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맥스 스타이너

Max Steiner
이 기사는 오스트리아계 미국인 작곡가에 관한 것이다.오스트리아의 배우 및 극장 관리자(1839–1880)는 막시밀리안 스타이너를 참조한다.Max Steiner라는 가명을 가진 포르노 배우에 대해서는 Max Hardcore를 참조하십시오.
맥스 스타이너
Greyscale photograph of Max Steiner with a piano
슈타이너 작곡
태어난
막시밀리안 라울 슈타이너

(1888-05-10)1888년 5월 10일
비엔나, 오스트리아-헝가리(현
죽은1971년 12월 28일 (1971-12-28) (83)
할리우드, 캘리포니아
직업작곡가, 악어, 지휘자
년 활동1907–1965
배우자베아트리체 스타이너 (m. 1912–?)
오브리 스타이너
(m. 1927; div. 1933)
;
루이즈 클로스
(m. 1936; div. 1946)
;
레오네트 "리" 스타이너
(m. 1947 – 1971)

막시밀리안 라울 슈타이너(Maximilian Raoul Steiner[1], 1888년 5월 10일 ~ 1971년 12월 28일)는 오스트리아 태생의 미국 연극 및 영화음악 작곡가 겸 지휘자였다.그는 신동으로 12살 때 첫 오페레타를 지휘했고, 15살 때 작곡, 편곡, 지휘 등 전업 프로가 되었다.

스타이너는 영국, 그 후 브로드웨이에서 일하다가 1929년 할리우드로 건너가 영화음악 악보를 쓴 최초의 작곡가 중 한 명이 되었다.그는 슈타이너가 작곡가 디미트리 툼킨, 프란츠 왁스만, 에리히 볼프강 코른골드, 알프레드 뉴먼, 베르나르 헤르만, 미클로스 로사 등과 함께 영화음악을 작곡하는 전통을 만드는 데 큰 역할을 했기 때문에 "영화음악의 아버지"라고 일컬어지고 있다.

스타이너는 RKO 픽처스, 워너 브라더스와 함께 300개 이상의 영화음악을 작곡했으며, 아카데미 24개 부문 후보에 올라 다음 세 가지 상을 받았다.정보원(1935년), 보이저(1942년), 그리고 네가 떠난 이후(1944년).스타이너의 인기작으로는 오스카 수상작 외에도 '시간이 흐를수록'이라는 사랑주제를 작곡하지는 않았지만 킹콩(1933년), 리틀우먼(1933년), 이세벨(1938년), 카사블랑카(1942) 등이 있다.이 밖에 슈타이너는 AFI가 선정한 미국 영화 최고점수 2위에 오른 '서커스'(1956년), '서머플레이스'(1959년), '바람과 함께 사라지다(1939년) 등을 득점했으며, 그가 가장 잘 알려진 영화 점수다.

그는 또한 '인생과 함께 하는 아버지'로 받은 점수로 골든 글로브 최우수 오리지널 스코어상을 받은 최초의 수상자였다.스타이너는 마이클 커티즈, 존 포드, 윌리엄 와이어러 등 역사상 가장 잘 알려진 몇몇 영화감독들과 자주 협력했으며 에롤 플린, 베트 데이비스, 험프리 보가트, 프레드 아스테르와 함께 많은 영화들을 채점했다.그의 많은 영화 점수는 별도의 사운드트랙 녹음으로 이용할 수 있다.

전기

초기년(1888–1907)

Praterstraße 72년, 오늘 비엔나에 있는 맥스 스타이너의 출생지

맥스 스타이너는 1888년 5월 10일 오스트리아-헝가리에서 유대인 유산의 부유한 사업가와 연극가의 외동아이로 태어났다.[2][3][4]그의 친할아버지 막시밀리안 슈타이너(1839–1880)의 이름을 딴 그는 요한 슈트라우스 2세를 처음 설득해 극장에 쓰도록 한 공로를 인정받았으며, 비엔나의 역사극장 안데르 빈의 영향력 있는 감독이었다.[5]그의 부모는 마리 호세핀/미르잠(하시바)과 헝가리-유위시 가보르 스타이너[de](1858–1944, 오스트리아 제국 헝가리 왕국 테메스바르 출생), 비엔나인 임프레사리오, 카니발 엑스포 매니저, 그리고 비엔나 리센라드 건축을 책임지고 있는 발명가였다.[6]그의 아버지는 스타이너의 음악적 재능을 격려하였고, 12세에 미국의 오페레타, 뉴욕의 벨을 지휘하도록 허락하였는데, 이 때문에 스타이너는 오페레타의 작가 구스타브 케르커로부터 일찍 인정을 받을 수 있었다.[5]슈타이너의 어머니 마리는 어렸을 때 할아버지가 올려놓은 무대 연출의 무용수였으나, 후에 식당 사업에 관여하게 되었다.[7]: 26, 37 [8]: 56 그의 대부 리차드 스트라우스는 슈타이너의 향후 작품에 강한 영향을 끼친 작곡가였다.[9][10]: 52 스타이너는 그의 초기 음악적 능력을 고무시킨 것에 대해 종종 그의 가족에게 공로를 돌렸다.빠르면 6살 때, 스타이너는 일주일에 서너 번의 피아노 레슨을 받고 있었지만, 종종 그 레슨을 지루해 했다.이 때문에 아버지는 스스로 즉흥연주를 연습했고, 아버지는 그에게 음악을 작곡하도록 격려했다.스타이너는 그의 초기 즉흥연주를 음악에 대한 취향의 영향, 특히 당시 '아방가르드'였던 클로드 드뷔시의 음악에 대한 관심으로 꼽았다.[11]: 2 젊었을 때, 그는 연대 밴드의 행진곡 작업과 그의 아버지가 올린 쇼의 히트곡들을 통해 작곡 경력을 시작했다.[11]: 2

그의 부모는 스타이너를 비엔나 공대에 보냈지만, 그는 학문적인 과목에 거의 관심을 보이지 않았다.1904년 임페리얼 음악 아카데미에 등록했는데,[12] 그곳에서 로버트 푸흐스와 구스타프 말러의 조숙한 음악적 재능과 과외 때문에 불과 1년 만에 4년 과정을 이수하여 15세에 아카데미에서 금메달을 땄다.[13]: 73 그는 피아노, 오르간, 바이올린, 더블베이스, 트럼펫 등 다양한 악기를 공부했다.그가 가장 선호하는 최고의 악기는 피아노였지만 다른 악기가 할 수 있는 일에 익숙해지는 것의 중요성을 인정했다.그는 또한 조화, 대위, 작문 등의 과정을 거쳤다.[8]: 56 [11]: 2 말러, 푸흐스와 함께 스승들을 펠릭스 와인가트너, 에드먼드 아이슬러로 꼽았다.[11]: 2

음악 경력 시작(1907–1914)

에드먼드 아이슬러의 음악은 막스 슈타이너의 작품에서 초기 영향을 끼쳤으나,[11]: 2 오페레타스에 대한 그의 첫 소개 중 하나는 슈타이너의 아버지 극장에서 한때 군악대장으로 일했던 프란츠 레하르에 의한 것이었다.[11]: 3 슈타이너는 1907년 빈에서 슈타이너가 무대에 올린 레아르의 디 루스티지 위트웨를 모델로 한 오페레타를 통해 레아에게 경의를 표했다.[11]: 3 아이슬러는 리처드 트라우브너에 의해 비판받은 오페레타로 잘 알려져 있었지만 리브레티는 가난했고, 꽤 단순한 스타일로 음악은 종종 비엔나 왈츠 스타일에 너무 많이 의존한다.[14]그 결과 슈타이너가 극장을 위해 작품을 쓰기 시작했을 때 스승처럼 리브레토를 쓰는 데 관심이 많았지만 성공은 미미했다.그러나 다크 빅토리(1939), 인 투 어런 라이프(1941), 나우 보이저(1942) 등 미래 영화 악보의 상당수는 아이슬러의 영향을 받아 왈츠 멜로디가 잦았다.[11]: 2 맥스 스타이너의 "Now, Voyager"의 저자에 따르면, 스타이너는 1908년부터 1911년까지 비엔나 오페라를 지휘한 펠릭스 웨인가트너의 영향을 받았을 수도 있다고 한다.비록 그는 웨인가트너에서 작곡 수업을 받았지만, 어린 소년으로서 스타이너는 항상 훌륭한 지휘자가 되고 싶었다.[11]: 3

1907년과 1914년 사이에 스타이너는 연극 제작을 위해 영국과 유럽을 오갔다.[11]: 4 스타이너는 15살 때 처음으로 프로음악계에 입문했다.그는 오페레타 아름다운 그리스 소녀를 쓰고 지휘했지만, 그의 아버지는 그것이 충분하지 않다며 그것을 무대에 올리지 않았다.슈타이너는 이 작곡을 제작하겠다고 제의한 경쟁 임프레사리오 칼 투슐에게 맡겼다.스타이너는 기쁘게도 오르프흠 극장에서 1년 동안 공연했다.[8]: 58 이로 인해 모스크바와 함부르크 등 세계 여러 도시에서 다른 공연을 할 수 있는 기회가 생겼다.비엔나로 돌아오자마자 스타이너는 아버지가 파산한 것을 알았다.그는 직장을 구하는 데 어려움을 겪으면서 런던으로 이사했다(부분적으로는 그가 비엔나에서 만났던 영국 쇼걸을 따라가기 위해서였다.[8]: 58 런던에서, 그는 레하르의 "즐거운 과부"를 지휘하도록 초대받았다.그는 8년 동안 런던에서 뮤지컬을 공연하며 달리스 극장, 아델피, 히포드롬, 런던 파빌리온, 블랙풀 윈터 가든에서 머물렀다.[5]스타이너는 1912년 9월 12일 베아트리체 틸트와 결혼했다.그들이 이혼한 정확한 날짜는 알려지지 않았다.[15]

영국에서는 스타이너가 연극 연출과 교향곡을 쓰고 지휘했다.그러나 1914년 제1차 세계대전이 시작되면서 그는 적국의 외국인으로 수용되었다.[16]다행히도 그는 그의 작품을 좋아하는 웨스트민스터 공작과 친구가 되었고, 비록 그의 돈이 압수당하긴 했지만 미국으로 갈 수 있는 퇴장 서류를 받았다.그는 1914년 12월에 단돈 32달러를 가지고 뉴욕에 도착했다.[5]일자리를 구하지 못한 그는 해이츠 뮤직 퍼블리싱의 카피스트와 같은 하찮은 직업에 의지했고, 그로 인해 무대 뮤지컬을 기획하는 직업으로 빠르게 이어졌다.[8]: 58

브로드웨이 음악(1914–1929)

뉴욕에서 맥스 스타이너는 재빨리 취직을 하여 15년간 브로드웨이 프로덕션의 음악 감독, 악장, 오케스트라, 지휘자로 일했다.이 작품들 중에는 빅토르 허버트, 제롬 케른, 빈센트 유만, 조지 거쉰이 쓴 오페레타와 뮤지컬 등이 있다.Steiner의 크레딧은 다음과 같다.조지 화이트의 스캔들(1922), 피치스(1923), 레이디, 비 굿(1924),[17] 지휘자 및 조정자.스물일곱 살의 나이에 스타이너는 1915년 폭스필름의 음악 감독이 되었다.[18]당시 영화들을 위해 특별히 작곡된 음악은 없었고 스타이너는 스튜디오 설립자 윌리엄 폭스에게 본드맨(1916)의 원곡을 쓰겠다는 생각을 말했다.폭스는 이에 동의했고 그들은 110개의 악단을 모아 영화 상영에 동행했다.[19]브로드웨이에서 일하는 동안 그는 1927년 4월 27일 오드리 판 리우와 결혼했다.그들은 1933년 12월 14일에 이혼했다.[17]1927년에 스타이너는 해리 티어니의 리오 리타를 지휘하고 지휘했다.티어니 자신은 후에 할리우드의 RKO 픽처스에 스타이너를 그들의 음악 제작 부서에서 일하도록 고용할 것을 요청했다.RKO의 제작 책임자인 윌리엄 르바론은 Steiner의 지휘를 보기 위해 뉴욕으로 건너갔고 Steiner와 그의 음악가들에게 깊은 인상을 받았다. 그는 각각 여러 악기를 연주했다.결국 스타이너는 할리우드의 자산이 됐다.[5]스타이너의 브로드웨이 최종 작품은 1929년 슨 오 건스였다.[5]

RKO에 대한 점수 매기기(1929–1937

해리 티어니의 요청에 의해 RKO는 Max Steiner를 조정자로 고용했고 그의 첫 영화 직업은 메인 타이틀과 엔드 타이틀을 위한 작곡과 때때로 "온스크린" 음악으로 구성되었다.[20]: 112–113 슈타이너에 따르면 당시 영화제작자들의 일반적인 의견은 영화음악은 '필요 악'이며, 영화가 촬영된 후에는 종종 제작과 개봉을 늦출 수 있다는 것이었다.[21]: 216–218 [22]스타이너의 첫 직장은 영화 딕시아나를 위한 것이었지만, 잠시 후, RKO는 그들이 그를 이용하지 않는다고 느끼면서 그를 놓아주기로 결정했다.그의 에이전트는 아틀란틱 시티의 오페레타에서 그를 음악 감독으로 취직시켰다.그가 RKO를 떠나기 전, 그들은 그에게 앞으로 더 많은 일을 할 것을 약속하며 음악부장으로서 한 달에서 한 달 계약을 제안했고 그는 동의했다.[2]: 18 할리우드에 있는 몇 안 되는 작곡가들이 구할 수 없었기 때문에, 스타이너는 시마론을 위해 그의 첫 영화 악보를 작곡했다.그 점수는 좋은 평가를 받았고 영화의 성공에 부분적으로 공로를 인정받았다.[2]: 18 그는 할리우드에 머물기 위해 모스크바와 북경에서 영화 채점 기술을 가르치겠다는 몇 건의 제안을 거절했다.[10]: 32 1932년에 슈타이너는 데이비드 오로부터 질문을 받았다. Symphony of SixMillion에 음악을 더하기 위해 RKO의 새로운 프로듀서 셀즈닉이 출연했다.[5]Steiner는 짧은 부분을 작곡했다; Selznick은 그것을 너무 좋아해서 주제 구성을 부탁했고 전체 그림에 대해 강조를 했다.[23]셀즈닉은 이 영화가 유대인의 가정생활과 전통에 대한 현실적인 관점을 주었다고 느끼면서 이 영화를 자랑스러워했다.[24]: 75 "그때까지 음악은 과소평가하는데 그리 많이 쓰이지 않았다."[5]Steiner는 "영화의 배경 점수로서 독창적인 작곡의 사용을 주도했다"[5]고 말했다.Symphony of Six Million에서의 성공적인 스코어는 스타이너의 경력과 영화 산업에 전환점이 되었다.'6백만 교향곡'을 강조한 후, 대부분의 영화들이 거둔 성공의 3분의 1에서 절반은 "음악의 광범위한 사용에 주목했다"[23]고 말했다.

킹콩(1933년)의 스코어는 스타이너의 돌파구가 되었고 판타지 영화와 모험 영화의 스코어링의 패러다임 변화를 상징했다.[25]: 18 [26]: 55 비현실적인 영화 줄거리에 리얼리즘을 더했기 때문에, 이 점수는 이 영화의 필수적인 부분이었다.[2]: 28 이 스튜디오의 사장들은 처음에는 원작의 필요성에 대해 회의적이었지만, 그들은 영화의 조작된 특수 효과를 싫어했기 때문에, 스타이너가 음악으로 영화를 개선하려고 노력하도록 했다.이 스튜디오는 이 영화의 비용을 아끼기 위해 오래된 트랙을 사용하자고 제안했지만,[5] 킹콩 제작자인 메리안 C. 쿠퍼는 슈타이너에게 이 영화의 점수를 매겨달라고 부탁했고, 오케스트라 출연료를 지불하겠다고 말했다.[25]: 9 슈타이너는 이 제의를 받아들여 "음악을 위해 만들어진 것"이라는 영화를 설명하면서 80곡의 오케스트라를 사용했다.[25]: 11 슈타이너는 "이상한 화음과 불협화음부터 예쁜 멜로디까지 모든 것을 할 수 있는 그런 종류의 영화였다"[5]고 전했다.스타이너는 앤을 콩에게 제물로 바치기 위해 식에 동반한 야생 부족 음악을 추가로 작곡했다.[27]그는 2주 만에 악보를 썼고 녹음 비용은 약 5만 달러였다.[26]: 58 이 영화는 파워 뮤직이 관객들의 감정을 조작해야 한다는 것을 보여주면서 "영화 채점"의 상징이 되었다.[24]: 113 [2]: 29 스타이너는 주인공과 콘셉트를 위한 특별한 테마를 요구하는 바그너 레이트모티프 원리로 점수를 구성했다.괴물의 테마는 내리막 3노트 색채 모티브로 알아볼 수 있다.킹콩의 죽음 이후, 등장인물들 사이의 "미녀와 야수" 타입의 관계를 밑그림을 그리며, 콩 테마와 페이 브레이 주제가 모인다.영화의 피날레에 수록된 음악은 영화가 명시적으로 표현하지 않아도 공효진이 이 여성에 대해 가졌던 부드러운 감정을 표현하는데 도움이 되었다.[2]: 29 대다수의 음악은 무겁고 시끄럽지만, 일부 음악은 조금 가볍다.예를 들어 선박이 스컬 아일랜드로 항해할 때 슈타이너는 하프에 소량의 질감을 넣어 음악을 차분하고 조용하게 유지시켜 선박이 안개 낀 물 속을 조심스럽게 움직일 때 특성화를 돕는다.[2]: 29 슈타이너는 그의 작품에서 보너스를 받았는데, 쿠퍼는 이 영화의 성공 25%를 영화 점수로 인정했기 때문이다.[25]: 9 그가 죽기 전에, 스타이너는 킹콩이 그가 가장 좋아하는 점수 중 하나라고 인정했다.[27]: 193

킹콩은 재빨리 스타이너를 할리우드에서 가장 존경받는 이름 중 하나로 만들었다.그는 RKO의 음악 감독으로 1936년까지 2년 더 활동했다.맥스는 1936년에 하피스트인 루이즈 클로스와 결혼했다.그들은 아들 론과 함께 1946년에 이혼했다.[17]슈타이너는 프레드 아스테르와 진저 로저스의 댄스 뮤지컬 대부분을 포함한 55편의 영화를 작곡, 편곡, 지휘했다.게다가, 스타이너는 카타린 헵번의 첫 번째 영화인 Bill of Delegmentation (1932년)에서 사용된 소나타를 썼다.셀즈닉을 비롯한 RKO 프로듀서들은 영화와 관련된 문제가 있을 때 그를 종종 찾아와 마치 음악 '닥터'인 것처럼 대했다.[5]Steiner는 원래 음악이 부족했던 Of Human Bondage(1934년)의 악보를 작곡해 달라는 요청을 받았다.그는 중요한 장면에 음악적 감동을 더했다.존 포드 감독은 스타이너에게 자신의 영화 '잃어버린 순찰대'(1934년)를 음악 없이 긴장감을 결여한 채 득점할 것을 요구했다.

존 포드는 그의 차기작인 인포머(1935년)의 작곡을 위해 다시 스타이너를 고용했다.포드는 자신의 시나리오 작가에게 글쓰기 단계에서 슈타이너와 만나 협업을 하자고 요청하기도 했다.이것은 스타이너가 일반적으로 영화의 대략적인 컷보다 더 이른 어떤 것에서든 악보를 작곡하는 것을 거절한 경우로서는 이례적인 일이었다.스타이너가 영화 제작 전과 도중에 음악을 채점했기 때문에 포드는 영화 작곡가들이 영화의 장면과 음악을 동기화시키는 일반적인 연습보다는 스타이너가 작곡한 음악과 동기화하여 장면을 촬영하기도 했다.결과적으로, 스타이너는 주인공인 집포의 발전에 직접적인 영향을 미쳤다.집포를 연기한 빅터 맥라글렌은 슈타이너가 집포를 위해 만들어낸 허우적거리는 레이트모티프에 맞춰 걷기 리허설을 했다.[28]: 124–125 이 독특한 영화 제작 연습은 성공적이었다. 이 영화는 6개의 아카데미상 후보에 올랐고 스타이너의 첫 아카데미상 최우수 작품상을 포함해 4개의 상을 받았다.[29]이 점수는 영화의 본질을 하나의 테마로 아우르는 스타이너의 능력을 예시하는 데 도움이 되었다.[2]: 29 이 영화의 사운드트랙의 주요 제목은 세 가지 구체적인 면을 가지고 있다.첫째, 무거운 행군 같은 주제는 억압적인 군대와 주인공인 집포의 필연적인 몰락을 묘사하는 데 도움이 된다.둘째, 캐릭터의 주제는 엄격하고 냉정하며 관객들을 영화의 올바른 분위기에 빠지게 한다.마지막으로, 음악의 주제는 아일랜드 민요의 영향을 포함하고 있는데, 이것은 영화의 아일랜드 역사적 배경과 영향을 더 잘 묘사하는 역할을 한다.[2]: 30 이 주제는 영화 전반에 걸쳐 지속적으로 들리지 않으며 오히려 영화의 다른 부분들에서 들리는 다른 멜로디 모티브의 틀 역할을 한다.[2]: 30

이 영화의 점수는 영화 속 다양한 인물과 상황을 특징짓는 많은 다른 주제들로 구성되어 있다.Steiner는 주인공인 Gypo에 대한 Katie의 진정한 사랑을 묘사하는 것을 돕는다.한 장면에서, 케이티는 집포를 독주 바이올린으로 부르고 그녀의 목소리가 떨어지는 것을 보여준다.또 다른 장면에서, 집포는 미국에 기선을 띄우는 광고를 보고, 그 광고 대신 배 위에서 케이티의 손을 잡고 있는 자신을 본다.결혼식 종소리가 오르간 음악과 함께 들리고 그는 케이티가 베일을 쓰고 꽃다발을 들고 있는 것을 본다.이후 장면에서 케이티 테마는 술에 취한 집포가 술집에서 아름다운 여자를 보는 것처럼 연기되는데, 그가 그녀를 케이티로 착각했음을 암시한다.[2]: 30 영화 악보에 포함된 다른 음악 주제로는 프랭키 맥필립을 위한 프랑스식 뿔에 대한 아일랜드 민요, 댄과 갤러거, 메리 맥필립을 위한 따뜻한 현악 테마, 시각장애인을 위한 하프와 함께 영어 뿔에 대한 슬픈 테마 등이 있다.[2]: 30 이 영화에서 가장 중요한 모티브는 집포가 친구 프랭키를 어떻게 배신하는지와 관련된 배신의 주제인 '혈액' 모티브다.프랭키가 살해된 후 선장이 테이블 위에 돈을 던지면서 테마가 들린다.주제는 하프의 4노트 하강곡이다; 첫번째 간격은 트리톤이다.남자들이 사형집행인이 될 사람을 결정함에 따라, 모티브는 조용하고 영속적으로 반복되어 집포의 죄의식을 확립하고, 음악적 모티브는 감옥에서 떨어지는 물방울과 일치한다.영화의 말미에서 나타나듯이, 이 주제는 집포가 교회 안으로 비틀거리며 들어가면서 포티시모 볼륨으로 연주되고, 심벌즈의 박수로 클라이맥스를 끝맺음으로써, 더 이상 자신의 죄의식을 확립할 필요가 없음을 보여준다.[2]: 31

슈타이너의 구성에서는 액션이나 결과가 그 직전에 포르자토 화음을 동반하고, 그 뒤에 침묵이 뒤따르는 것과 같은 무성 영화 매너리즘이 여전히 보인다.프랭키가 체포 포스터에 대한 보상을 보며 집포와 맞서는 장면에서 그 예가 언급된다.Steiner는 이 영화에서 사소한 "Mickey Meuge" 기술을 사용한다.[2]: 32 슈타이너는 이 점수를 통해 아일랜드 '서커스단 서클'과 '혈액' 모티브, 프랭키의 테마 등 서로 다른 주제의 혼합을 통해 집포의 마음 속 내면의 고군분투극을 시도하며 영화음악의 잠재력을 보여줬다.스코어는 슈타이너의 원작 '산악타 마리아'로 마무리된다.일부 작가들은 이 큐를 프란츠 슈베르트의 "아베 마리아"가 등장하는 것으로 잘못 언급했다.

1937년, 슈타이너는 경험이 부족한 틴킨이 곡을 다시 쓸 필요가 있을 경우에 대비하여 안전장치로서 디미트리 틴킨의 로스트 호라이즌(1937년)을 지휘하기 위해 프랭크 카프라에 고용되었다. 그러나 휴고 프리드호퍼에 따르면, 틴킨은 당시 영화 스튜디오의 음악 감독보다 슈타이너를 더 선호했다고 한다.[25]: 52 셀즈닉은 1936년에 자신의 제작사를 설립하고 스타이너를 영입하여 다음 세 편의 영화에 대한 점수를 작성하게 했다.[5]

워너 브라더스 (1937–1953)

1937년 4월, 스타이너는 RKO를 떠나 워너 브라더스사와 장기 계약을 맺었다.하지만 그는 셀즈닉을 위해 계속 일할 것이다.그가 워너 브라더스를 위해 채점한 첫 영화는 The Charge of the Light Gird (1936년)이다.스타이너는 이후 30년간 140편의 영화를 베트 데이비스, 에롤 플린, 험프리 보가트, 제임스 캐그니 등 할리우드 스타들과 나란히 득점하며 워너브라더스의 주축이 됐다.[8]: 56 스타이너는 워너브라더스 소속의 조정자로 고용된 작곡가 휴고 프리드호퍼와 자주 함께 일했고, 프리드홀퍼는 그의 경력 동안 50개 이상의 스타이너의 작품을 조율했다.[10]: 72 [30]: 198 1938년 슈타이너는 '영화 콤팩트' 첫 작품인 '심포니 모데인'을 작곡, 편곡했는데, 이 작품은 캐릭터가 피아노로 연주하고 나중에 '4딸'(1938년)에서 테마로 연주하며 '4명의 아내'(1939년)에서 풀 오케스트라가 연주한다.[31]

1939년 스타이너는 셀즈닉에 의해 워너 브라더스로부터 차용되어 바람과 함께 사라지다(1939년)의 스코어를 작곡하게 되었는데, 이것은 스타이너의 가장 주목할 만한 성공 중 하나가 되었다.슈타이너는 셀즈닉이 이 영화를 채점한 것으로 간주된 유일한 작곡가였다.[5]스타이너는 1939년에 영화음악을 12개 더 작곡했음에도 불구하고, 그의 경력 중 어느 해보다 더 많은 점수를 받았음에도 불구하고, 이 악보를 완성하는 데 겨우 3개월이 주어졌다.셀즈닉은 슈타이너가 득점을 마칠 시간이 충분하지 않을 것을 우려했기 때문에 슈타이너가 끝내지 못한 경우에 프란츠 왁스맨에게 추가 득점을 기록하게 했다.기한을 맞추기 위해, 스타이너는 때때로 20시간 동안 계속해서 일했고, 의사가 관리하는 베네게드린의 도움을 받아 잠을 자지 않았다.[5]이 영화가 개봉되었을 때, 그것은 거의 3시간 가까이, 지금까지 작곡된 영화 중 가장 긴 영화 점수였다.이 작곡은 16개의 주요 주제와 300개에 가까운 음악 부문으로 구성되었다.[5][10]: 34 스코어의 길이로 인해, 스타이너는 하인즈 롬헬드를 포함한 4명의 오케스트레이터와 편곡자들의 도움을 받아 스코어를 작업했다.[32]: 58 셀즈닉은 비용과 시간을 줄이기 위해 스타이너에게 기존의 클래식 음악만을 사용하라고 요구했지만,[33] 스타이너는 고전 콘서트 음악이나 인기작품의 스와치 등으로 그림을 채우는 것이 원작만큼 효과적이지 않을 것이라고 설득해 장면의 감정적 내용을 고조시킬 수 있었다.[34]슈타이너는 셀즈닉의 바람을 무시하고 완전히 새로운 악보를 작곡했다.스타이너의 음악이 거의 다 들어 있는 이 영화에 대한 압도적인 반응 때문에 오리지널 스코어링을 사용하는 셀즈닉의 의견이 달라졌을 수도 있다.1년 뒤에는 원작 영화 점수의 가치를 강조하는 편지까지 썼다.[35]: 227 스테이너의 점수 테마 중 가장 잘 알려진 것은 오하라 가족 농장을 위한 "타라" 테마다.스타이너는 스칼렛이 자신의 집에 대해 깊이 자리 잡은 사랑이 '타라' 테마가 그림으로 시작하고 끝나는 이유, 그리고 전체 점수에 스며드는 이유라고 설명한다.[36]이 영화는 비록 오즈의 마법사를 위해 허버트 스토타트가 대신한 최우수 오리지널 스코어는 아니지만 10개의 아카데미 상을 수상했다.[37]'바람과 함께 사라지다'의 스코어는 AFI가 역대 미국 영화 점수 2위에 올랐다.[38]

이제 보이저는 스타이너가 두 번째 아카데미 상을 받을 영화 점수일 것이다.케이트 도브니는 이 점수의 성공을 "주제의 의미와 음악의 소리와의 균형을 맞추는 스타이너의 능력"[11]: 46 탓으로 돌린다.슈타이너는 음악에서 모티브와 주제적 요소를 사용하여 서사의 정서적 발전을 강조하였다.[39]: 38 Now, Voyager (1942년)를 마친 후, Steiner는 카사블랑카 (1942)의 음악을 위해 고용되었다.슈타이너는 보통 영화를 채점하기 전에 영화가 편집될 때까지 기다리곤 했는데, 카사블랑카를 본 후, 허먼 후프펠트의 "시간이 흘러감에 따라"라는 곡은 영화에 적절한 덧셈이 아니라고 판단하고 작곡한 곡으로 대체하고 싶었지만, 잉그리드 버그만은 F 촬영을 준비하느라 머리를 짧게 잘랐을 뿐이었다.또는 Who the Bell Torns (1943) 그래서 그녀는 스타이너의 노래로 그 부분을 다시 촬영할 수 없었다.'시간이 흐를수록'에 갇힌 스타이너는 이 곡을 끌어안고 이 곡을 자신의 점수의 중심 테마로 삼았다.[40]: 254–255 스타이너의 카사블랑카 점수는 아카데미상 드라마틱 또는 코미디 영화 부문 최우수 작품상 후보에 올라 버나데트의 노래(1943)에 밀렸다.[40]: 319 스타이너는 1944년 유 고어웨이(1944년)로 세 번째이자 마지막 오스카상을 받았다.슈타이너는 사실 레베카를 위해 프란츠 왁스만의 무디한 점수를 균형을 잡는데 도움을 주면서 "네가 떠난 이후"에서 이 주제를 처음으로 작곡했다.프로듀서 데이비드 O.셀즈닉은 이 테마가 너무 마음에 들어, 스타이너에게 "네가 떠난 이후부터"에 포함시켜 달라고 부탁했다.[32]: 119 [20]: 78 1947년에 맥스는 레오네트 블레어와 결혼했다.[17]

스타이너도 영화 누아르 장르로 성공을 거뒀다.The Big Sleep, Mildred Pierce, 그리고 The Letter는 1940년대 최고의 영화 누아르 음반이었다.[2]: 32 레터(The Letter)는 싱가포르를 배경으로, 살인 이야기는 영화의 긴장감과 폭력적인 분위기를 연출하는 크레디트 동안 시끄러운 메인 뮤지컬 테마로 시작된다.주인공 레슬리의 비극적인 열정이 주인공인 레슬리의 특징을 그렸다.[2]: 32–33 중국 상점에서 레슬리와 살해된 남자의 아내의 대결에서 주된 주제가 들린다.슈타이너는 아편연기를 통해 아내가 나올 때 절정에 달하는 풍향의 윙윙거리는 소리를 통해 이 장면을 그려낸다.아내가 레슬리에게 숄을 벗으라고 할 때까지 장글링은 계속되는데, 그 후 이 여성들의 감정의 돌파구를 나타내는 테마가 폭발한다.[2]: 33 The Letter에 대한 Steiner의 점수는 월트 디즈니의 피노키오에게 패배하면서 1941년 아카데미 최우수 오리지널 스코어상 후보에 올랐다.[41]The Big Sleep의 스코어에서, Steiner는 영화 속 등장인물들을 위해 음악적인 주제적 특성화를 사용한다.필립 말로우(Humphrey Bogart)의 주제는 매혹적이고 아이러니컬하며, 모티브의 끝부분에는 장난기 어린 우아함이 그려져 있으며, 소장과 소사가 뒤섞여 묘사되어 있다.영화 말미에는 그의 주제가 주요 화음으로 충분히 연주되고 영화가 종영되면서 화음을 갑작스럽게 종영하는 것으로 마무리된다(이것은 당시 할리우드에서 흔치 않은 영화음악 연습이었다).[2]: 33, 48 크리스토퍼 파머에 따르면, 보고트의 필립과 로렌 바콜의 비비안의 러브 테마는 스타이너의 가장 강력한 테마 중 하나이다.슈타이너는 높은 현과 낮은 현과 놋쇠의 대조를 이용해 범죄 세계의 잔혹성에 반대하는 비비안에 대한 필립의 감정을 강조한다.[2]: 35 1947년에 슈타이너는 영화 '웨스턴, 추격'을 기록했다.

스타이너는 20명이 넘는 대규모 서구 영화들의 악보를 쓰면서 더 많은 성공을 거두었는데, 대부분은 닷지 시티, 오클라호마 키드, 버지니아 시티와 같은 "제국 건설과 발전에 관한 것"[5]을 서사적으로 고무시키는 악보로 기록되었다.에롤 플린과 올리비아 드 하빌랜드가 주연을 맡은 닷지 시티는 스타이너가 서양 장르의 전형적인 장면을 다룬 좋은 사례다.[5]슈타이너는 마차, 말, 소의 움직임과 소리를 반영한 '리프팅, 로핑 선율'을 사용했다.[5]스타이너는 플린과 드 하빌랜드가 주연을 맡은 <그들이 부츠를 신은 채로 죽다>(1941)에서 그랬던 것처럼 서양인과 로맨스를 결합하는 애정을 보였다.[5]서커스(1956)는 오늘날 그의 가장 위대한 서양인으로 여겨진다.[42]

후기 작품(1953–1965)

1953년에 계약이 끝났지만, 스타이너는 1958년에 워너 브라더스로 돌아와 밴드 오브 에인절스, 마조리 모닝스타, 존 폴 존스 등 여러 편의 영화를 득점했고, 이후 텔레비전에 과감히 뛰어들었다.스타이너는 이 기간 동안 여전히 대형 오케스트라와 레이트모티프 기법을 선호했다.[4][10]: 152 슈타이너는 1950년대 중반에 페이스가 크게 느려졌고, 프리랜서를 시작했다.1954년 RCA 빅토르는 스타이너에게 특수 LP를 위해 <바람과 함께 사라지다>의 관현악단을 준비하여 지휘할 것을 요청하였고, 이후 이 곡은 CD로 발행되었다.스타이너가 워너 브라더스 스튜디오 오케스트라를 지휘하는 많은 영화 음악가들도 있다.작곡가 빅터 영과 슈타이너는 좋은 친구였고, 슈타이너는 영이 끝내기도 전에 죽었기 때문에 차이나 게이트의 영화 점수를 완성했다.신용 프레임에는 다음과 같이 적혀 있다: "빅터 영의 음악, 그의 오랜 친구인 맥스 스타이너가 확장했다."[20]: 48 슈타이너의 음악을 다른 사람에 의한 사운드트랙, 컬렉션, 녹음으로 녹음한 것은 수없이 많다.Steiner는 병들고 거의 장님인 70대에 글을 썼지만, 그의 작품들은 "발명의 신선함과 풍요로움을 되찾았다"[2]고 말했다.Steiner가 71세였을 때 쓰여진 1959년 A Summer Place의 테마는 수년 동안 워너 브라더스의 가장 큰 히트 튜닝 중 하나가 되었고 팝 표준이 다시 녹음되었다.이 기억에 남는 악기 테마는 1960년 빌보드 핫 100 싱글 차트에서 9주 동안 1위를 했다.[43]스타이너는 60년대 중반까지 워너사가 제작한 영화들을 계속 득점했다.[5]

1963년, Steiner는 자서전을 쓰기 시작했다.비록 완성이 되었지만, 결코 출판되지 않았으며, 스타이너의 유년시절에 이용할 수 있는 유일한 출처다.원고의 사본은 유타주 프로보의 브리검 영 대학에 있는 맥스 스타이너 컬렉션의 나머지 부분과 함께 소장되어 있다.[17]슈타이너는 1965년에 마지막 작품을 작곡했다. 그러나 그는 기회가 주어진다면 더 많은 영화를 작곡할 수 있었을 것이라고 주장했다.그가 말년에 일감이 없었던 것은 신인 영화 제작자들에 의해 야기된 그의 점수에 대한 할리우드의 관심 감소와 영화 음악에 대한 새로운 취향 때문이었다.그의 경력 저하에 대한 또 다른 공헌은 시력이 떨어지고 건강이 악화되어 마지못해 은퇴하게 된 것이었다.[8]: 59, 66 토니 토머스는 스타이너의 마지막 점수를 "힘이 센 커리어에 약한 코다"[2]: 92 라고 인용했다.

Steiner는 83세의 나이로 할리우드에서 울혈성 심부전으로 사망했다.[29]그는 캘리포니아 글렌데일의 숲 잔디 기념 공원 묘지에 있는 대묘원에 안장되어 있다.[44]

작곡 방법

대화의 배경으로서의 음악

소리의 초기에는, 프로듀서들은 청중들이 그 음악이 어디에서 나오는 것인지 궁금해 할 것이라고 느끼면서 대화 뒤에 있는 음악을 강조하지 않는 것을 피했다.그 결과 슈타이너는 "그들은 러브신이나 무성 시퀀스를 지원하기 위해 여기저기서 작은 음악을 추가하기 시작했다"[45]고 언급했다.그러나 나이트클럽이나 볼룸, 극장 등 음악이 기대되는 장면에서는 오케스트라가 좀 더 자연스럽게 어울리며 자주 사용되었다.[23]예상하지 못했던 장면에서 음악이 추가되는 것을 정당화하기 위해 등장인물을 통해 음악이 장면에 통합되거나 더 눈에 띄게 추가되었다.때 장면 후, 때문에 편집되기 때문에 음악의 절반이 집합에 기록된 예를 들어, 양치기 소년은 오케스트라는 배경에 들었던 것과 함께나 랜덤며 방황하는 바이올린 연주자는 사랑 장면 동안 커플 주변을 따를지도 모릅니다;[26]:57 하지만, 피리를 불다, 슈타이너가 불편과 비용의 크게 이끌었다고 하더군 그 score는 종종 망칠 것이다.이 기간 동안 녹음 기술이 발전하면서 영화에 동기화된 음악을 녹음할 수 있었고, 영화가 편집된 후 점수를 변경할 수 있었다.슈타이너는 자신의 전형적인 득점 방법을 설명한다.

그림이 완성되고 최종적으로 편집되면 나에게 넘겨진다.그리고 나서 나는 시간을 쟀다. 하지만 많은 사람들이 하는 것처럼 스톱워치로 하는 것은 아니다.필름을 특수 측정기에 넣고 나서 큐시트를 만들었는데, 이 큐시트는 나에게 정확히 몇 초 안에 액션이 일어나거나 단어가 말해지는 시간을 준다.이 큐시트가 만들어지는 동안, 나는 다른 캐릭터와 장면들을 위한 테마를 만들기 시작하지만, 필요한 타이밍은 고려하지 않는다.이 기간 동안 나는 또한 내가 본 것을 소화하고, 이 그림의 음악을 계획하려고 노력한다.너무 느리게 그늘이 지는 장면이 있을 수도 있고, 너무 빠른 장면에서는 느린 음악을 사용함으로써 조금 더 많은 느낌을 줄 수도 있다.아니면 아마도 음악은 강렬한 고통과 같은 캐릭터의 감정을 명확히 할 수 있을 것이며, 그것은 요구되지 않거나 무언의 클로즈업으로 완전히 드러내지 않는다.[23]

슈타이너는 영화 악보를 만드는 데 있어서 종종 그의 본능과 자신의 추리를 따랐다.예를 들어, 그가 '바람과 함께 사라지다'를 위해 클래식 음악을 사용하라는 셀즈닉의 지시를 거스르는 것을 선택했을 때 말이다.슈타이너는 이렇게 말했다.

친숙한 음악은 아무리 인기가 있다 하더라도 극적인 그림의 밑바탕에는 도움이 되지 않는다는 것이 나의 확신이다.나는 미국인들이 세계 어느 나라보다 음악적인 마인드를 가지고 있지만, 여전히 모든 새로운 거장들의 작품에 완전히 익숙하지는 않다고 믿는다.물론 우리 업계에는 내 견해에 동의하지 않는 사람들이 많이 있다.[23]

고전의 점수는 때로 그림에 해로울 때가 있었는데, 특히 친숙함 때문에 자신에게 원치 않는 관심을 끌 때는 더욱 그러했다.예를 들어 2001년 A Space Odyssey, The Sting, Manhattan과 같은 영화들은 선호되는 "하위" 효과 대신 인지할 수 있는 곡조로 점수를 받았다.스타이너는 각 영화마다 오리지널 스코어가 필요하다는 점을 가장 먼저 인정했다.

Steiner는 음악을 잘못 배치하면 느리게 되는 장면의 속도가 빨라질 수 있고, 그 반대로 "차이를 아는 것이 영화 작곡가를 만드는 것이다"[5]라고 생각하기 때문에 적절한 점수 매김에서 언제 시작하고 멈추어야 하는지를 아는 것이 가장 어려운 부분이라고 느꼈다.그는 또한 많은 작곡가들이 자신의 테크닉과는 달리 영화에 음악을 종속시키지 못할 것이라고 지적한다.

나는 항상 그림에 종속시키려고 노력했다.많은 작곡가들이 영화를 자랑할 수 있는 콘서트 플랫폼으로 생각하는 실수를 저지른다.여긴 그런 곳이 아니에요...너무 장식적이면 감정에 호소력을 잃는다.음악은 듣는 것보다 느껴야 한다는 게 내 지론이다.[5]

트랙 클릭

일부 학자들은 Steiner를 클릭 트랙 기법의 창안자로 꼽기도 하지만, 그는 로이 웹과 함께 이 기법을 영화 채점에 사용한 첫 번째 사람일 뿐이다.Carl W. Stalling과 Scott Bradley는 만화 음악에서 이 기술을 먼저 사용했다.클릭 트랙은 작곡가가 음악과 영화를 더 정확하게 동기화할 수 있게 해준다.이 기술은 메트로놈 속도의 수학을 바탕으로 사운드트랙 필름에 구멍을 뚫는 것을 포함한다.이 구멍이 프로젝터를 통과할 때 오케스트라와 지휘자는 헤드폰을 통해 딸깍거리는 소리를 들을 수 있어 정확한 영화 타이밍에 맞춰 음악을 녹음할 수 있다.[10]: 30 이 기법은 지휘자와 오케스트라가 영화의 타이밍에 완벽히 맞춰 음악을 매칭할 수 있게 해, 이전과 같이 녹음 중간에 음악을 차단하거나 중지할 필요가 없어졌다.슈타이너에 의해 영화음악으로 대중화된 이 기법은 슈타이너가 "액션을 포착"할 수 있게 해, 화면에 작은 디테일을 위한 소리를 만들어냈다.[10]: 32 실제로 슈타이너는 창작과 작곡이 쉬워져 멜로디와 모티브를 작곡하는 것보다 액션을 음악에 맞추는 데 더 많은 시간을 할애했다고 한다.[30]: 18

레이트모티프

주로 오페라와 오페르타로 이루어진 유럽 음악 훈련에서의 스타이너의 배경과 무대 음악에 대한 그의 경험으로, 그는 할리우드 영화 점수 발전에 기여한 많은 구식 테크닉을 가지고 왔다.[26]: 55 스타이너는 "현대 영화음악을 창안한 사람"이라고 불려왔지만, 그 자신은 "이 아이디어는 리차드 바그너에서 비롯되었다"고 주장했다.바그너가 이 세기에 살았더라면 영화 작곡가 1위였을 겁니다."[46]바그너는 레이트모티프의 발명가였고, 이것이 슈타이너의 작곡에 영향을 주었다.[47][2]: 29 그의 음악에서 스타이너는 레트모티프에 크게 의존했다.그는 또한 국가적인 안젤라와 같은 그의 악보에서 이미 존재하고 인지할 수 있는 멜로디를 인용하곤 했다.슈타이너는 미키 마우스를 사용하거나 "액션을 잡아라"는 것으로 알려져 종종 비난을 받았다.이 기법은 음악에 화면의 동작이나 몸짓이 정확히 일치한다는 것이 특징이다.스타이너는 이 기술을 너무 자주 사용했다는 비판을 받았다.[26]: 56 예를 들어, Of Human Bondage에서, Steiner는 곤경에 처한 캐릭터가 걸을 때마다 그의 음악으로 절뚝거리는 효과를 만들어냈다.[26]: 88

가능할 때마다 슈타이너를 안내한 중요한 원칙 중 하나는 다음과 같은 그의 규칙이었다.모든 등장인물에게는 테마가 있어야 한다."스타이너는 캐릭터에 대해 우리가 알아야 할 모든 것을 말해주는 음악적 그림을 만든다."[28]이를 위해 슈타이너는 작곡의 구조적인 틀로서 음악, 서술 액션, 레이트모티프를 동기화했다.[28]

등장인물들과 음악이 어떻게 함께 작용했는지를 보여주는 좋은 예는 The Glass Menagerie(1950)의 그의 점수로 가장 잘 보여진다.[2]

  • 신체적으로 장애가 있는 여주인공인 로라를 위해 스타이너는 "어쩌면 현실의 어두운 현실에서 유리 조각들로 이루어진 자신의 세계로 탈출하는 소리를 녹음해야 했다"고 말했다.그 결과는 적절한 유리질의 음색이다; … 비브라폰, 셀레스타, 피아노, 글로켄스피엘, 삼각형을 자유롭게 사용하면 소리의 파괴력과 아름다움을 높일 수 있다."[2]
  • 로라의 잘 여행한 군인 동생을 위해 : "톰의 테마는 대도시 블루스 타입의 공명을 가지고 있다.그것은 또한 풍부하고 따뜻하다...[그리고] 톰의 선량한 본성을 말해준다."[2]
  • 짐에게는 로라가 오랫동안 기다려온 '신사의 전화 건 사람'이 곧 자신의 삶을 바꿔놓는다.슈타이너의 "깨끗한 멜로디"는 그의 상냥함과 정직함을 반영한다.짐의 테마의 요소들은 '파라다이스'에서 그녀의 본질적인 아름다움을 확신하고 그녀의 뿌리 깊은 열등감에 대항하기 시작함에 따라 댄스밴드 음악에 내장되어 있다.그들이 귀국하자마자 음악은 짐이 이미 다른 소녀에게 전념하고 있다는 것을 폭로할 것에 대비해 현장을 어둡게 한다."[2]

캐릭터와 음악의 동시성을 보여주는 또 다른 영화는 "The Pountainhead" (1949)이다.이상주의 건축가(개리 쿠퍼 역) 로어크의 등장인물:

영웅을 위한 스타이너의 주제는 진정한 감정과 진정한 이상주의와 열망으로 가득 차 있다.그것은 '마스쿨린' 스타일로 위로 솟구쳐 오르는 반면, 로어크의 정부 테마는 전형적으로 여성스러운 모습으로 곡선을 그리며 아래로 내려간다.위로는, 그녀는 노동자들의 엘리베이터를 타고 올라간다. 음악은 그들을 서로 만족하게 만드는 것 같다.점수는 그 그림에 위엄과 위엄을 가져온다.[2]

스타이너의 음악은 영화 속 각 등장인물에 대한 테마를 만들었던 것과 마찬가지로, 원래 감정적인 내용이 결여되어 있던 일반적인 장면의 감정적인 면을 표현하기 위해 테마를 개발하였다.[2]예를 들면 다음과 같다.

  • 킹콩(1933년):그 음악은 그 영화에서 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 이야기를 들려주었다.그것은 공효진의 "힘없는 피해자에 대한 부드러움"을 표현했다.그 음악은 카메라가 표현할 수 없는 감정을 강조한다.이 영화의 점수는 "공포하고 인간화하는 음악의 기본적 힘"[2]을 보여주었다.
  • 베트 데이비스 주연의 편지(1940년)는 다음과 같다.이 영화의 음악은 "극장 건너편에서 영화 크레딧을 블라스팅"함으로써 "열대적인 긴장과 폭력"의 분위기를 자아낸다.스타이너의 점수는 이 영화의 비극적이고 열정적인 주제를 강조한다.[2]
  • 큰 수면 (1946):이 영화의 음악은 영화의 변화하는 분위기에 맞춰 "어두워진다".낮은 현과 놋쇠에 대해 높은 현을 "리듬하게 붙임"으로 포함시킴으로써 밀실공포증을 일으킨다.[2]
  • 시에라 마드레의 보물 (1948년):스타이너는 이 음악을 이용하여 보고르트와 홀트의 고뇌를 증폭시키는데, 이때 그들은 뜨거운 태양 아래 광산을 파게 된다.이 음악은 "열심히 항의하는 장례 행진의 성격을 가정한다"고 했다.마음이 보고르트에 파고들면서 음악의 타이밍이 스며든다.이 음악은 또한 탐욕의 주제를 강조하는 역할을 한다."폐허가 된 광산 밖에 서 있을 때 홀트의 마음속에 번쩍이는 생각의 본질을 말해준다." 그러나 음악의 따뜻한 음색이 다시 떠오를 때, 무너진 갱도에서 보가트를 구해낼 때 홀트의 선함을 반영한다.이 "클리맥스는 완전한 오케스트라에 대한 테마의 그랜드시오오 성명으로 표시된다."[2]

사실적이고 배경적인 음악

스타이너는 사진에 음악 점수를 추가할 때 자신과 영화감독이 영화를 전체적으로 보고 다이제틱 음악의 저주가 어디서 시작되고 끝날지에 대해 토론하는 '스팟팅 과정'을 사용했다.[48]: 138 슈타이너가 사용한 또 다른 기술은 사실적인 음악과 배경음악의 혼합이었다.예를 들어, 혼자 흥얼거리는 캐릭터가 사실적인 음악이고, 오케스트라가 그의 곡을 연주할 수도 있어 영화에 연결되는 배경 음악 효과를 만들어낼 수도 있다.스타이너는 영화음악에 대한 인식이 영화의 서사적 환상을 망칠 수 있다는 점에서 이 기법으로 비판을 받았지만,[26]: 88–89 스타이너는 영화가 각광을 받게 하는 것이 중요하다는 것을 이해하면서 음악을 '종속'하게 만들었다."너무 장식적이면 감정적인 매력을 잃는다"[49]: 97 고 말했다.1932년 이전에, 사운드 영화의 제작자들은 배경음악의 사용을 피하려고 노력했다. 왜냐하면 시청자들은 음악이 어디에서 나오는 것인지 궁금해 할 것이기 때문이다.[49]: 54 스타이너는 음악의 특정 중립적인 장면에 대해 멜로디 콘텐츠가 없는 분위기 있는 음악을 사용하여 글을 쓰는 것으로 알려져 있었다.슈타이너는 멜로디 모션을 디자인해 영화로부터 너무 많은 관심을 받지 않고 평범하게 들리는 음악을 만들어냈다.[26]: 91 이와는 대조적으로, 스타이너는 특정한 감정을 강조하거나 반박하기 위해 때때로 다이제틱, 즉 서사 기반의 음악을 사용했다.Steiner에 따르면, "비극적인 장면의 밑바탕에는 게이 음악보다 더 큰 대위점이 없다" 또는 그 반대도 있다.[39]: 70

영향

산업인식

비엔나 프라터스트라제 72번지에 있는 스타이너 생가 명패
1988년 막스 슈타이너 플라크 공개(f.l. R. Blumauer, H. Weißmann, Helmut Zilk)

맥스 스타이너의 점수는 아카데미 오리지널 스코어상을 수상했다.정보원(1935년), 나우, 보이저(1942년), 그리고 네가 떠난 이후(1944년).[11]: xvii Steiner는 The Informer의 증명서를 받았다.그는 원래 Now, Voyager, Brah You Gone Away로 명패를 받았으나 1946년에 아카데미 상으로 교체되었다.개인으로서 스타이너는 총 20개의 아카데미상 후보에 올랐으며, 2개의 상을 받았다.1939년 이전에 아카데미는 개인 작곡가가 아닌 스튜디오의 음악부를 인정해 채점 부문에서 지명을 받았다.이 기간 동안 스타이너의 점수 중 '잃어버린 순찰대', '경여단 충전대' 등 5점이 후보에 올랐지만, 아카데미는 이들 후보에 대해 맥스 스타이너 자신이 속한 것으로 보지 않는다.결과적으로, The Informer에 대한 Steiner의 점수는 1936년에 아카데미 상을 수상했음에도 불구하고, Steiner는 공식적으로 Steiner를 이 상의 개별 수상자로 간주하지 않는다. 왜냐하면 Steiner가 RKO의 음악부를 대표하여 이 상을 수상했기 때문이다.스타이너의 20개 후보 지명자는 존 윌리엄스, 알프레드 뉴먼에 이어 득점 부문 역사상 세 번째로 지명된 개인이다.[50]

미국 우정국은 1999년 9월 16일 "아메리칸 뮤직 시리즈" 우표를 발행하여 스타이너를 포함한 유명한 할리우드 작곡가들에게 경의를 표했다.[51]스타이너가 사망한 후, 찰스 게르하르트는 스타이너의 경력 중 하이라이트를 담은 RCA 빅터 앨범인 Now Voyager로 국립 필하모닉 오케스트라를 지휘했다.[52][53]그는 또한 골든 글로브에서 아버지와 함께한 생애 최고의 오리지널 스코어 (1947년)를 수상했다.[29]Steiner 점수 추가 선정이 1970년대 초 다른 RCA 클래식 영화 앨범에 포함되었다.이 네모음 녹음은 나중에 돌비 서라운드 사운드를 위해 디지털로 다시 녹음되어 CD로 발매되었다.[citation needed]1975년, 스타이너는 영화 제작에 기여한 공로로 할리우드 명예의 전당에 위치한 1551번지에 위치한 스타의 영예를 안았다.[54]1995년, 스타이너는 작사가들의 명예의 전당에 추증되었다.[55]스타이너의 100회 생일을 기념해 1988년 헬무트 질크 당시 비엔나 시장이 생가인 프라테스트라제72의 노르반 호텔(현 오스트리아 클래식 호텔 빈)에서 기념패를 공개했다.[56]1990년, Steiner는 온라인 시상 사이트에서 평생 공로를 인정받은 최초의 사람 중 한 명이었다.[57]

작곡가들간의 유산

커트 런던의 필름 뮤직에서 런던은 미국 영화음악은 작곡의 독창성이 부족하기 때문에 유럽 영화음악에 비해 열등하다는 의견을 피력했다. 그는 스타이너의 음악을 규칙의 예외로 들었다.[58]슈타이너는 동시대인 에리히 볼프강 코른골드, 알프레드 뉴먼과 함께 당시의 영화음악 스타일과 형식을 설정했고, 영화음악이 앞으로 나올 영화음악을 준비했다.[59]: 39 비슷한 음악 스타일로 잘 알려진 로이 웹은 또한 스타이너의 현대인이었고 그들은 스타이너가 죽을 때까지 친구였다.웹의 마이티 조 영 점수는 스타이너를 연상케 했다.[10]: 78 [2]: 162–163, 183 제임스 본드 작곡가 존 배리는 스타이너를 작품의 영향력으로 꼽았다.[60][61]2005년 리메이크된 킹콩의 스코어를 작곡한 제임스 뉴턴 하워드는 스타이너의 스코어에 영향을 받았다고 진술했다.[62]사실, 2005년 버전의 부족 희생 장면 동안, 음악 재생은 1933년 버전의 같은 장면의 슈타이너의 점수에서 나온 것이다.[48]: 223 스타워즈 영화 점수의 작곡가인 존 윌리엄스는 스타이너뿐만 아니라 1930년대와 1940년대 영화음악의 "골든 에이지"를 작품의 영향으로 꼽았다.[63]사실, 조지 루카스는 윌리엄스가 스타워즈의 음악을 위해 스타이너와 코른골드의 악보를 사용하기를 원했는데, 이는 거창한 영화음악이 드물고 레트모티프나 완전한 오케스트레이션이 부족함에도 불구하고 말이다.[64][25]: 293 [30]: 521, 543

흔히 그의 라이벌이자 워너브라더스 시절 친구였던 현대판 에리히 볼프강 코른골드에 비하면 스타이너의 음악은 코른골드보다 열등한 것으로 비평가들에게 종종 비춰졌다.다른 영화 음악 작곡가들 슈타이너도, 작곡가 지금까지 Stei로 많은"매우 좋은" 것과 마찬가지로 만든 것보다 더 큰 개별 점수를 생산해 냈을 것 작곡가 데이비드 Raksin은 코른의 음악은,"훨씬 더 넓은 전승으로 더 높은 주문의."[65][40]:257명 하지만, 윌리엄 다비와 잭 듀보이스의 미국 영화 음악에 따라 밝혔다.ner.[30]:68슈타이너의 개인 점수의 열세에도 불구하고 그의 영향력은 대체로 역사적인 것이었다.스타이너는 말하는 영화의 발명 이후 음악을 영화에 재도입한 최초의 작곡가 중 한 명이었다.킹콩의 스타이너 점수는 영화에 배경음악을 추가하는 방법을 모델로 삼았다.[40]: 258 그의 동시대 사람들 중 몇몇은 그의 음악을 좋아하지 않았다.미클로스 로사(Mikloos Rozsa)는 스타이너가 미키 무스를 사용했다고 비난하고 그의 음악을 좋아하지 않았지만, 로즈는 스타이너가 성공적인 경력을 가지고 있고 '멜로디틱 센스'[32]: 273 가 좋다는 것을 인정했다.

현재 "영화음악의 아버지" 또는 "영화음악의 아버지"로 일컬어지는 스타이너는 그의 경력이 끝날 때까지 300편이 넘는 영화를 위한 음악을 작곡하거나 편곡했다.[25]: 8 [66][7]: 38 Erich Korngold의 아들인 George Korngold는 Steiner의 음악이 포함된 Classic Film Score Series 앨범을 제작했다.[67][10]: 207 앨버트 K. 벤더는 국제 회원 가입, 저널과 뉴스레터 발행, 오디오 녹음 도서관으로 맥스 스타이너 음악회를 설립했다.1981년 슈타이너 소장품이 브리검영대에 갔을 때 조직은 해체되었다.영국에서 맥스 스타이너 기념 협회가 결성되어 맥스 스타이너 음악 협회의 활동을 이어간다.[15][10]: 206

필모그래피

주요 기사: Max Steiner 필모그래피

미국 영화 연구소는 스타이너의 '바람과 함께 사라지다'(1939년)와 '킹콩'(1933년)의 점수를 각각 최고 영화 25점 만점에 2위,다음 영화에 대한 그의 성적도 이 리스트에 올랐다.

참조

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외부 링크