956년에 처음 공연되었지만 전체적으로 공연되지는 않았습니다. 마지막 악장은 소련이 너무 '위험하다'는 이유로 검열했습니다.[31]

소련의 검열 때문에, Musica Ricercata와 그의 현악 4중주곡 Métamorphose nocturns (1953–1954)를 포함하여, 이 시기의 그의 가장 대담한 작품들은 '아래 서랍'을 위해 쓰여졌습니다. 동기적으로 연결된 17개의 대조적인 섹션으로 나누어진 단일 악장으로 구성된 [32]제1현악 4중주는 개인적인 작곡 스타일을 제안한 리게티의 첫 번째 작품입니다. 현악 4중주는 그가 헝가리에서 빈으로 떠난 후인 1958년까지 공연되지 않았습니다.[33]

1956년부터 르 그랑 마카브르까지

리게티 (1984년 2월 1일)

쾰른에 도착하자마자, 리제티는 서독 라디오 (WDR)의 전자 스튜디오에서 카를하인츠 슈토크하우젠, 고트프리트 미하엘 쾨니히와 함께 전자 음악을 작곡하기 시작했습니다. 그러나 그는 이 매체에서 단 두 작품, 즉 글리산디 (1957)와 아티큘레이션 (1958)을 완성한 후 기악곡으로 돌아갔습니다. 원래 제목은 Atmospères이지만 나중에 Pièce électronique Nr. 3으로 알려진 세 번째 작품이 계획되었지만 당시의 기술적 한계로 인해 Ligeti는 이를 완전히 실현할 수 없었습니다. 그것은 마침내 1996년 네덜란드의 작곡가 Kees Tazelaar와 the Institute of Sonology의 Johan van Kreij에 의해 실현되었습니다.[34]

리제티의 음악은 이후 그의 전자 실험에 의해 영향을 받은 것으로 보이며, 그가 만들어낸 많은 소리들은 전자 질감과 유사했습니다. 리게티는 "소다성음악"이라는 용어를 창안하여 제2악장인 "Arpitions" (1958–59)와 "Atmospères" (1961)의 질감을 설명했습니다. 이 질감은 폴리포니가 조밀하고 풍부한 피치 더미로 가려져 있다는 점을 제외하고는 폴리포니와 유사합니다.[35] 마이크로 폴리포니는 Atmospheres와 같이 거의 정적이지만 천천히 진화하는 작품을 만드는 데 사용될 수 있습니다. 여기서 개별 악기들이 복잡한 소리의 그물에 숨겨져 있습니다. 리게티에 따르면, "예능과 분위기" 이후 그는 "유명해졌다"고 합니다.[36]

리제티는 솔로 오르간을 위한 볼륨리나(Volumina, 1961-62, 1966 개정)와 함께 음의 블록으로 번역된 음의 클러스터를 계속했습니다. 이 작품에서, 리제티는 일반적인 음정 영역, 지속 시간, 그리고 음들의 플러시를 나타내기 위해 대신 다이어그램을 사용하여 전통적인 음악 표기법을 포기했습니다.[37]

푸엠 심포니크(Poème symphonique, 1962)는 플럭서스(Fluxus) 운동을 잠시 알게 된 동안 100개의 기계식 메트로놈을 위한 작품입니다.

아벤투어스(1962-1965)는 반주곡 누벨스 아벤투어스(1962-65)와 마찬가지로 세 명의 가수와 기악 7중주를 위한 작곡으로, 의미론적 의미가 없는 텍스트(Ligeti 자신의 고안)입니다. 이 작품들에서 각각의 가수는 다섯 가지 역할을 맡아 다섯 가지 감정 영역을 탐색하고, 그들은 너무 빠르고 갑자기 한 영역에서 다른 영역으로 전환하여 다섯 가지 영역이 모두 작품 전체에 존재합니다.[38]

레퀴엠(1963-65)은 소프라노와 메조소프라노 독주자, 20부 합창단(소프라노, 메조소프라노, 알토, 테너, 베이스 각 4명), 오케스트라를 위한 작품입니다. 약 30분 정도에 그 때까지 작곡한 곡 중 가장 긴 곡이지만,[39] 리제티는 레퀴엠의 전통적인 텍스트인 "Introitus", "Kyrie"(완전한 반색의 준푸가, 그 부분들이 카리스마 있고 미소다성을 생략한 몽타주인), 그리고 "Diesirae"는 후자의 순서를 "De die judicii"와 "Lacrimosa"의 두 부분으로 나누었습니다.

Lux Aeterna (1966)는 16개의 목소리로 이루어진 아카펠라 작품으로, 텍스트는 라틴어 레퀴엠과도 연관되어 있습니다.

지그프리드 팜에게 헌정된 리게티의 첼로 협주곡 (1966)은 두 악장으로 구성되어 있습니다: 첫 번째 악장은 거의 감지할 수 없는 첼로로 시작하는데, 이 첼로는 오케스트라와 정적인 음색 클러스터로 서서히 변화하여 크레센도에 도달하고 서서히 붕괴됩니다. 반면에 두번째는 첼로부분의 역동적인 무조 선율의 거장입니다.[40]

전체 오케스트라를 위한 Lontano(1967)는 마이크로 폴리포니의 또 다른 예이지만, 전체적인 효과는 조화에 더 가까우며, 복잡한 짜임새와 소리의 불투명성이 조화로운 효과를 발생시킵니다. 표준 레퍼토리 작품이 되었습니다.[41]

현악 4중주 2번(1968)은 5악장으로 구성되어 있습니다. 그들은 운동 유형이 서로 크게 다릅니다. 첫째, 구조는 아벤쳐스에서와 같이 크게 분해됩니다. 두 번째는 모든 것이 아주 느린 동작으로 축소되고, 음악이 멀리서 오는 것 같고, 서정성이 아주 좋습니다. 피자에서 세 번째 악장은 기계와 같은 연구이며, 딱딱하고 기계적이며, 반복되는 음을 연주하는 부품들이 "과립된" 연속체를 만듭니다. 빠르고 위협적인 네 번째는 이전에 일어난 모든 일들이 함께 채워집니다. 마지막으로 강한 대조를 이루면서 5악장이 저절로 펼쳐집니다. 각 동작에서 동일한 기본 구성이 되돌아오지만 매번 색상이나 관점이 다르기 때문에 전체적인 형태는 맥락적으로 5가지 동작을 모두 들을 때만 나타납니다.[42]

실내악 협주곡 1년 전에 완성된 라미네이션(1968-69)은 바이올린 7개, 비올라 2개, 첼로 2개, 베이스 2개 등 12개 부분의 현악 합주곡에 대해 악보화되어 있으며, 각각의 현악 합주곡은 한 명의 연주자 또는 여러 명이 맡을 수 있습니다. 12개의 악기는 숫자적으로 같은 두 그룹으로 나뉘지만 첫 번째 그룹의 악기는 약 4분의 1음 높은 음조(바이올린 4개, 비올라 1개, 첼로 1개)로 조정됩니다. 그룹 플레이를 할 때, 더 높은 음조를 가진 사람은 필연적으로 다른 사람을 향해 미끄러지는 경향이 있고, 둘 다 음정이 서로 가까워집니다.[42]

실내악 협주곡 (1969–70)에서, 여러 층, 과정, 그리고 여러 종류의 움직임들이 다른 평면들에서 동시에 일어날 수 있습니다. "senza tempo"의 잦은 표시에도 불구하고, 기악 연주자들은 선형적인 자유가 주어지지 않습니다; Ligeti는 어떤 순간에도 자신의 질감을 엄격하게 통제할 것을 주장합니다. 형태는 "정밀 메커니즘"과 같습니다. 리게티는 항상 제대로 작동하지 않는 기계와 기술과 자동화의 세계에 매료되었습니다. 신뢰할 수 없는 기계를 암시하는 주기적인 기계적 소음의 사용은 그의 많은 작품에서 발생합니다. 채점은 플루트 (더블 피콜로), 오보에 (더블 오보에 다모레와 코랑글라이스), 클라리넷, 베이스 클라리넷 (더블 세컨드 클라리넷), 호른, 트롬본, 하프시코드 (더블 해먼드 오르간), 피아노 (더블 첼레스타), 솔로 현악 5중주입니다.[43] 그는 또한 플루트, 오보에 & 오케스트라를 위한 이중 협주곡 (1972)을 작곡했습니다.

이러한 작곡의 대부분은 전통적으로 선호되는 음정과 리듬의 차원이 아닌 음색을 주요 형식 매개변수로 설정하며, 이는 소노리즘으로 알려지게 되었습니다.[44] 1970년대부터, 리제티는 소노리즘을 외면하고 리듬에 집중하기 시작했습니다. 그가 1972년 스티브 라이히와 테리 라일리의 음악을 듣기 전에 "Continuum" (1968)과 "Clocks and Clouds" (1972–73) 같은 곡들이 쓰여졌습니다. 그러나 "라이히와 라일리 (그리고 쇼팽을 배경으로 한 자화상"이라는 제목의 그의 두 대의 피아노를 위한 세 작품 (1976) 중 두 번째 작품은 이러한 긍정과 영향을 기념합니다. 1970년대에 그는 또한 중앙 아프리카 공화국 출신의 반다-린다 부족의 다성 파이프 음악에 관심을 갖게 되었고, 그는 그의 학생 중 한 명의 녹음을 통해 들었습니다.[45]

1977년, 리제티는 그의 유일한 오페라 <르 그랑 마카브르>를 창단 13년 만에 완성했습니다. 미셸 드 겔데로의 1934년 희곡 '라발라드 뒤 그랑 마카브레'를 대략적으로 바탕으로 한 이 작품은 "반오페라"라고 불리는 리게티의 작품으로, 죽음(네크로타르)이 가상의 도시인 브뢰헬란드에 도착해 자정에 세상의 종말이 일어날 것을 알립니다. 음악적으로 르 그랑 마카브르는 다른 작품의[46] 인용과 의사 인용, 자음 3분의 6분의 1의 사용 등 리게티의 이전 작품과 관련이 없는 기술을 그립니다. 르 그랑 마카브르 이후, 리제티는 파스티치의 사용을 포기했지만,[47] 비록 격조적인 맥락은 아니지만, 점점 더 자음 조화(장단조 및 단조 3화음)를 그의 작품에 포함시켰습니다.

르 그랑 마카브르 이후

왼쪽에서 오른쪽으로: 1982년 오스트리아 그라츠에서 열린 ISCM 월드 뮤직 데이에서 교르지 리게티, 루카스 리게티, 베라 리게티, 콘론 난카로우, 마이클 도허티.

르 그랑 마카브르 이후, 리제티는 새로운 스타일을 찾기 위해 한동안 고군분투했습니다. 하프시코드를 위한 짧은 두 곡 외에, 그는 오페라가 끝난 후 4년이 넘는 1982년 바이올린, 호른, 피아노를 위한 트리오까지 또 다른 주요 작품을 완성하지 못했습니다. 1980년대와 1990년대의 그의 음악은 복잡한 기계적 리듬을 계속 강조했고, 종종 덜 조밀한 반음계의 관용구로, 교체된 주요 3화음과 다모음 구조를 선호하는 경향이 있었습니다. 이 시기에 리제티는 호른 트리오와 피아노 협주곡처럼 호른을 위한 자연 화성과 바이올린 협주곡처럼 현을 위한 스코르다투라를 사용하여 대체 조율 체계를 탐구하기 시작했습니다. 또한 이 시기 그의 작품은 애트모스와 샌프란시스코 폴리포니의 확장된 단일 악장이 아닌 다악장 작품이 대부분입니다.

1985년부터 2001년까지 피아노를 위한 에투데스 3권(1985년 1권, 1988-94년 2권, 1995-2001년 3권)을 완성했습니다. 총 18개의 작곡으로 구성된 에투데스는 게임란,[48][49][50] 아프리카 폴리리듬, 벨라 바르토크, 콘론 난카로우, 델로니우스 몽크,[50][51] 빌 에반스 등 다양한 출처에서 끌어옵니다. 1권은 피아노 협주곡을 준비하기 위한 것으로, 비슷한 동기부여와 선율적인 요소들이 많이 포함되어 있습니다. 리제티의 지난 20년 동안의 음악은 리듬적인 복잡성으로 인해 명백합니다. 그의 첫 번째 피아노 에투데스 책에 대해 쓰면서, 그 작곡가는 이 리듬적인 복잡성이 두 개의 매우 다른 영감의 원천으로부터 비롯된다고 주장합니다: 쇼팽과 슈만의 낭만주의 시대의 피아노 음악과 사하라 사막 이남의 아프리카의 토착 음악.[52]

이전 작품과 이후 작품의 차이점은 맥박에 대한 새로운 개념에 있습니다. 초기 작품에서 맥박은 둘, 셋 등으로 나누어져야 할 것입니다. 이러한 다양한 세분화의 효과는 특히 동시에 발생할 때 청각적 풍경을 흐리게 하여 리게티 음악의 미시적 다성 효과를 만들어냅니다.[53]

반면에 후기의 음악, 그리고 연속체와 같은 몇 개의 이전 작품들은 펄스를 더 이상 나눌 수 없는 음악적 원자, 공통 분모, 기본 단위로 다루고 있습니다. 분열이 아닌 기본적인 펄스의 곱셈을 통해 다른 리듬이 나타납니다. 이것이 리게티가 장악한 아프리카 음악의 원리입니다. 필립 글래스, 스티브 라이히 등의 음악에도 등장하며, 리게티의 젊은 시절 음악인 발칸 민속 음악의 부가 리듬과 상당한 공통점을 가지고 있습니다.[54] 그는 Conlon Nancarrow의 음악에 대해 "베른과 아이브스 이후 가장 위대한 발견"이라고 설명했습니다. 모든 음악 역사에 있어 훌륭하고 중요한 것! 그의 음악은 완전히 독창적이고, 즐겁고, 완벽하게 구성되어 있지만, 동시에 감성적입니다. 오늘날 살아있는 작곡가들 중 최고의 음악입니다."[55]

1988년, 리제티는 피아노 협주곡을 완성했고, "나는 피아노 협주곡에 나의 예술적인 신조를 제시합니다. 저는 전통적인 아방가르드의 기준으로부터 독립적인 것을 보여주고, 유행을 따르는 포스트모더니즘을 보여주고 있습니다."[56] 협주곡의 초기 스케치는 1980년에 시작되었지만 1985년이 되어서야 그는 앞으로 나아갈 길을 찾았고 작업은 더 빠르게 진행되었습니다.[57] 콘체르토는 에투데스에서 발견된 많은 아이디어들을 탐구하지만 관현악적인 맥락에서 이루어집니다.

Akros Percussion Collective with Nina Eidsheim
아크론 대학의 소프라노 니나 아이즈하임과 함께 아크로스 퍼커션 콜렉티브의 시팔, 도발, 나디헤지드 ű벨 공연. 이 부분에서 타악기 연주자들은 반음계 하모니카를 연주합니다 (2009년 5월 3일).

1993년, 리제티는 4년간의 작업 끝에 바이올린 협주곡을 완성했습니다. 피아노 협주곡처럼 바이올린 협주곡은 그 당시까지 그가 발전시킨 폭넓은 기법과 그가 현재 구상하고 있는 새로운 아이디어를 사용하고 있습니다. 다른 기술들 중에서도,[58] 그것은 "마이크로 톤, 빠르게 변하는 질감, 코믹한 병치..."라는 파사칼리아를 사용합니다. 헝가리 민속 선율, 불가리아 춤 리듬, 중세와 르네상스 음악에 대한 언급, 느린 박자와 감미로운 음색부터 각지고 불타는 듯한 느낌까지 다양한 바이올린 독주곡."[59]

이 시기의 다른 주목할 만한 작품은 윌리엄 브라이티 랜즈, 루이스 캐롤, 하인리히 호프만의 영어 텍스트를 설정한 6개의 아카펠라 작곡 세트인 비올라 소나타 (1994)와 넌센스 마드리갈스 (1988–93)입니다. 세 번째 마드리갈은 영어 알파벳의 설정입니다.

리게티의 마지막 작품은 독주 호른을 위한 함부르크 협주곡, 네 개의 천연 호른과 실내악 오케스트라 (1998-99, 2003년 개정, 마리 루이스 노이네케르에게 헌정), 노래 사이클 시팔, 도발, 나디헤지드 ű벨 ("파이프, 드럼, 피들과 함께", 2000), 18번째 피아노 에튀드 "카논" (2001)이었습니다. 인쇄된 악보와 함부르크 협주곡의 원고에는 수많은 오류와 불일치가 포함되어 있습니다.[60] 이탈리아 작곡가 알레시오 엘리아가 실현하고 Edition Impronta가 출판한 책 'Hamburgisches Konzert by Györg Ligetti'에 실린 이 작품의 수정본은 Szabolcs Zempléni를 솔로 호른으로 한 협주곡 부다페스트 리게티 앙상블에 의해 실현된 이 작품의 수정된 첫 번째 연주에 사용되었습니다. 그 오케스트라는 Gergely Vajda의 병으로 대체된 Peter Eötvös에 의해 지휘되었어야 했습니다.[61] 게다가, 르 그랑 마카브르 이후, 리게티는 처음에는 셰익스피어의 템페스트를 기반으로 하고 나중에는 캐롤의 이상한 나라에서의 앨리스의 모험을 기반으로 하는 두 번째 오페라를 쓰기로 계획했지만, 둘 다 결실을 맺지 못했습니다.[62][63]

레거시

리제티는 "불레즈, 베리오, 스톡하우젠, 케이지와 함께 그 시대의 진보적인 인물 중 가장 혁신적이고 영향력 있는 인물 중 한 명"으로 묘사되었습니다.[2] 1960년경부터, 리게티의 작품은 더 잘 알려지고 존경을 받게 되었습니다.[clarification needed] 그의 가장 잘 알려진 작품은 그의 오페라 르 그랑 마카브르 뿐만 아니라 아트모스페레스, 볼륨리나, 아벤투레스와 누벨스 아벤투레스, 레퀴엠, 룩스 아에테르나, 그리고 그의 첼로 협주곡을 포함하는 아르피티옹에서 론타노까지의 기간 동안 쓰여졌습니다. 최근 몇 년 동안, 그의 피아노 에튀드 세 권의 책 또한 유명해졌고 피아니스트 피에르 로랑 아이마르의 악보 프로젝트의 주제입니다.[64]

스탠리 큐브릭의 영화 속 음악

리게티의 음악은 스탠리 큐브릭의 세 편의 영화에 사용된 것으로 20세기 클래식 음악을 알지 못하는 대중들에게 가장 잘 알려져 있으며, 그로 인해 그는 전 세계적인 관객을 확보했습니다.[19] 2001: 스페이스 오디세이의 사운드트랙에는 그의 작품 중 4개에서 발췌한 내용이 포함되어 있습니다. Atmospères, Lux Aeterna, Requiem and Aventures.[65] "스타 게이트" 시퀀스 중에 분위기가 들리며, 서곡과 인터미션에서도 일부가 들립니다. Lux Aeterna는 Tycho monolith로 가는 달 버스 장면에서 들립니다. 그의 레퀴엠의 키리 수열은 처음 세 번의 모놀리스 조우를 통해 들립니다. 영화 크레딧에 등재되지 않은 아벤쳐스의 전자 변형 버전이 암호화된 마지막 장면에서 들립니다. 음악이 사용되었고, 경우에 따라서는 리제티의 지식 없이, 완전한 저작권 승인 없이 수정되었습니다. 그가 영화에서 그의 음악 사용에 대해 알게 되었을 때, 그는 "그의 음악이 왜곡되었다는 이유로 성공적으로 고소"[66]했고 그들은 법정 밖으로 화해했습니다. Kubrick은 허락을 구했고 이후 영화에서 그의 음악을 사용한 것에 대해 Ligetti에게 보상했습니다.[67]

Lux Aeterna는 Peter Hyams의 1984년 속편인 2001년, 2010년에 다시 사용되었습니다.[68]

나중에 개봉한 큐브릭 영화 샤이닝은 오케스트라를 위해 론타노의 작은 부분들을 사용합니다.[69]

리게티의 Musicaricercata 2악장의 한 모티프는 Kubrick의 Eyes Wide Shut에서 중추적인 순간에 사용됩니다.[70] 그 영화의 독일 시사회에서 큐브릭이 사망했을 때, 그의 미망인은 리게티 자신의 호위를 받았습니다.[71]

다른 영화와 미디어의 음악

리제티의 작품은 또한 다른 감독들에 의해 수많은 영화에서 사용되었습니다. 론타노는 마틴 스코세이지 감독의 2010년 심리 스릴러 영화 셔터 아일랜드에서도 사용되었습니다.[72] 첼로 협주곡의 첫 번째 악장은 1995년 마이클 맨 범죄 영화 히트에서 사용되었습니다.[68] 레퀴엠은 2014년 영화 고질라에 사용되었습니다.[73] 첼로 협주곡과 피아노 협주곡은 요르고스 란티모스 감독의 2017년 영화 '성스러운 사슴 죽이기'에 사용되었습니다.[74][75]

그의 음악은 텔레비전과 라디오에서도 사용되었습니다. 론타노, 애트모스페레스, 첼로 협주곡 제1악장은 전후 독일 예술가 안셀름 키퍼에 대한 소피 피에네스의 다큐멘터리 '도시 위의 풀밭은 성장할 것입니다'에서 사용되었습니다.[76] Lontano, Melodien, 그리고 Volumeina는 The Hitchhiker's Guide to the Galaxy의 라디오 시리즈의 Fit the First, Fit the Fifth, 그리고 Fit the Sixth에서 가이드의 내러티브 섹션의 배경 음악으로 사용되었습니다.[77]

상

2023년 몰도바 우표에 라이게티

명예박사학위 소지자

눈에 띄는 학생들

리제티의 주목할 만한 학생들은 교사별 음악 학생 목록: K to M § 교르지 리제티를 참조하십시오.

글

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  • — (1960). "Wandlungen der musikalischen Form". Die Reihe. 7: "Form—Raum": 5–17.코넬리우스 카듀(Cornelius Cardew)가 번역한 "Metamorphoses of Musical Form"— (1960). "Wandlungen der musikalischen Form". Die Reihe. 7: "Form—Raum": 5–17.이라는 영어. 다이 레이헤 [영문판] 7 "형식-공간" (1964): 5-19.
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원천

영화들

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외부 링크

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