Cultura Visual

Este artigo se deriva do segundo capítulo da tese de doutorado Tempo de guerra: cultura visual e cultura política nas fotografias de guerra dos fundadores da agência Magnum (1936-1947), defendida em 2013 no Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp. A argumentação desenvolvida no capítulo e resumida no presente artigo é central para a tese, pois ela se concentra no estudo de caso de duas imagens até hoje consideradas como ícones, a fotografia de Robert Capa que ficou conhecida pelo nome de “o miliciano caindo”, e a de David Seymour “Chim”, que ficou conhecida pelo nome de “a mãe de Estremadura”. Ambas foram feitas em 1936 na Espanha, e circularam no contexto da guerra civil que estourou naquele ano. Ao discutir os elementos técnicos, estéticos e ideológicos presentes no processo de constituição dessas imagens, discute-se também a própria noção de ícone na fotografia. A argumentação aqui apresentada de forma condensada foi relevante no contexto da pesquisa pois, inclusive, levantou campos em que ela poderia se expandir, apontando para o caminho que a pesquisadora atualmente segue, a fotografia humanista em suas diversas manifestações e associações políticas.

This paper is originated from the second chapter of the PhD thesis Tempo de Guerra: cultura visual e cultura política nas fotografias de guerra dos fundadores da agência Magnum (1936-1947), which was presented at Unicamp in 2013. The discussion presented in the chapter and summarized in this paper is central to the thesis, as it concentrates on the case study of two images recognised as icons to this day: Robert Capa’s photograph known as “the falling militiaman” and David Seymour Chim’s photograph known as “the mother from Estremadura”. Both were made in Spain in 1936 and circulated in the context of the civil war that erupted that year. As we discuss the technical, aesthetical and ideological elements in the processes of constructing these images, we discuss the very notion of photographic icon as well. The discussion presented here in a condensed form was also important for the PhD research because it unveiled directions through which it could expand, and pointed out the way to the work the researcher is currently developing, about humanist photography in its various manifestations and political associations.

El artículo analiza las representaciones visuales
de afroporteños producidas entre las décadas
de 1830 y 1860, periodo durante el cual gran
parte de este sector de la población se vio inmerso
dentro de una promesa de libertad. Formulaciones
legales como la ley de «Libertad de
Vientres» de 1813 (y el reglamento consecuente)
o las reiteradas pero escasamente cumplidas
prohibiciones del tráfico negrero (1812, 1825,
1839) no implicaron una ruptura radical con la
institución esclavista sino que testimoniaron su
abolición gradual, hecha efectiva en todo el territorio
en 1860 con la unificación de la Confederación
Argentina y el Estado de Buenos Aires. En
este contexto abordaremos un corpus de imágenes
atendiendo a los modos en que los afroporteños
fueron figurados en ellas, examinando en
qué medida estas representaciones permiten vislumbrar
el estatus jurídico de los representados.

O artigo discute a relação entre fotografia e saudade, a fim de observar como a imagem fixa mantém conexões com esse complexo sentimento. Para aprofundar a questão, apresenta apontamentos sobre as perdas que envolvem a fotografia: dos entes queridos que não mais existem-imortalizados nos retratos-, da materialidade da imagem e da vocação mnemônica atribuída aos registros da câmera. A partir desse exercício de reflexão, é possível depreender que a fotografia, em suas diversas fases e usos sociais, ainda preserva sua vocação elegíaca, a suscitar saudades.

La información apoyada en elementos gráficos no es novedad alguna en el mundo de la información periodística. Desde siempre, por medio de‘ilustraciones o de gráficos más o menos sencillos, la‘presencia de los elementos no textuales ha ayudado a la comprensión del mensaje presentado en formato literario, ha facilitado el entendimiento del mensaje escrito, pues ésa era la finalidad de su inserción entre las informaciones, como valiosos complementos.

במאמר זה אבחן את טבעו של השיח המקוון, קרי השיח המתבצע באינטרנט: דואר אלקטרוני, צ'טים, פורומים, בלוגים, רשתות חברתיות וכד'. כמו כל תופעה בעולם הנחקרת בכלים פילוסופיים, ניתן לחקור את השיח המקוון באמצעות תאוריות וכיווני הגות מגוונים. בכוונתי להצטמצם במאמר זה ולנתח את השיח המקוון באמצעות כלי החשיבה והניתוח הפוסט-סטרוקטורליסטיים לאור כתיבה אקדמית עכשווית זו ובעיקר לאור ההטרמה הרבה של דרידה ולאקאן לשיח האינטרנטי. ברצוני  לאפיין היבט מסוים ומהפכני של השיח המקוון באמצעות ההגות הפוסט-סטרוקטורליסטית ולהצביע על היותה של השפה המקוונת שפה נטולת הכרעה, כלומר, שפה בה אין לשיח הדבור עליונות על פני השיח הכתוב, ומכאן נובע ההיבט המהפכני שלה. כפי שציינתי קשה להציג את ההיבט המסוים הזה של השיח המקוון בלא להשתמש בכלים, במתודות החשיבה ובז'רגון הפוסט-סטרוקטורליסטי מול השיח הנפוץ בקרב חוקרי שפה רבים החוקרים את שפת האינטרנט, שיח הממשיך לאחוז במידה רבה בהיגיון של המטפיזיקה המערבית בדבר עליונותה של השפה הדבורה על הכתובה כמייצגת דובר בעל נוכחות וסמכות.

O presente artigo aborda os modos de representação
e circulação de fotografias de populações negras nos anos iniciais da expansão colonialista europeia, entre o final do século
XIX e início do século XX. Com base em cartes de visite e especialmente cartões-postais com imagens de africanos, afro-caribenhos e afro-brasileiros, o texto propõe uma abordagem transnacional acerca dos modos como os cânones visuais e produções
de sentido oriundos da cultura visual/racial do colonialismo
europeu foram reproduzidos nas fotografias comerciais do período

Desde fines del siglo XIX la concentración fabril y ferroviaria en La Boca hicieron que se congregara un intenso movimiento sindical socialista
y anarquista. La actividad portuaria condensaba la mayoría de los aspectos de la vida barrial y allí se desarrollaron militancias gremiales y políticas, que lo convirtieron en un ámbito fundamental de la experiencia
obrera a principios del siglo xx. En este ambiente se destacó Santiago Stagnaro, quien desde su juventud trabajó en los astilleros y se identificó
con la causa proletaria.

En el contexto sociológico actual, la cultura visual del cine y la televisión tiene una influencia significativa en la confección de la identidad y la personalidad de quienes pertenecen al colectivo de menores, sobre todo debido a la cuantía de horas que destinaa consumir estos productos de manera pasiva y recibien-do  mensajes  que  indirectamente  calan  en  su  subconsciente.  Este  impacto  es  mucho  mayor  cuando  se atiende  a  marcas  comerciales  de  gran  alcance    mundial  como  Disney,  las  cuales  llegan  a  quienes pertenecena la infancia a través de todo el merchandisingelaborado. Por ello, se plantea la necesidad de  analizar  críticamente  los  aspectos  del  currículo  de  Educación  Infantil  vigente  para  la  Comunitat  Va-lenciana; estudiando la cabida y el respaldo legal que tienela cultura visual como contenido de aprendi-zaje  en  la  primera  etapa  de  escolarización.  Asimismo,  para  conseguirlo  se  recurre  a  una  metodología descriptiva –interpretativa y de revisión. Gracias a esta es posible determinar el escaso tratamiento que tienela  Educación  Artística –disciplina  en  la  que  se  enmarca  la  cultura  visual –en  el  currículo  de  Edu-cación  Infantil  a  lo  largo  de  la  historia  de  la  educación.  No  obstante,  en  contraposición,  se  volara  posi-tivamente la apertura que supone dicho marco legal para que cada docente introduzca aquellos aspec-tos  que  suponen  una  necesidad  para  la  formación  integral  de  quienes  componen  su  grupo-clase  y  que no quedan especificados, entre otros, la cultura visual de Disney como formadora de identidades y per-sonalidades.

Buscaríamos en vano un orden político que no se haya sustentado y expresado a través de algún determinado régimen de visión, es decir, tanto de una determinada administración de la visibilidad y la invisibilidad cuanto de la aplicación de procedimientos específicos del hacer visible (y por ende, del no hacer visible y del hacer invisible) y de su control, y de la administración de la mirada aceptable o legítima.

La puesta en escena ha sido históricamente una característica sobresaliente de la fotografía de culturas no europeas. Imágenes producidas en Asia, África y América han construido realidades artificiales a partir del eje dicotómico civilización-barbarie. Paradójicamente en ciertas ocasiones aquel "primitivo" ha sido representado fotográficamente como un "amigo". Este procedimiento se reflejó especialmente en poses y dispositivos visuales que pretendieron poner en evidencia una relación armoniosa entre fotógrafos y fotografiados. En Argentina, las fotografías de pueblos indígenas del Chaco producidas por el Estado a fines del siglo XIX y principios del XX, escenificaron una política del acuerdo y de la amistad. La región chaqueña,última en ser conquistada militarmente, también fue representada como un espacio de convivencia pacífica con quienes se transformaron visualmente en "indios amigos".El interés de este trabajo es abordar, desde la perspectiva de la historia cultural, un conjunto de fotografías obtenidas en la Reducción indígena de Napalpí (creada en 1912) y atribuidas al antropólogo alemán Robert Lehmann Nitsche. Discutir el rol de la imagen como testimonio (in)directo de la masacre producida en dicho contexto en 1924. Analizar la Reducción como espacio de control y vigilancia, donde pese a la violencia y la muerte, se mostró fotográficamente un escenario pacífico de amistad con el otro. Amistad que los propios relatos de la comunidad indígena pone en duda en la actualidad.

En Separata, Centro de Investigaciones de Arte Argentino y Latinoamericano, Facultad de Humanidades y Artes, Universidad Nacional de Rosario, a. XIII, n. 18, diciembre de 2013, pp. 3-17. ISSN: 1853-3353 (En co-autoría con Georgina Gluzman y Lía Munilla)

El vídeo-ensayo como forma de pensamiento audiovisual tiene sus máximos re- ferentes en el denominado cine de ensayo y algunas de sus producciones pueden ser incluidas dentro del ámbito del videoarte. Sus características pedagógicas lo convierten en una estrategia de indagación y aprendizaje audiovisual apropiada para la enseñanza artística, especialmente en la comprensión de las diferentes formas, procedimientos y técnicas relacionadas con el audiovisual contemporá- neo. En este artículo se recoge una experiencia de vídeo-ensayo en el ámbito de la formación inicial del profesorado que sirve para ilustrar su carácter pedagógico y la amplitud de sus posibilidades en la enseñanza.

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O vídeo-ensaio como forma de pensamento audiovisual tem os seus maiores re- ferentes no denominado cinema de ensaio e algumas das suas produções podem até ser incluídas no âmbito da videoarte. As suas características pedagógicas convertem-no numa estratégia de indagação e aprendizagem audiovisual apropriada para o ensino artístico, especialmente na compreensão das diferentes formas, procedimentos e técnicas relacionadas com o audiovisual contemporâneo. Neste artigo dá-se conta de uma experiência de vídeo-ensaio no âmbito da formação inicial de professores que serve apara ilustrar o seu carácter pedagógico e a amplitude das suas possibilidades no ensino.

El presente trabajo indaga sobre el discurso visual de la revista Billiken en la década del 50. El principal tema de interés son los imaginarios sociales que giran en torno a los llamados “Niños Billiken” y su significación en la memoria escolar de muchas generaciones.  Propone para ello, la realización de una instalación artística site-specific en la Sala Juvenil de la Biblioteca Pública de la UNLP. La misma consiste en la realización de un diorama abierto de gran tamaño, compuesto de figuritas e imágenes presentes en ejemplares de la revista. Mi intención es reflexionar sobre el carácter ideológico de los contenidos y practicas propuestas desde la revista.

Turazzi, Maria Inez.
O Oriental-Hydrographe e a fotografia. A primeira expedição ao redor do mundo com uma “arte ao alcance de todos” (1839-1840). 1ª ed. em português. Montevideo: Centro de Fotografía de Montevideo, 2019. 384 p. il. color; 21x21cm.
ISBN 978-9974-906-03-7
As edições completas em Português, Espanhol e Inglês estão disponíveis em  https://issuu.com/cmdf/docs

Partimos del análisis del diálogo con la imagen que se genera a través la interactividad que los usuarios de Facebook crean mediante sus comentarios. Entendido por Bajtín como una forma primordial del mensaje, y visto como una estructura interactiva, en torno a la imagen y el texto en esta plataforma. Revisando así, el desarrollo de texto e imagen en el ordenador y de la web 1.0 a la 2.0 en internet, partiendo de que el contexto en el que se presenta una imagen puede ser condicionada por los textos que se refieren a ella como ejemplifica John Berger en “Modos de ver”. El resultado de esta interactividad puede llegar a ser una mezcla de texto e imagen, como los memes o los emoticonos. El recorrido expositivo partirá de la relación texto e imagen en el entorno digital desde sus inicios elementales de caracteres básicos al uso de emoticonos u otras imágenes, produciendo sentidos e interpretaciones diversas y que permiten la polisemia.

This research in about the analysis of the dialogue with the image, which is generated through the interactivity that the users of Facebook create through their comments. Understood by Bakhtin as a primordial form of the message, and seen as an interactive structure, around the image and text on this platform. Thus, the development of text and image in the computer and the web 1.0 to 2.0 on the internet, starting from the context in which an image is presented can be conditioned by the texts that refer to it as exemplified by John Berger in "Views". The result of this interactivity can be a mixture of text and image, such as memes or emoticons. The exhibition will start from the relationship between text and image in the digital environment from the elementary beginnings of basic characters to the use of emoticons or other images, producing different senses and interpretations that allow for polysemy.

O artigo tem por objeto o retrato de uma mulher negra portando um turbante, registrado por Alberto Henschel, por volta de 1870, no Rio de Janeiro. Dentre as muitas imagens de "tipos de negros" produzidos pelo fotógrafo alemão, ela é, certamente, uma das mais conhecidas e a que tem sofrido mais apropriações na última década. Nosso objetivo, com a análise da produção, circulação e consumo desta fotografia, é examinar a relação entre o seu uso maciço e a invisibilidade ou a subalternidade imposta a negros e negras pelo racismo estrutural. Em especial, problematizamos a identificação anacrônica da mulher retratada com Luísa Mahin, mãe de Luís Gama, que teria sido uma das lideranças da Revolta dos malês, na Bahia, em 1835. A produção de sentidos que esta fotografia engendra, os efeitos que produz em seus usos e deslocamentos, seu potencial de iconização, bem como sua agência, são algumas questões que buscamos discutir, apostando, na trilha de Ana Mauad, na necessidade de tomar a imagem como agente da história, não simplesmente como fonte de informação sobre o passado ou tema de um estudo histórico.

Production, uses and appropriations of an image: the process of iconization of the photograph of the woman in a turban, by Alberto Henschel

The article focuses on the portrait of a black woman wearing a turban, taken by Alberto Henschel, around 1870, in Rio de Janeiro. Among the many images of black “types” produced by the German photographer, this is certainly one of the best known and most appropriated in the last decade. The analysis of the production, circulation and consumption of this photograph aims to examine the relationship between its massive use and the invisibility or subordination imposed on black people, especially black women, by structural racism. We problematize, in particular, the anachronistic identification of the woman portrayed as Luísa Mahin, Luís Gama's mother, who would have been one of the leaders of the malês Revolt, in Bahia, in 1835. The production of meanings that this photograph engenders, the effects it produces in its uses and displacements, its potential for iconization, as well as its agency, are some questions that we seek to discuss, following Ana Mauad’s analyses about the need to take the image as an agent of history, not simply as a source of information about the past or the subject of a historical study.

Desde há cerca de década e meia que a Cultura Visual se tem vindo a afirmar como um novo paradigma (Duncum, 2009: 64-65) para a renovação de novas práticas ligadas à pedagogia crítica e procurando, nela, encontrar uma área onde afirmar a sua especificidade. Aplicando-se às disciplinas curriculares que abarcam a educação artística em artes visuais, esta perspectiva começa já a ser um lugar comum num número bem significativo de países do mundo ocidental.

Se parte de Disney y Studio Ghibli como referentes del cine de animación en occidente y oriente respectivamente y se presenta el tratamiento que ambas toman sobre el concepto de migración. Siendo conscientes de la influencia de la cultura visual en quienes la consumen se pretende conocer el posicionamiento que un grupo de estudiantes del Grado en Maestro en Educación Primaria de la Universitat de València tiene sobre el concepto de migración en la cultura visual (Disney y Studio Ghibli) y las potencialidades que en esta perciben como recurso didáctico en las aulas. Para ello se recurre a la metodología cualitativa, concretamente al estudio de caso. Los resultados reafirman el potencial del cine de animación como medio para educar al alumnado, pero concluyen la escasa formación que el profesorado tiene al respecto y el desconocimiento de este sector en relación con la didáctica del audiovisual.

Este artigo busca analisar, de forma pa- ralela, alguns aspectos da construção de uma historiografia da chamada foto- grafia humanista e da fotografia latino- -americana. Ambas começam a se cons- tituir de forma mais articulada em finais da década de 1970 e início da década de 1980. Assim, mais do que discutir produ- ções fotográficas específicas, o objetivo é debater os modos como essas produções foram articuladas em discursos que bus- caram unificá-las. Trata-se da sistema- tização de conclusões preliminares de uma pesquisa ainda em andamento so- bre as diferentes noções de humanismo na fotografia e como se manifestam na fotografia latino-americana.

El fenómeno selfie expresa la relación que establecemos con autorrepresentación y la tecnolo-gía de los smartphones. Al poner en nuestras manos una cámara fotográfica y usarla como espejo, los teléfonos digitales nos permiten, simultáneamente, mirarnos y hacernos visibles en las redes sociales. La velocidad y profusión con las que hemos incorporado los autorretratos a nuestra práctica comunicativa cotidiana, nos llevan a reflexionar sobre ese deseo de cons-truirse frente al espejo para exponerse luego en el espacio público. La fotografía comenzó siendo la posibilidad de documentar el mundo ante nuestros ojos. En las autofotos digitales el sujeto fotografiado es el propio fotógrafo. Mediante un giro visual se ha incluido a sí mismo dentro del encuadre y participa del paisaje que comparte y muestra al mundo en las redes sociales. Un selfie lo es porque se comparte; así, autorretrato digital cum-ple una función comunicativa en la que la fotografía ha visto desplazada su función documen-tal hacia un territorio nuevo. Internet permite que los individuos creen espacios sinópticos −inscritos en un gran panóptico digital− en los que muchos verán a unos pocos en el caleidoscopio de la autorrepresentación digital. ¿Cuáles serán las derivas de esta masiva autoexpresión visual? ¿Cómo afectará esto a nuestra autoestima y a nuestra forma de socializar? Necesitamos explorar sus implicaciones éticas y estéticas y esbozar la fenomenología de una nueva gramática con la que construimos nuestra imagen y buscamos nuestro lugar en el mundo… virtual.

“Image” is a wide concept that calls for an inventory of meanings and nicknames. The present text focuses on (material) pictures and is partly seen as complementary to another one where we’ve already discussed the issue of materiality, although in a different perspective. Some dichotomies are considered, namely that which tends to separate images surrounded by the idea of controlled efficiency and images open to a field of dispersive efficiency. In all of them, the mark of power is detected: any image has an influence and none is harmless. When we talk about statutes of images, we imply two aspects: the place they occupy within the framework of a formal categorization, but also that of the more or less institutionalized powers that they acquire and through which they leave marks on individual and collective bodies.

A vastidão do conceito de imagem pede que se constitua para ele um inventário de acepções e apelidos. O presente texto centra-se na “imagem material”, em parte porque se assume como complementar de um outro onde a questão da materialidade havia já sido problematizada, embora numa perspectiva diversa.
São equacionadas algumas dicotomias, designadamente aquela que tende a separar as imagens cerceadas pela ideia de uma eficácia controlada e as imagens abertas a um campo de eficiência dispersivo. Em todas se detecta a marca do poder: qualquer imagem exerce uma influência e nenhuma é inócua.
Quando falamos em estatutos das imagens implicamos nisto dois aspetos: o do lugar que ocupam no quadro de uma categorização formal, mas também o dos poderes mais ou menos institucionalizados que vão adquirindo e através dos quais deixam marcas nos corpos individuais e coletivos.

Resumo: Este trabalho propõe uma análise da arquitetura moderna e sua relação com a vida cotidiana a partir do estudo de apartamentos duplex nos edifícios multifuncionais construídos nas metrópoles. Os arranjos espaciais dessa tipologia relacionavam-se originalmente com a ideia de economia na construção e com o discurso da funcionalidade do espaço que sugeria novas práticas domésticas levando em conta a entrada da mulher no mercado de trabalho, como também sua participação pela organização do lar e da família. As dinâmicas femininas nesses espaços podem ser compreendidas a partir de fotografias, desenhos e representações dos usuários e seu cotidiano. Essa pesquisa é motivada por imagens que demonstram interpretações diferentes das mulheres nesses apartamentos duplex. Enquanto na experiência soviética, uma fotografia de Vladimir Gruntal do interior do conjunto Narkomfin (1928-1929) registra uma mulher sentada entre papeis e livros reforça a atividade intelectual feminina; em algumas representações das experiências paulistas evidencia-se a mulher como a responsável pelos cuidados da casa e do corpo, como sugere os desenhos do arquiteto do conjunto Japurá (1945). O trabalho pretende focar o debate em São Paulo, mas deverá ainda refletir sobre as diferenças e semelhanças com outras experiências nacionais e internacionais de maneira a melhor compreender as formas de morar e as práticas domésticas entre as décadas de 1930 a 1960. Palavras-chave: Arquitetura. Habitação. Domesticidade. Desenho. Fotografia.

Turazzi, Maria Inez.
El Oriental-Hydrographe y la fotografía. La primera expedición alrededor del mundo con un “arte al alcance de todos” (1839-1840). Traducción de Federico Brum. 1er ed. en español. Montevideo: Centro de Fotografía de Montevideo, 2019. 384p. il. color; 21x21cm.
ISBN 978-9974-906-02-0

Il volume si propone quale occasione di ricognizione e riflessione su una stagione fondante della storia del fotogiornalismo: gli anni Settanta. Un lungo decennio, iniziato con il '68, segnato da accadimenti importanti e che ha visto mutare velocemente gli assetti dell'economia, dei costumi, della famiglia, dell'intera società. La stampa è stata protagonista e testimone di questi processi, raccontando e interpretando anche attraverso l'immagine fotografica quel decennio. Frutto del convegno di studi promosso nel dicembre 2017 dal Centro Apice (Archivi della parola, dell'immagine e della comunicazione editoriale) dell'Università degli Studi di Milano, il volume ne pubblica i contributi, a firma di studiosi di diversa matrice e di protagonisti dell'epoca, e si completa con una sezione dedicata a tre archivi fotografici, scrigno di fonti preziose: quello del "Corriere della Sera", quello di "Publifoto", e quello della "Notte".

El texto revisa los conceptos teoría crítica y arte contemporáneo y analiza cómo en la civilización tardo capitalista la utopía ya no se encuentra en el arte, sino que ha migrado a la tecnología y se ha materializado en el espectáculo. El aspecto positivo parece ser, por supuesto, la “democratización” de la tecnología: podemos viajar más fácilmente a través de sistemas satelitales, buscar información con un clic o captar cualquier escena y compartirla en cuestión de segundos. El negativo es la vacuidad de la imagen que nos rodea: la alta estetización, el aplanamiento, la repetición de fórmulas exitosas, la banalización, que en realidad son las consecuencias del “antiiluminismo” que engendró la sociedad capitalista según los postulados de Horkheimer y Adorno, un fenómeno que reside en el cálculo del efecto del producto de masas, desde su fabricación hasta su difusión, de manera que el mercado controla tanto la creación como la demanda de esas necesidades. Aunque en realidad muchos seamos conscientes de las trampas que nos tiende la civilización del espectáculo, formamos parte de un juego que es el reflejo de una realidad donde nuestras necesidades corren el riesgo de reducirse a las que el propio mercado dicta.
La mirada crítica que el arte exige también puede aplicarse al resto de los productos que
aparecen en la cultura de masas, desde el periodismo hasta la moda. Pero el gran reto del arte contemporáneo es trascender la trampa de la imagen-espectáculo.

El aprendizaje colaborativo es un proceso por el que un grupo de personas comparten experiencias y conocimientos con el fin de lograr una meta común. Durante su práctica, se dislocan las lógicas de poder entre sus participantes y se generan dinámicas relacionales basadas en el diálogo y el consenso. Su desarrollo proporciona herramientas de actitud crítica, emancipada y transformativa en relación a la representación individual y colectiva de la realidad. En este sentido, los elementos más básicos de la experiencia humana están sujetos a su relación con el entorno. El ambiente, por tanto, actúa como un agente pedagógico más, ya que durante el proceso se construyen significados a través del intercambio de conocimiento y experiencia desde un espacio colaborativo de convivencia.

El contexto de la educación artística para la cultura visual no solo acerca a una contemplación y un consumo del arte como forma de ocio sino que puede y debe ofrecer herramientas de exploración, procesos de representación reflexiva y compromisos críticos en relación con el uso del arte, su circulación y su relación con el espectador. El binomio arte/educación, actúa, en definitiva, como transformador social y cultural a través de dinámicas de integración y como mediador entre participantes y ciudadanos. La presente investigación pretende atender, en primer lugar, a los aspectos que hacen sostenible la configuración de ambientes de aprendizaje colaborativo en comunidades artístico-pedagógicas. Tiene como objeto analizar los factores ambientales, pedagógicos y psicosociales que condicionan el espacio de interacción a través de una serie de intervenciones autogestionadas bajo el proyecto Bside. Y en segundo lugar, conocer la percepción de los alumnos que serán futuros docentes en relación a la educacion artistica y a las practicas colaborativas para, de esta forma, abrir posibles vias de inclusion de propuestas y metodos en la formacion y redimension del profesorado.

Bside es un proyecto colaborativo cofundado por Ignasi Lopez y Carlos Albala (seudonimo de Carlos Javier Rodriguez, autor del presente documento de investigación). Se fundamenta en la construccion de comunidades temporales de aprendizaje colaborativo para el desarrollo de practicas artisticas de creacion colectiva, intercambio de conocimiento y accion sociocultural. Distintos procesos serviran de base para la coedicion de publicaciones independientes que exploran las posibilidades del proceso editorial y el desarrollo de instalaciones expositivas site specific en los espacios donde se desarrollan las intervenciones.

Asi mismo, la gestion de los procesos en los que se interviene se desarrolla a traves del cruce interdisciplinar de artes y cultura visual, urbanismo, psicologia ambiental, sociologia, antropologia o pedagogia. El proyecto se sostiene sobre la autogestion en un ejercicio enriquecedor de intercambio de conocimientos y herramientas, que produciran formulas flexibles de autoevaluacion y autofinanciacion. El metodo usado es el de investigacion-accion participativa, que consiste en la busqueda de una practica educativa sostenible. Se desarrolla en entornos reales, los agentes participantes forman parte activa del proceso investigativo y tiene cierta predileccion por el enfoque cualitativo con tecnicas variadas de recogida de informacion.

Defendida el 2 Julio, 2015. Facultad de educación de la Universidad Complutense de Madrid. Dentro del Plan de: Innovación didáctica en la sociedad del conocimiento.

El uso de aplicaciones móviles o redes sociales que, a través de filtros, permiten mejorar o cambiar la propia imagen, podría estar condicionando la percepción entre los jóvenes que uti-lizan los selfis como referencia para calibrar su autoimagen. Mientras la tecnología posibilita retocar supuestos defectos en el rostro, aumenta el número de menores de 30 años que acuden a las clínicas de estética para solicitar tratamientos que asemejen sus rostros al de sus mejores versiones de selfis. Se ha denominado "dismorfia de Snapchat" a la creciente tendencia a que-rer parecerse a esos autorretratos retocados. Se presenta como una preocupación excesiva por un defecto percibido en la apariencia física y que muchas veces, incluso, es imperceptible para otros. Este trastorno, que afecta al 2% de la población (Europa Press, 2018a) y se clasifica dentro del espectro obsesivo-compulsivo, puede hacer que los afectados recurran de forma habitual y poco saludable a medidas para ocultar sus supuestas imperfecciones, incluida la cirugía estética. Pensar el selfi y sus derivas patológicas nos hace recordar la obsesión de la madrastra de Blancanieves ante su espejo mágico y preguntarnos por qué necesitamos ser in-cluso más bellos que nuestro mejor retrato. Urge pensar en qué está sucediendo con el auto-rretrato y la autorrepresentación de la propia imagen en la era digital.

Al rostro lo ligamos de un modo demasiado natural y familiar con las expresiones de nuestro yo y el de los otros. Pero como señala David Le Breton, las personas no han contemplado su rostro desde siempre ni bajo las mismas condiciones o los mismos temores. Como creación cultural, el rostro tiene una larga historia. Es un espacio ambiguo, anamórfico. Nuestra relación con el rostro es a través de sus imágenes. Espejos, reflejos, fotografías, visones. El sentimiento acerca del rostro merece una genealogía, una cuidada atención puesto que ese sentimiento es producto de una construcción cultural por la cual, a partir de la modernidad, se determina el estatus social otorgado a la persona. El rostro se ofrece por la imagen, nunca es completo sino fragmentario, ambivalente. Diversos medios de la imagen se obstinaron en hacerlos visibles, reconocibles o explorables. La antropometría estableció una nueva relación entre el rostro y el Yo, una nueva medida de lo humano. La fotografía permitió explorar, medir y clasificar las imágenes del rostro y del ser humano. Pero las imágenes de rostros que abordaremos en este artículo son imágenes producidas por técnicas de reconstrucción y reconocimiento facial basadas en datos biométricos y genéticos. Responden a los condicionamientos de un dispositivo de la mirada que captura y determina conductas y discursos. Determinados dispositivos se han impuesto como articulaciones óptico espaciales, pero también epistémicas, políticas e ideológicas, capaces de asumir una concepción específica de la visión y de la posición del sujeto frente al mundo. Si la historia del retrato “da imagen”- en el sentido de Mitchell-  a la historia del desarrollo del proceso de individuación del yo, la biometría genética lo disuelve por completo puesto que no es una medida de lo humano sino su negación.

Abstract

As a cultural creation, the face has a long history. It is an ambiguous, anamorphic space. Our relationship with the face is through its images. Mirrors, reflections, photographs, visions. Various mediums of the image persisted in making them visible, recognizable or explorable. During the nineteenth century, anthropometry established a new relationship between the face and the Self, a new measure of the human. Photography allowed us to explore, measure and classify the images of the face and of the human being. But the images of faces that we will approach in this article are images produced by techniques of reconstruction and facial recognition based on biometric and genetic data. They respond to the conditioning of an apparatus that captures and determines behaviors and discourses Certain apparatus have imposed themselves as spatial optical articulations, but also epistemic, political and ideological, capable of assuming a specific conception of the vision and position of the subject in front of the world. If the history of the portrait “picture theory” – in the sense of W. J. Mitchell – to the history of the development of the process of individuation of the self, genetic biometrics dissolves it completely since it is not a measure of the human but its negation.

Texto en línea: https://www.e-imagen.net/project/el-rostro-como-dispositivo-de-la-antropometria-a-la-imagen-biometrica/

Nacidos a finales del siglo XX, los GIFs han regresado de la mano de las redes sociales. No son un simple formato de compresión sino una imagen intermedial. Un fenómeno cultural que condensa en su breve existencia y simplicidad técnica una serie de elementos propios de la cultura visual contemporánea. A simple vista pueden resultar imágenes sin ninguna importancia, meros residuos fragmentarios de la comunicación en la era digital. Pero si consideramos el incremento exponencial del intercambio de GIFs en internet en los últimos años debemos asumir que son más que un simple divertimento. Ya sean consideradas imágenes pobres, conversacionales, intermediales, banales o artísticas, conforman un conjunto disperso y fragmentario que responde al principio de clonación y réplica de la imagen digital. Sitios como GIPHY o Tumbrl acumulan colecciones que no paran de crecer. El archivo de la visualidad global es ofrecido como materia privilegiada para figurar las emociones. ¿Por qué estas imágenes parecen condensar expresiones, sentidos y emociones universalmente compartibles?  De qué modo la repetición de estos actos de inscripción mimética incorporan en nuestro cuerpo hábitos y expresiones. Desde los más simples y masivos hasta el GIF ART, el GIF-ITI o los implantes del Net Art este artefacto visual es uno de los protagonistas indiscutibles de la cultura visual 2.0. Sus particularidades técnicas, sus modos de existencia en la red hasta sus expresiones artísticas y creativas, pueden ser un medio de expresión y reiteración de emociones, un objeto anestesiante o un juguete óptico y reflexivo. Las plataformas que los albergan son  un gran síntoma de la cultura visual contemporánea donde podemos navegar para comprender  mejor nuestro propio tiempo.

Abstract

Born at the end of the 20th century, GIFs have returned with social networks. They are not a simple compression format but an intermediate image. Whether they are considered poor images, conversational, intermediate, banal or artistic, they make up a dispersed and fragmentary group that responds to the principle of cloning and replicating the digital image. What relationship do GIFs present with visual formulas that go through time? From the simplest and most massive to the GIF ART or the implants of Net Art this visual artifact is one of the indisputable protagonists of the 2.0 visual culture.

KeyWords: Visual Culture, GIF, Networks, Pathosformeln, Digital Image

Texto en linea: https://www.e-imagen.net/project/del-atlas-mnemosyne-a-giphy-la-supervivencia-de-las-imagenes-en-la-era-del-gif/

Artefacto VIsual: https://www.revlat.com/numero-4

As imagens têm papel essencial na construção de estratégias de engajamento e mobilização no contemporâneo, pois é por meio delas que as causas conseguem projetar-se local e globalmente pelas redes de comunicação digital. Fotografias e vídeos podem ter características estéticas particulares que fundem elementos de impacto sensorial, tais como o uso da violência, o senso de imediatismo e a utilização do corpo, com aspectos ligados à circulação nas mídias e à mobilidade dos aparelhos de gravação, reprodução e divulgação.
A intensidade com que algumas dessas imagens foram repercutidas nos coloca questões como: que aspectos estético políticos carregam as imagens produzidas em manifestações contemporâneas? Que impacto elas têm sobre a audiência imersa em ambientes midiáticos híbridos e móveis? O que há de particular na experiência política proporcionada por essas imagens?
Estas e outras questões são abordadas no decorrer deste livro, que faz uso de exemplos de ações ativistas com grande repercussão afim de contribuir para a reflexão do papel da imagem nas práticas políticas contemporâneas.

https://www.pacolivros.com.br/Ativismo_Digital_e_Imagem/prod-4597415/

RESUMO
Fruto de pesquisas iniciadas em um encontro de pesquisadores na Universidade Gaston Berger, em Saint-Louis do Senegal, em 2017, o presente artigo analisa retratos e autorretratos de estúdio produzidos pelo artista-fotógrafo senegalês Omar Victor Diop, a
partir de três séries fotográficas: Studio of Vanities (2012),
Diaspora (2014) e Liberty (2016). O intuito consiste em destacar
os diálogos e releituras estéticas travados com a tradição da
fotografia de estúdio da África ocidental, em especial os retratos
produzidos pelo fotógrafo malinense Seydou Keïta em meados do
século XX. Da mesma forma, buscou-se observar de que modo as
imagens produzidas por Diop reescrevem histórias e personagens
da África e da Diáspora, articulando-as com a agenda
contemporânea do combate à colonialidade epistêmica e ao
racismo ao passo que expandem o acesso a narrativas visuais
protagonizadas por africanos no cenário internacional.
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ABSTRACT
This article analyzes studio portraits and self-portraits produced
by the Senegalese artist-photographer Omar Victor Diop. It draws
on three photography series: Studio of Vanities (2012), Diaspora
(2014) and Liberty (2016). The aim is to highlight Diop’s aesthetic reinterpretations of, and dialogues with, the tradition of West
African studio photography, especially the portraits produced by
the Malian photographer Seydou Keïta in mid-20th century.
Likewise, the article seeks to track how the images produced by
Diop rewrite stories and characters from Africa and the Diaspora,
by connecting them with the contemporary agenda of the struggles against racism and epistemic coloniality, while also expanding access to visual narratives protagonized by Africans on the
international stage.

Artigo sobre relações de trabalho e sociabilidades numa editora brasileira de HQs, tomando como estudo de caso uma cooperativa dos anos 1960 voltada para a produção de HQs críticas ao "imperialismo cultural" dos comics dos EUA. O artigo saiu em coletânea sobre dinâmicas de trabalho e processo criativo em HQs, e foi organizada pelos profs Dr.s Casey Brienza e Paddy Johnston

A presente obra é uma compilação de artigos científicos e en- saios de autores e autoras de várias universidades que tecem comentários sobre os múltiplos usos da imagem (cinema, audio- visual, fotografia) na nossa sociedade. São textos de intelectuais de 8 universidades no Brasil: UFRJ, UERJ, Ufes, Uneb, Unirio, UNIFESSPA, FURG, UFMT. Além do Instituto Federal Fluminense e da Argentina.
O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior – Brasil (CA- PES)

La elección de este caso responde a varios intereses vinculados a lo que podemos llamar en términos muy generales “fotolibro” en el que se entrecruzan, relacionan, dialogan y articulan imagen fotográfica y palabra de forma significativa para la construcción simbólica de sentidos e imaginarios tanto estéticos como sociales. Un libro de literatura para niños, muchas veces considerado como literatura menor o enmarcado más bien en los estudios de pedagogía, es un libro-objeto, un obra intermedial, transdisciplinaria y con una fuerte carga en su materialidad. Estas características, en el caso que nos ocupa, unida a la autoría de Paz Errázuriz, reconocida fotógrafa chilena, lo hace especialmente adecuado para estudiar la porosidad de las fronteras de territorios, medios y lenguajes en el arte a partir de las llamadas vanguardias de los años sesenta (particularmente en lo que aquí llamo el “fotolibro”), así como de la visión de género en la circulación de los bienes culturales en Chile y América Latina.

Esta investigación nace de un proceso de intervención en las aulas
universitarias de formación del profesorado. El artículo genera un
estudio exploratorio y descriptivo de las posibilidades educativas
del alfabeto como forma visual, a partir del cual se presenta un
estudio de caso en el que se analizan dos talleres que se imparten
a varios grupos de alumnado de la Facultat de Magisteri de la
Universitat de València. El objetivo de la investigación consiste
en reflexionar a partir de prácticas artísticas y de diseño gráfico,
incorporando cuestiones relativas a la alfabetidad visual, el diseño
y el patrimonio, especialmente desde el taller de gráfica y las
derivas tipográficas urbanas, mediante la Investigación Educativa
Basada en Artes (ABER, Arts Based Educational Research).
La recogida de datos se hace a través de la práctica docente,
usando instrumentos de evaluación propios del estudio de caso,
como diagnósticos y trabajo creativo. Por la reflexión que genera
la práctica en educación artística y la educación en diseño,
utilizamos el debate como fuente de argumentación, tratando
asimismo cuestiones de género y diversidad sexual. Abogamos
por incorporar experiencias personales con el fin de formar
maestros y maestras más conscientes del respeto a la diversidad
y la educación inclusiva. Entre los resultados conseguidos,
destacar la utilización del diseño como escenario importante en la
formación del profesorado para una alfabetidad visual, así como
el cuestionamiento de estereotipos sociales, superando los tabúes
convencionales, propiciando espacios creativos de discusión, y
dando tanta importancia al proceso como a los resultados finales.

Los videojuegos como industria tecnológica no son ajenos a esta problemática y repiten estos patrones hegemónicos. Aunque la presencia de las mujeres en el mundo de los videojuegos es cada vez más amplia y notoria, la gran mayoría de los videojuegos que salen al mercado replican algunos de los estereotipos de género que aún existen en nuestra sociedad. Pero al igual que aumenta el número de jugadoras también lo está haciendo el número de mujeres que alcanzan puestos de poder dentro de la industria de los videojuegos y las formas en que son representadas las mujeres dentro del medio.

Los integrantes del grupo llamado Artistas del Pueblo, formados dentro de la cultura obrera, accionaron directamente sobre la estructura del campo artístico local, buscando una función social del arte en la sociedad moderna. El quehacer artístico era un compromiso con la realidad cotidiana de los trabajadores que habitaban los suburbios y los barrios obreros de la ciudad; ellos eran, a su vez, el tema y el destinatario de las obras. La ciudad entendida como metáfora y escenario de la lucha obrera, el arrabal y su gente vistos con un sentido socialmente revolucionario, contrastaba con la pintura ?oficial? de los Salones, y con aquella de los grupos de vanguardia. Dinamizaron así las visiones de la ciudad y tensionaron los programas artísticos en pugna en ese momento. Dentro de su programa estético-ideológico, la utilización casi exclusiva del grabado como técnica y la participación en numerosas publicaciones periódicas, les permitió una mayor y más fácil difusión de sus obras. Las connotaciones políticas y sociales de estas producciones han sido estudiadas por diversos autores, sin embargo el análisis del papel de la ciudad como actor fundamental no ha sido abordado. La fábrica, el puerto, el bar y la calle dejan de ser un mero escenario y se convierten en lecturas no sólo de la vida del trabajador, sino de los márgenes de una ciudad en pleno proceso de modernización. Se estudiarán también los espacios de circulación de esas imágenes, analizando su penetración en los espacios institucionales legitimados y en el imaginario urbano.