音楽スタイルとは？ わかりやすく解説

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「Vacancy Control」の記事における「音楽スタイル」の解説

オフィシャルSNSでは、"エンターテイメントコミックバンド"だと紹介している。カバー曲を披露する場合もあるが、バンドのオリジナル楽曲は、キーボードを主体としたJ-POPをスタイルとしている。Kiiboo（木本夕貴）の作詞をベースに、AKANE（福田朱子）がプロデュースを担当。ライブでは、芸能タレントの経験を活かしたトークも展開している。

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「she (バンド)」の記事における「音楽スタイル」の解説

she の音楽はエレクトロニカやチップチューンに分類され、多くの楽曲では8ビットのファミコン音源が用いられている。また、電子音と共に生楽器を取り入れることも多いほか、さまざまな女性ボーカルを起用している。そのほか、グリッチや、CDの音飛びを再現したような音を取り入れることも特徴の一つとして挙げられる。 楽曲の製作にはRenoiseなどを使用している。

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「IQ (バンド)」の記事における「音楽スタイル」の解説

バンドの音楽スタイルは、特に彼らのキャリアの初期に、歌手のピーター・ニコルズによるボーカルとステージにおける存在感、そしてキーボーディストのマーティン・オーフォードの壮大なキーボード演奏から、ピーター・ガブリエルとスティーヴ・ハケットが居た時代のジェネシスを連想させた。しかし、ギタリストのマイク・ホルムズの役割はバンドにおいてずっとハッキリしたものであり、音楽的により強いエッジを与えた。ニコルズの脱退後、アルバム『ノムザモ』（1987年）と『アー・ユー・シッティング・コンフォータブリィ』（1989年）で、バンドのスタイルはもっと商業的でラジオ向きなものになった。ただし、各アルバムにはまだプログレッシブ・ロック・スタイルの楽曲も含まれていた。1993年の『エヴァー』でニコルズが復帰してからは、より複雑なアレンジと複雑なミュージシャンシップを特徴とする長めの楽曲により、プログレッシブ・ロックのルーツへと回帰した。

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「エリック・アダムス」の記事における「音楽スタイル」の解説

絶叫型ハイトーンヴォイスが特徴で、コンサートでは40秒以上の絶叫を続ける事で知られる。影響を受けたヴォーカリストとしてディープ・パープルのイアン・ギランをあげており、若い頃はギランの声を聴くためにディープ・パープルのコンサートに通っていた。エリックは「ロバート・プラントやオジー・オズボーンも偉大なシンガーだが、自分にとってはイアン・ギランがまさに偉大だ。ディープ・パープルが登場するまでテントの中で夜通しまってるようなヤツだったからね。彼が歌う"Child in Time"を聴いた時はぶっ飛んだよ」と語っている。マノウォーの初期のアルバムでは、現在の自分のスタイルを築くまでその影響の片鱗がうかがえる。 また音楽についてのレッスンを受けた事があるかという質問には、「一度だけ受けた事があるよ。そこで正しい発声法・呼吸法などを学んだけど、それっきりだ」と答えている。 また音楽的嗜好ついてクラシック音楽が好きでキッスがさほど好きではない事を語っている。 B1～C6の4オクターブの声域があるが、加齢により高音が出にくくなっているため、近年のアルバムの曲はチューニングが下がった音程のものが多い。 ギター、ドラム、ピアノなども演奏しており、自身のアウトドア/ハンティングについてのDVD "Wild Life and Wild Times"のサウンドトラックをプロデュースし、ギターやキーボードを演奏している。 またヴォーカリストおよびバンドのフロントマンとしての尊敬や称賛が高く、かつてマノウォーを評価していない批評家からも近年は評価が高い。

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「ゴシック・ロック」の記事における「音楽スタイル」の解説

マイナー・キーや暗い曲調が一般的だが、メジャー・キーも使われている。 クリーン系や、暖かなオーバードライブのかかったギターサウンドはコーラスやフランジャー、アナログを用いたディレイによって生み出された。また、ゴシック・ロックにおけるエレキ・ギターの音は個性的な奏法になっている。この奏法は、パンク・ロックにおけるダウンストロークからきていて、濃厚な和音の代わりに、尖ったメロディーラインを強調するのに役立っている。

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「ジョン・オットー」の記事における「音楽スタイル」の解説

ブラジル音楽やアフロキューバン音楽からビバップやファンクまで、様々なジャンルに影響受けている。 オレンジカウンティのドラムとパーカッションとジルジャンのシンバルとスティックを演奏する。彼はまた、Pearl HardwareとRemoのドラムヘッドを長年支持している。最近は、Gibraltar Hardwareに切り替えた。

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「ブライアン・ジョーンズ」の記事における「音楽スタイル」の解説

ブライアンは楽器に触れるとすぐに演奏を憶えられたとされ、ギターやハーモニカの他、子供の頃に習っていたピアノやクラリネット、それ以外にもサックス、シタール、ダルシマー、メロトロン、マリンバ、リコーダーといった20種類以上の楽器を演奏でき、また、それらの楽器を曲に織り込むアレンジャーとしての能力は卓越していた。ミックもブライアンのストーンズのサウンド面への影響の大きさを認めているが、その一方で「ギターを捨て、道楽半分にいろんな楽器に手を出しすぎた」と批判もしている。 ミックはむしろギタリストとしてのブライアンを高く評価している。実際に、ミックやキースと出会うきっかけは、二人がブライアンのギタープレイに惚れこんだことだった。ミックは「ブライアンはまだスライドギターなんて誰もプレイしてないような頃からプレイしていた。演奏スタイルはエルモア・ジェイムス風ですごく叙情的なタッチをしていた」とブライアンのプレイを讃えている。 初期のストーンズのバッキング・ボーカルはキースではなく主にブライアンの担当だった。ミックの担当であるハーモニカも、初期の頃は主にブライアンが吹いており、曲によってはギターを持たずにハーモニカだけを持ってステージ演奏する事もあった。後年のブライアンは、シタールにのめりこんでいたという。 ブライアンは作曲にはほとんど関与しなかったとされ、彼の名がクレジットされたストーンズのナンバーはこれまで1曲も発表されていない。ミックは「ブライアンには作曲の才能がまるでなかった。奴より才能のない人間には未だに会ったことがない」とまで言い切っており、チャーリーもまた「皆が曲を作っていてもブライアンは全く頼りにならなかった」と語っている。だがストーンズの作曲クレジットは、必ずしも正確に表記されない事があり、実際にはブライアンが書いた曲でも、クレジットされなかった可能性がある。1967年にはドイツの映画『Mord und Totschlag（英題：A Degree Of Murder）』（フォルカー・シュレンドルフ監督、アニタ・パレンバーグ主演）の音楽を担当している。だがこの映画はソフト化されておらず、サウンドトラック盤も発売されていない。 ブライアンはストーンズを純粋なR&Bバンドと見なしており、ミックも「ブライアンは排他的で音楽観もすごく狭量だった。チャック・ベリーの曲とかやりたくなかったんじゃないかな」と語っている事から、R&B以外の音楽には興味を示さなかったと見られる。一方でミックは「古いR&Bソングのカバーばかりしてた頃は、本領を発揮してるって感じがしていなかった」とも語っており、このあたりにブライアンの志向する音楽とストーンズの進める音楽性にずれがあったことが窺える。

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「マンフレッド・マン」の記事における「音楽スタイル」の解説

マンはキャリアを通じてさまざまな鍵盤楽器（1960年代初頭のピアノとオルガン、後にメロトロンも含む）を使用してきたが、フィルターを多用してパーソナライズしたミニモーグシンセサイザーでの独特のソロ演奏で特に知られている。 彼のキーボードパーツはしばしば即興でジャズに触発されている。一例として、彼が「エクリプスド」誌のインタビューで説明したように、彼はシンセサイザーで音符を下に曲げる傾向がある。これはマイルス・デイヴィスから得たものだと彼は語っている。 2000年代には、彼はステージでローランドのキーターを使い、数曲を演奏してきた。そのキーターはゼブラストライプで飾られていること印象的である。 キーターを使うマンフレッド・マン 1970年代初頭、彼は「Black and Blue」という曲のイントロでドラムを演奏した（ビデオを参照）。

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「ロン・セクスミス」の記事における「音楽スタイル」の解説

ポール・マッカートニー、エルヴィス・コステロ、レイ・デイヴィス、ジョン・ハイアットなどから影響を受けている。 初期5作のアルバムは、憂鬱さを湛えた美しいメロディーのポップ・フォークであり、演奏の中心はギターだった。6作目の「コブルストーン・ランウェイ」ではこうした要素に加え、プロデューサーのマーティン・テレフェによってシンセサイザー、バックシンガー、ゴスペルのコーラス、ストリングス等によるアレンジが行なわれた。「リトリーヴァー」は、彼の作品の中でも最もポップ指向のものであると位置づけられている。 セクスミスはインタビューで「曲には余計な手は加えないようにしたいと思っている」「自分で歌うにしろ歌わないにしろ、とにかく良い曲を作りたい」と語っている。

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「ホリー・ハンバーストーン」の記事における「音楽スタイル」の解説

ホリー・ハンバーストーンの音楽スタイルは、ダミアン・ライス、ベン・ハワード、フィービー・ブリジャーズ、ハイムなどに影響を受けている。ダミアン・ライスのデビューアルバム『O』は、彼女の最初のお気に入りアルバムである。

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「ジョン・エントウィッスル」の記事における「音楽スタイル」の解説

エントウィッスルはベースを聴衆の正面に向けつつ斜め前に構え、さらに顔はヘッドの方へ向けるという独特の弾き方をしていた（聴衆からはエントウィッスルが右を向いて演奏しているように見えた）。アタック音を効かせた上でのすばやい運指は、正にリード・ベースと呼ぶにふさわしいものであった。そのプレイは、ギターの代わりにオブリガートを主張し、さらにメロディを奏でる特異的なものであった（タウンゼントのギターはリズム・カッティングやコードに徹している）。タウンゼントも「ザ・フーはベースとドラムがリード楽器で、ギターがリズム楽器と、本来の役割が逆転していたところがユニークだった」と語っている。そのプレイから"Thunderfingers"と渾名された。ザ・フーの大ヒット曲「マイ・ジェネレーション」で聴けるベースソロも、当時のイギリスのミュージシャンはギターソロと勘違いしていたという逸話もある。だが、エントウィッスルはあくまでバンドのアンサンブルを重視しており、彼のベースソロをフィーチャーした曲は存外に少ない。ステージでは、派手に動き回るタウンゼントやダルトリーと異なり、マイクスタンドの前に直立不動で黙々とプレイする姿勢を貫いた。彼のニックネーム"The Ox"（雄牛の意）はこれに由来する。本人は「動き回らないほうがいい演奏ができることに気付いた。それにリードボーカルをとることもあったし、いやと言うほどバッキングボーカルも歌わなきゃならなかったからね」と語っている。 自作曲においては、自らリードボーカルをとることが多かった。またかなり高い声が出せるため、彼のファルセットはザ・フーのコーラスワークで重要な役割を果たした。だが地声は低く、その低音ボイスを活かし「ボリスのくも野郎」や「サマータイム・ブルース」といった曲で台詞を担当した。レコーディングでは上記のとおり管楽器や、キーボードを弾くこともあった。 ザ・フーの中で最も早くソロ活動に着手したが、レコードの売り上げにはつながらず、チャートの100位以内に入った作品は『トゥー・レイト・ザ・ヒーロー』のみで、次作以降のアルバムはチャートインすら果たせていない。

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「メラニー・マルティネス」の記事における「音楽スタイル」の解説

マルティネスの音楽は、ポップ、アートポップ、エレクトロ・ポップ、およびオルタナティブポップとして説明されている。デビューアルバム「Cry Baby」とセカンドアルバム「K-12」には、 ヒップホップとR＆Bの基調が見られる。歌の主題は通常、個人的な経験に基づいている。マルティネスは自身の音楽を「とても暗く正直」、「ヒップホップ/トラップに影響されたビート」、「気味が悪くも懐かしさもある様な子供じみた音で、幼児用ピアノやオルゴールやおもちゃの様な音」と説明している。 ガーディアン紙では「歪んだ、悪態を付くエレクトロポップ」と表現し、ビジュアルイメージを「人形の様で明らかにエモ、....架空のキャラクターに近い現実的存在」と表現している。ローリング・ストーン誌は「愛に付いて歌った捻じれた子守歌」と表現しドレスデン・ドールズのアルバム「Coin-Operated Boy」、ラナ・デル・レイの音楽と比較している。ニューヨーク・タイムズの記者は「南国調ヒップホップの様なゆっくりとした流れ、不吉なベースラインとパーカッションの中、キーボードをキラキラと鳴らす様なポップを簡潔に表現している」と説明し、ロードやラナ・デル・レイをキャンディでコーティングした様な音楽と表現している。また声に付いては「ささやき、シニカル、涙、怒り」と表現している。レッド・ダート・レポート誌ではマルティネスの声帯にメゾソプラノ域が含まれていると説明している。 マルティネスはデビューアルバムの主人公であるクライ・ベイビーを自分自身の「おとぎ話版」と説明している。

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「鼻毛の森」の記事における「音楽スタイル」の解説

2004年よりカップル撲滅をスローガンとしたオリジナルジャンル、「リアルラヴソング」を実践。自らの失恋がきっかけ。。 2013年より「理想論撲滅ソング」にジャンル名を改め、「理想論撲滅のカリスマ」を自称しながらメッセージソング全般を取り扱っている。多くの残念な大人に接したのがきっかけ。 理想論撲滅（リアルラヴ）ソングとは、王道のヒットソングより人間の本質（＝残念な部分）に踏み込んだアングラ系J-POPの呼称。 スタンダードな美辞麗句を並べているように聞こえるがよく聞くと突き刺さる恋愛に対するネガティブな歌詞が特徴。 曲調はバラードとポップサウンド。コミックソングの部類ではないアレンジワークで仕上げたメロディラインは歌詞（内容）の残酷さを際立て、秀逸。「サブリミナルJ-POP」ともされる。

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「レッド・ツェッペリン」の記事における「音楽スタイル」の解説

レッド・ツェッペリンの音楽のルーツはブルースであった。初期の2枚のアルバムはマディ・ウォーターズやスキップ・ジェイムスなどのアメリカのブルースミュージシャンの影響が顕著であり、同様にハウリン・ウルフの独特のカントリー・ブルーススタイルも影響を与えていた。一つを除く全てのスタジオアルバムが12バー・ブルースを中心に構成されており、ブルースは音楽的にも叙情的にも他の曲に直接的および間接的に影響を与えた。バンドはまたイギリス、ケルト、アメリカのフォーク・リバイバル音楽に強く影響を受けた。スコットランドのフォーク・ギタリスト、バート・ヤンシュはペイジを刺激し、ペイジは彼からオープンチューニングとアグレッシブなストロークを演奏に取り入れた。バンドはまた、ワールドミュージックや初期のロックンロール、ジャズ、カントリー、ファンク、ソウル、レゲエの要素、特に『聖なる館』とそれに続くアルバムにおいて、さまざまなジャンルを利用した。 最初の2枚のアルバムの素材は、主にブルースのスタンダード・ナンバーとフォーク・ソングの拡張されたジャムから構成されていた。この手法は新しい曲を作り出すために、さまざまな曲やその別バージョンから音楽的要素と叙情的な要素、および即興のパッセージを混合することにつながったが、後で盗作の告発と著作権をめぐる法的紛争に巻き込まれることとなった。通常、音楽は最初に作り出され、時には即興の歌詞が付けられ、その後最終的なバージョンに書き直される可能性がある。1970年のブロン・イ・アーへの訪問から、ペイジとプラントによる曲作りのパートナーシップが支配的になり、ペイジが主にアコースティック・ギターを使ってメロディーを作曲し、プラントは歌詞を担当した。その後ジョーンズとボーナムがリハーサルやスタジオで、曲作りが進むにつれてマテリアルを付け加えていった。バンドのキャリア後期になると、曲作りの上でジョーンズの役割がますます重要になり、彼はキーボードで作曲を行った。プラントはペイジとボーナムが彼らのパートを加える前に歌詞を追加した。 初期の歌詞はブルースとフォークのルーツに基づいており、多くの場合、さまざまな曲の歌詞の断片が混ざっていた。彼らの曲の多くは、ロックやポップ、ブルースで一般的なテーマであるロマンス、片思い、性的征服について扱っていた。彼らの歌詞のいくつか、特にブルースから派生したものは、ミソジニーとして解釈されている。特に『レッド・ツェッペリンIII』では、神話と神秘主義の要素を音楽に取り入れた。これは主に伝説と歴史に対するプラントの関心から生まれたものであった。これらの要素は、オカルトに対するペイジの関心を反映するためにしばしば取り上げられ、その結果曲の中に悪魔のメッセージがサブリミナルとして隠されており、その一部はバックマスキング（英語版）として埋め込まれていると言われていた。これらの主張はバンドや音楽評論家によって否定された。プラントの歌詞における牧歌的なファンタジーは、ブラック・カントリー（英語版）地域の風景とJ・R・R・トールキンのハイ・ファンタジー小説「指輪物語」に触発されたものであった。スーザン・ファストは、プラントがバンドの主な作詞家として登場したとき、曲は1960年代の西海岸のカウンターカルチャーとの彼の整合をより明確に反映していると主張している。バンドのキャリア後半で、プラントの歌詞はより自伝的になり、楽観的ではなくなり、彼自身の経験と状況を利用するようになった。 音楽学者のロバート・ヴァルザーによると、「レッド・ツェッペリンのサウンドは、スピードとパワー、珍しいリズミカルなパターン、対照的な段々になったダイナミクス、シンガーのロバート・プラントの慟哭のボーカル、ギタリストのジミー・ペイジのひどく歪んだクランチによって特徴づけられた。」という。これらの要素は、ハードロックとヘヴィメタルの創始者の一つとしてしばしば引用され、メンバーがしばしばレッテル付けられるの避けてきたものの、「決定的なヘヴィメタルバンド」として説明されていることを意味する。この評判の一部は、「胸いっぱいの愛を」や「ワントン・ソング」などの曲で歪んだギターリフを使用していることを根拠とする。多くの場合、リフはギター、ベース、ドラムによって正確に倍増することはなかったが、3つの異なる拍子記号が使用される「ブラック・ドッグ」のように、代わりにメロディックまたはリズミカルなバリエーションがあった。ペイジのギター演奏は、ブルース音階の要素と東洋音楽の要素を取り入れていた。プラントによる甲高い叫び声による歌唱法は、ジャニス・ジョプリンの歌唱法と比較される。ロバート・クリストガウは、彼がグループの重い「パワーブルース」の美学に不可欠であり、ペイジのギターパーツと同様に「機械的効果」として機能していることを発見した。クリストガウは、いくつかのアコースティックソングでプラントが「本物の感覚をほのめかしている」ことに注目しながら、ボーカルの正確さとダイナミクスを優先して、感情的な投影に重点を置いた伝統的なブルースの歌を放棄したと信じていた。「彼が性差別的なブルースの決まり文句を口にしているのか、バンドの半分聞こえる、半分理解できるもののいずれかを駆け抜けているのか...騎士道やカウンターカルチャーについての歌詞でも、彼の声には感情が欠けている。昔のテナーやバリトンのように、彼は自分の声を楽器、具体的にはエレクトリックギターにしたいと考えている。」 ボーナムのドラミングは、そのパワー、素早いロール、そして単一のバスドラムでの速いビートで有名だった。一方、ジョーンズのベースラインはメロディックであると描写され、彼のキーボードはバンドのサウンドにクラシックなタッチを加えた。 ある深いレベルでは、レッド・ツェッペリンの音楽は人間性とテクノロジーの関係についてのものである。哲学的には、バンドは純粋でシンプルな人間性を好むが、実際には、その人間性を技術的に実現する必要がある。それは、ほとんどの良い時期の牧歌的な空想よりも真実のようである。 -ロバート・クリストガウ, 1972年 レッド・ツェッペリンはハードロック・バンドとして広く見られてきたが、クリストガウは彼らをアート・ロックと見なしていた。ポピュラー音楽学者のリービー・ガロファロによると、「ヒップな批評家は、レッド・ツェッペリンの超マッチョなプレゼンテーションに関連して建設的な位置づけを見つけることができなかったため、幅広い影響を受けたにもかかわらず、彼らはアート・ロックのカテゴリーから除外された。」とする。クリストガウは1972年に、バンドは「有機的ではなく知的にロックンロールに関連している」ため、アート・ロックと見なすことができ、「増幅されたビート」を「一種の形式的な挑戦」として理想化している。レッド・ツェッペリンは、「ビートとボリュームの物理的な強制によって心を巻き込む」という同時代のジェスロ・タルやイエスとは異なり、「セクシュアリティではなく攻撃性を呼び起こす、奇妙な大脳キャストのボディミュージックを作り出す」。そのため、ブラック・サバスやモット・ザ・フープルなどの他の第2世代のイギリスのハードロック・バンドとともに、「奇妙なポテンシャルを持つ二重のオーディエンス」で知識人とワーキングクラスの若者の両方を引き付けることができる。その後『イン・スルー・ジ・アウト・ドア』の「チューンフルなシンセサイザー・ポンプ」は、クリストガウにとって彼らがアート・ロック・バンドであることをさらに確認する根拠となった。 ペイジは、レッド・ツェッペリンに「光と陰」のある音楽を制作してもらいたいと述べた。これは、アコースティック楽器をより多く使用した『レッド・ツェッペリン III』からより明確に実現され始めた。このアプローチは『レッド・ツェッペリン IV』、特にアコースティックギターとリコーダーで始まり、ドラムと重いエレクトリックサウンドで終わる「天国への階段」で例示されている。活動後期になると、彼らはジョーンズのキーボードモチーフが支配的な、よりまろやかで進歩的なサウンドに移行した。彼らはまた、マルチトラックやギターのオーバー・ダビングを含む、さまざまなレイヤーや制作技術をますます利用するようになった。強弱とアンサンブルのアレンジの感覚に重点を置いていることは、単一の音楽ジャンルを超越した個性的なスタイルを生み出すと見なされてきた。イアン・ペディは、彼らは「...騒々しく、力強く、しばしばヘヴィだが、彼らの音楽もユーモラスで、自己反射的で、非常に繊細だった」と主張している。

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「リオン・ブリッジズ」の記事における「音楽スタイル」の解説

1960年代のR&Bに影響を受けたソウルミュージック。ウォール・ストリート・ジャーナルは「オーティス・レディングやサム・クックのような60年代のソウルミュージックを彷彿させる」と評した。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/10/11 10:17 UTC 版)

「ラルフ・スタンレー」の記事における「音楽スタイル」の解説

スタンレーはバンジョーの演奏に独自のスタイルを導入し、「スタンレー・スタイル」と呼ばれる。これは、ウェイド・メイナーのトゥー・フィンガー奏法の技術を進化させたもので、後にのスリーフィンガー奏法にも影響を受ける。スタンレー・スタイルは、スクラッグス・スタイルの親指の代わりに人差し指を使うことで可能になる、驚異的に早い「フォワード・ロール」によって特徴づけられる。しばしば、高音域にはカポを用いた。スタンレー・スタイルでは、バンジョー・ロールが途切れない。ピッキングはバンジョーのブリッジのすぐそばで行い、しっかりと弦を弾くことで、パリパリとしたサウンドを得ている。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/05/12 02:57 UTC 版)

「エディ・デューチン」の記事における「音楽スタイル」の解説

デューチンが演奏したのは、ジャズというよりも、後に「スイート (sweet)」と呼ばれた類の音楽で、デューチンの成功が新たな扉を開き、同様のスタイルでピアノを弾く「スイート」なバンドリーダーたちが、ヘンリー・キング (Henry King)、ジョー・ライクマン (Joe Reichman)、ナット・ブランドウィン (Nat Brandwynne)、ディック・ガスパーレ (Dick Gasparre)、リトル・ジャック・リトル (Little Jack Little)、そして、（デューチンの影響を自ら公言する）カーメン・キャバレロなどが、ラジオの放送時間やレコード売り上げをめぐってビッグバンドと競争するようになった。 デューチンは正式な音楽教育を受けておらず、しばしば楽団員たちを困惑させたとも伝えられているが、クラシック音楽に根ざしたスタイルを発展させ、リベラーチェのきらびやかに飾られた、けばけばしい表現の先駆となった見る向きもある。それでも、デューチンの音楽は過小評価されている。デューチンは、いかなる意味でも完璧なピアニストではなかったが、その音楽は気軽に聴けて、それでいながら機械的だったり、ありがちな月並みに陥ることはなかった。デューチンのステージでの演奏は、客を喜ばせる演出が盛り込まれており、両手を交差させ低い音は一本指で弾いてみせるのがお得意のテクニックだったが、聴衆に対してもクラシック音楽の伝統に対しても、敬意をもった姿勢を貫いた。 デューチンは、デュレル・アレキサンダー (Durelle Alexander) やルー・シャーウッド (Lew Sherwood) といった、美しい、ソフトな歌声をもった歌手をよく起用し、自作のスイートでロマンティックな歌を歌わせ、自作曲の魅力を高めて一層興味深い仕上がりにした。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/04/28 00:12 UTC 版)

「ロジャー・ダルトリー」の記事における「音楽スタイル」の解説

ややハスキーがかったパワフルな声質を持つが、本人は自分の声を気に入っていないという。ザ・フーのコンサートでは、タウンゼントのギター破壊が注目を集めたが、ダルトリーもまたコードを軸にマイクを投げ縄の如く振り回すパフォーマンスで観客を魅了した。上記のとおり、元々はリードギター担当だったため、ギターも弾けるが、ザ・フーではあくまでボーカルに徹し、ハーモニカとタンバリン以外の楽器は使用してこなかった。だがソロ活動や近年のステージではギターを弾きながら歌うこともある。 自ら作詞作曲を行うことはあまりなく、ダルトリーがザ・フーのために書いた曲は、「エニウェイ・エニハウ・エニホエア」、「シー・マイ・ウェイ」、「アーリー・モーニング・コールド・タクシー」、「ヒア・フォー・モア」の4曲のみである。このうち「アーリー・モーニング・コールド・タクシー」は、実際にはデイヴ・ラングストン（バンドのツアー・マネージャー）が単独で書いたものである。当初、ダルトリーは「サイ（ラングストンのニックネーム）と2人で書いた」と言ってこの曲を提出したが、ラングストンが耐え切れずに暴露してしまった。タウンゼントはダルトリーに作者としてのクレジットは諦めるよう説得したが、結果的にダルトリーの名はクレジットに残されている。 タウンゼントはダルトリーがなぜもっと曲を書かないのか理解できなかったと言い、「多分ロジャーは、解釈者、声、楽器として存在している方が楽しかったのだろう」と推測している。ソロにおいても外部ミュージシャンに作曲を依頼することが多く、自作曲はそれほど多くない。なお、ダルトリーが一番気に入っているザ・フーのナンバーは「ビハインド・ブルー・アイズ」(アルバム『フーズ・ネクスト』収録)であるという。

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「ブルックス&ダン」の記事における「音楽スタイル」の解説

オールミュージックのスティーヴ・ヒューイはブルックスとダンの声質を比較し、「ダンは魂のこもった重低音で、ブルックスはエネルギッシュなパフォーマーである」と語った。また彼は彼らのサウンドを「典型的なやんちゃ者でありながらパンチの効いたホンキートンク、スムースでありながらダンスに最適なビート、ポップスのようなバラードなど様々な様相を見せる」と語った。書籍『The New Generation of County Music Stars 』(カントリー・ミュージック・スターの新世代、の意)の中でDavid Dicaire は、ダンは静かな激しさを持つ魂のこもった声の伝統的なカントリー歌手で、ブルックスはダンの音楽性とは正反対でエネルギッシュなパフォーマーであり、2人は完璧なバランスを保っていると説明した。ブルックスは『Lost and Found 』、『Rock My World 』、『You're Gonna Miss Me When I'm Gone 』、『Mama Don't Get Dressed Up for Nothing 』、『Why Would I Say Goodbye 』、『South of Santa Fe 』でリード・ヴォーカルを務めた。

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「クリストフ・シャソル」の記事における「音楽スタイル」の解説

シャソルの作品は、自身で撮影した様々な国の市井の人々の歌声や話し声を編集し、そこにピアノやキーボードで和音やメロディーを足して映像・音楽作品として仕上げるものである。もともとはYouTubeにアップされた様々な映像から自身の音楽作品を作ることを着想して始めたことだとシャソル自身は語っており、例えばバラク・オバマ大統領の演説を楽曲にアレンジした『Obama Harmonized By Chassol』などをアップロードしている。

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「オマール・スレイマン」の記事における「音楽スタイル」の解説

スレイマンは1996年以来、足踏みをしながら輪になり踊る中東の伝統舞踊であるダブケをダンス・ミュージックに進化させてきた。音楽のスタイルに柔軟性のないダブケの一種、バラディのスタイルとは変わって、テンポや言語を自由自在に操るのがスレイマンの特徴である。『ウェヌ・ウェヌ』では言語の壁を破るようにトルコ語、クルド語、イラク語、と様々な言語で歌う。同じ曲を別言語でも表せることが狙いだと彼は話している。

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「ホーリー・グレイル (バンド)」の記事における「音楽スタイル」の解説

ボーカルのルナは自分たちを「デスメタルのリフ、モダンなブレイクダウン、パワーメタルの歌唱など、オールドスクール・メタルに新しい風を吹き込んだモダン・バンド」と表現してる。批評家たちは、スラッシュメタルの影響を受けた、伝統的な、あるいはレトロなヘビーメタルであると評している。

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「Joji」の記事における「音楽スタイル」の解説

Jojiの音楽は、トラップ、フォーク、エレクトロニック、およびR&Bの要素を組み合わせたトリップホップとローファイとして説明されており、彼の歌は「ダウンテンポ、メランコリックなテーマ、ソウルフルなボーカル」と「最小限の生産」を特徴としている。 Jojiはエレクトロニック・アーティストのジェイムス・ブレイクと比較されており、Joji自身もレディオヘッド、シュローモ、ドナルド・グローヴァーとともにブレイクを自身が影響を受けたアーティストの1人に挙げている。Pigeons and Planes内でのインタビューでは、彼は自身の音楽が日本で育った時代やカナディアンアカデミーに通っていたときに聴いていた"BoomBap"のインストゥルメンタルにインスパイアされていると語っている。

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「Wizkid」の記事における「音楽スタイル」の解説

ヒップホップやダンスホールレゲエからの影響が強い新世代のアフロビート上で特徴的なボーカルを乗せる。アルバム「Ayo (Joy)」ではフェミ・クティのサックスをフィーチャーした曲を収めており、幅広い意味での「ワールドミュージック」ファン層にもアプローチしている。

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「Radio & Weasel」の記事における「音楽スタイル」の解説

レゲエ・中でもダンスホールレゲエが多い。

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「キンクス」の記事における「音楽スタイル」の解説

キンクスの音楽スタイルは当時人気のあったR&Bとブルースであった。その後、キングスメンの「ルイ・ルイ」の影響を受けて、より大音量のロックとハードロックのサウンドを開発した。この分野への先駆的な貢献により、彼らはしばしば「オリジナル・パンクス」と呼ばれてきた。デイヴ・デイヴィスは「このギターの音に本当に飽きていた、または面白い音がなかった」ので、マスウェル・ヒルのラジオ部品ショップから「小さな緑色のアンプ...エルピコ」を購入し、「それをいじった。」それには「スピーカーに配線を接続し、そこにジャックプラグを接続して、AC30（より大きなアンプ）に直接接続する」ことが含まれたが、望んだ音は得られず、彼はイライラして「片刃のジレットのカミソリを使って、スピーカーのコーンの周りを（中央から端まで）カットした...それで全てが切られたが、くっついたままであった。僕は演奏して、素晴らしいと思った。」アンプでひずんだ音は、スタジオで複製された。エルピコはAC30に接続され、その結果得られた効果は、キンクスの初期のレコーディングで活用された。特に「ユー・リアリー・ガット・ミー」と「オール・オブ・ザ・ナイト」で特徴的であった。 1966年以降、キンクスは他の多くのイギリスのバンドがアメリカンブルースやR&B、ポップスタイルを支持してイギリスのトラディショナルスタイルから脱却した時期に、イギリスの音楽と文化の伝統を順守することで知られるようになった。レイ・デイヴィスは1965年の明確な瞬間に、アメリカのシーンから脱却し、より内省的でインテリジェントな曲を書くことを決意したことを思い出した。「僕はもっと言葉を使って物事を言おうと決めた。『ウェル・リスペクテッド・マン』を書いた。それは僕が書いた最初の本物の言葉指向の歌であった...（僕も）僕のアクセントをアメリカ化する試みを断念した。」キンクスのイギリススタイルへの忠誠は、米国音楽家連盟によって課された演奏禁止によって強化された。この禁止措置により、彼らは世界最大の音楽市場であるアメリカから切り離され、イギリスとヨーロッパ本土に集中することを余儀なくされた。キンクスは1960年代の残りの期間を通じてイギリススタイルのサウンドを拡張し、ハープシコード、アコースティック・ギター、メロトロン、ホーンを使用して、ミュージックホール、フォーク、バロック音楽の要素を、『フェイス・トゥ・フェイス』、『サムシング・エルス』、『ヴィレッジ・グリーン・プリザヴェイション・ソサエティ』、『アーサー、もしくは大英帝国の衰退ならびに滅亡』といったアルバムに取り入れ、この時代の最も影響力のある重要な音楽のいくつかを生み出している。 『この世はすべてショー・ビジネス』（1972）から、レイ・デイヴィスはグループのアルバムで演劇のコンセプトを探求し始めた。これらのテーマは1973年のアルバム『プリザヴェイション第一幕』で明らかになり、『不良少年のメロディ～愛の鞭への傾向と対策』（1976）まで続いた。キンクスはこれらのコンセプト・アルバムで商業的にあまり成功せず、RCAとの契約を解除された。1977年に彼らはより伝統的なロックフォーマットを主張したアリスタ・レコードに移籍する。商業的成功への復帰を告げた『スリープウォーカー』（1977）は、彼らの標準となる主流の比較的洗練された制作スタイルを特徴としていた。バンドは『ロウ・バジェット』（1979）でハードロックに戻り、残りのキャリアを通じてこのジャンルでレコーディングを続けたが、1980年代にはポップミュージックにも挑戦している。彼らのポップ指向の曲は『ギヴ・ザ・ピープル・ホワット・ゼイ・ウォント』から始まり、最新作まで全てのアルバムで聴くことができる。ポップなサウンドが特徴の曲には「ベター・シングス」が含まれる。

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「グラス・アニマルズ」の記事における「音楽スタイル」の解説

グラス・アニマルズの音楽スタイルは、サイケデリック・ポップ、 インディー・ポップ、 インディー・ロック、 、エレクトロニック・ロックと言われている。

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「グリフィン (音楽家)」の記事における「音楽スタイル」の解説

美しいメロディとエモーショナルなサウンドを中心としたメロディック・ハウス・スタイル。 「エレクトリックとオーガニックのハイブリッド」と称して、ピアノとギターのトラックを制作曲に取り入れている。

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「アイアムザモーニング」の記事における「音楽スタイル」の解説

アイアムザモーニングの音楽は、バンドによるプログレッシブ・ロックとチェンバー・ミュージックの組み合わせに関連して、レビュアーとバンド自身の双方から、一般に「チェンバー・プログ」または「チェンバー・プログレッシブ・ロック」と呼ばれている。マリアナ・セムキナとグレブ・コリャーディンだけがバンドの公式メンバーだが、アイアムザモーニングには通常、ギター、ベース、ドラム、弦楽四重奏、さまざまな管楽器など、他の数名の楽器演奏者が含まれている。

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「ファンファーレ・チョカルリア」の記事における「音楽スタイル」の解説

トルコの軍楽隊に由来するといわれているファンファーレ・チョカルリアの楽器構成はトランペット、テノールホルン、（ドイツ式）バリトン、チューバ（ヘリコン helicon）、クラリネット、サクソフォーン、バスドラム、パーカッションである。歌詞はルーマニア語のものもロマ語のものもある。彼らの音楽スタイルは主として、伝統的なロマ音楽、ルーマニアの音楽、チョチェクに基づいたものであるが、自由にトルコの音楽やブルガリアの音楽、セルビアの音楽、マケドニア共和国の音楽などの要素を織り交ぜたものである。インド映画などからの影響もある。ブラス編制のために英語圏ではジプシー・ブラスとも呼ばれている。 ファンファーレ・チョカルリアはそのパワフルで躍動感のある複雑なリズム、高速にスタッカートするクラリネットや、サクソフォーン、トランペットのソロなどで特に知られており、時に毎分200ビートを超えることもある。また、演奏には楽譜を用いず、曲中でときに即興でホルンやクラリネットを吹く。

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「How to Grow a Woman from the Ground」の記事における「音楽スタイル」の解説

How to Grow a Woman from the Groundは様々なジャンルからの影響を受けている。「トラディショナルなブルーグラスと同じくらい、プログレッシブ・アコースティック、トラディショナル・シンガーソングからの影響を受けている」 また、一人の批評家はこのアルバムについて"ルーツミュージック志向である"と述べている。 このアルバムにはブルーグラスやプログレッシブ・ブルーグラスの核がある。ブルーグラスのマンドリン弾きロニー・マクーリーは、このアルバムの公式ナビゲーターとなった。それは「誰かが、自分たちにはありふれた陳腐なこと以外はできない、とはっきりとさせる必要あったため」であったとしている。 シーリはアルバムのスタイルについて、「"How to Grow a Woman from the Ground"は、つまりはね、ブルーグラスの楽曲なんだ。このアルバムには従来の音楽的要素から外れたものの存在がはっきりと見て取れるだろうさ。 でも、そうした要素は僕にはブルーグラスとして聴こえてくるんだ。全てにおいてではないかもしれないけど、“Brakeman’s Blues”は場違いに聞こえたりしない、“The Beekeeper”だってそうさ。 すべてはブルーグラスとつながっている」と語っている。 アルバムに収録されたシーリの作品の多くは、彼の離婚に影響を受けている。また、このアルバムのタイトルはトム・ブロソーの曲にちなんでいる。 シーリは「僕の彼女との関係が僕をこのアルバムへと駆り立てたんだ。彼女はただ去って行ったんだ。これは僕にとって本当に混みあっていた問題だったよ。僕はいつでも女の子たちと話すことが出来たけれど、本当はいつも彼女たちが怖かったんだ。だけど僕はそれを作品に結び付けることが出来た。Like, man if I could just grow one, that would take care of a lot of problems.」

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「ロン・コーブ」の記事における「音楽スタイル」の解説

多様な文化の曲を書き、世界の音楽・管楽器に広く精通していることで知られている。コーブの作品は、クラシック、ジャズ、ラテン、アジアの音楽、ケルト音楽、中東のジャンルにまで及んでいる。その曲の多くは、物語のテーマに基づいた表題音楽で、コンセプト・アルバムの形をとっている。その着想は、しばしばコーブのアジア系祖先の探求と豊富な旅行経験から来ている。

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「TAWAKE」の記事における「音楽スタイル」の解説

全く異なるバックボーンを持つメンバーで構成されたバンドであることから、ロックを基調としながらも様々なジャンルの音楽要素が取り入れられたポップでキャッチーなサウンドが特徴となっている。 楽曲制作については、メンバーが作曲したものをBATAKEがDTMを使って編曲し、作成されたアレンジデモをベースにスタジオでリハーサルを重ね完成させていくケースが多い。 歌詞については、基本的には川口タイガー祐介が作詞を担当しているが、メンバー共作の歌詞や、メンバーの提案で歌詞が改変されることが多々あるため、クレジットが"TAWAKE"の名義になっているケースが多い。

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「リトル・ビッグ・タウン」の記事における「音楽スタイル」の解説

4パートの音声ハーモニーで構成されている。他の多くのヴォーカル・グループと違い、特定のリード・シンガーを設けていない。しかし曲によって4人のうち誰かがシード・シンガーを務めたり、『Boondocks 』や『Life in a Northern Town 』のように4人の組み合わせを変えたりしている。

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「ポスト・マローン」の記事における「音楽スタイル」の解説

ポスト・マローンの音楽は「カントリー、グランジ、ヒップホップ、そしてR&Bのるつぼ」と表現されており、マローン自身は多面的と表現している。ボーカルスタイルは簡潔と言われてきた。ニューヨーク・タイムズのJon Caramanicaは、「歌とラップ、そしてヒップホップと不気味なエレクトリックフォークの境界線にいるアーティスト」と表現。マローン自身は「ジャンルレス」だと述べている。 15歳の時に聴いて衝撃を受けたことから、ボブ・ディランに憧れている。特に「サブタレニアン・ホームシック・ブルース」は「最初のラップソング」だと語っている。他には50セントやKEY!を尊敬し、影響を受けているという。 ヒップホップ・シーンは、オルタナティブな回路で音源を広めるミックステープのカルチャーによって発展してきたが、2010年代に入るとそのミックステープの役割はネットで自由に音源を発表できるSoundCloudが担うようになった。ポスト・マローンはその先駆けにして、最大の成り上がりとなった。白人ながら、黒人文化のヒップホップに受け入れられたことも特徴である。

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「RAISE A SUILEN」の記事における「音楽スタイル」の解説

ライター・批評家のimdkmは、RASの音楽性について「エレクトロニックでアグレッシブなサウンドを多用したミクスチャー的な音楽性」と分析している。imdkmはギターの重心が軽い一方シンセサイザーのリフの存在感が強いとし、ワブルベースを多用したエネルギッシュなアレンジはライブに向いていると評している。また、ボーカル面においてもPoppin'PartyやRoseliaがアンサンブルやハーモニーを重んじるのに対し、RASはキャラクターたちの声が暴れまわっているような印象を抱いたと述べている。 また、Raychell自身も、バンドのコンセプトについて「まずサウンドを聴いてくれ！ ライブに来てくれ！」とアニメ！アニメ！とのインタビューの中で説明している。同時に、彼女はバンドのサウンドについて、EDM、ロック、ポップス、アニメソングなど様々な音楽要素を取り入れつつも、どのジャンルにもとらわれないとしている。 「We are RAISE A SUILEN～BanG Dream! The Stage～」以降から、バンドの2代目プロデューサーを務める落合俊介は、SPICEとのインタビューの中で、パフォーマンス面も含め、Fear, and Loathing in Las Vegasの影響が大きいことを認めているほか、各メンバーのプロジェクト外における活動もバンドのスタイルに影響を与えていると話している。 ライターの中里キリはアキバ総研に寄せた「BanG Dream! 7th☆LIVE DAY2:RAISE A SUILEN“Genesis”」（2019年2月22日）のレポートの中で、RASがゲストのバックバンドを務める際は、先ほどまで見せていた荒々しさを抑え、サポートに徹するという落差と切り替えが素晴らしく、彼女たちのプロフェッショナルぶりを感じたと評価している。また、ウェブマガジン「STAGE」のライター・佐々木雅晃も、高い演奏技能を求められる上に、バンドのイメージとは異なる曲をそつなく演奏するRASに感心したと同バンドのライブ「Craziness」（2020年2月9日）のイベントレポートの中で述べている。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2022/07/31 03:25 UTC 版)

「Roselia」の記事における「音楽スタイル」の解説

2020年6月からRoseliaのバンドプロデューサーを務める濵口直也は、同バンドの音楽性がかなりとがっているとSPICEとのインタビューの中で話しており、その具体例として「ゴシックな雰囲気」や、マイナー調の曲調を挙げている。 サウンド面では、スピード感と宗教的な雰囲気を出すために、チャーチオルガンやストリングス、チューブラーベルの音色が取り入れられている。また、重さを出すためにメタルミュージックの要素も取り入れられている。 技術面においては同期演奏という手法が取られており、バンドの普段の練習にはマニピュレーターや各機材の担当者も同席している。濱口によると、メンバーが楽器担当者やマニピュレーターに相談したり提案することがあると話している。たとえば、ベース担当の中島の場合、スラップ奏法をしやすくするため、フィンガーランプというパーツをベースにつけたいと担当者に相談したとされている。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/10/27 18:20 UTC 版)

「スタックリッジ」の記事における「音楽スタイル」の解説

経歴を通じて、スタックリッジはフォークやパワー・ポップ、そしてサイケデリック・ロックの要素を咀嚼して加えながら主にプログレッシブ・ロックを標榜してきた。彼らは、ブリットポップの先駆者と言われたこともある。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2020/09/27 05:34 UTC 版)

「アシッド・バス」の記事における「音楽スタイル」の解説

アシッド・バスは、デスメタルの影響を受けたスラッジ・メタルに、デスヴォイスとメランコリックなゴス/グランジ系のボーカル、アコースティックギターのフレーズ、そしてサンプリングやスポークン・ワードの詩を組み合わせたスタイルで知られる。また、『ブルーベルベット』や『時計じかけのオレンジ』などの映画のサウンドクリップもサンプリングに使用された。ボーカルや楽器は加工され、インダストリアルの雰囲気を生み出している（『New Death Sensation』の後半のスネアドラムなど）。曲の構造に組み込まれている複数のテンポ変更も特徴的である。バンドの音楽に関する試みは多岐のジャンルにわたり、『Scream of the Butterfly』は、アコースティックブルースの曲で、曲の終盤に向かってダブル・ベース・ドラムのパターンが用いられている。『The Bones of Baby Dolls』には民俗音楽が取り入れられ、『Dead Girl』はリッグスによればカントリー曲である。 リッグスの歌詞には、死への執着、薬物使用、精神病、ダークユーモア、ルイジアナの文化がしばしば登場すると共に、アニミズムや異教崇拝、虚無主義、人間不信への言及が繰り返される。彼は、フランク・ミラー、アラン・ムーア、クライヴ・バーカーなどのコミックに影響を受けたと述べ、またアングラ系雑誌である『ANSWER Me!（英語版）』や『Boiled Angel（英語版）』の愛好も表している。 オールミュージックのウィリアム・ヨーク（William York）は、『Venus Blue』について、「過激な歌詞が無ければ」ラジオでヒットしただろうと評している。バンドがメインストリームでの人気を得なかった別の理由としては、2つのアルバムカバーにジョン・ゲイシーとジャック・ケヴォーキアンの絵画をそれぞれ使用したことが考えられる。『Paegan Terrorism Tactics』はケヴォーキアンの作品『For He is Raised』をめぐる論争を受け、オーストラリアで一時販売禁止となった。また、1994年のEP盤『Radio Edits 1（英語版）』のカバーには、リチャード・ラミレスの作品が使用され、1996年のコンピレーション盤『Radio Edits 2』のカバーには、ケネス・ビアンキ（英語版）の作品が使用されている。『Diäb Soulé』（ケイジャン・フランス語で「酔った悪魔」の意）という曲では、人民寺院のジム・ジョーンズのスピーチがサンプリングされている。

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「ロイ・バッド」の記事における「音楽スタイル」の解説

天才肌のミュージシャンで、ジャズ畑出身でありながら、ファンクと壮大なオーケストレーションの融合や、インドや南米のリズムを取り入れるなど、ユニークな音楽的アプローチを得意とした。映画音楽においては、曲中に音楽的ルーツであるジャズ的なテイストを盛り込んだ。バッドは同じくジャズピアニスト出身のジョン・ウィリアムズやラロ・シフリンを好み、彼らもこういった手法を使っている。オーケストラ演奏の中にポップス、ロック的アレンジを加えるスタイルも多く、これは同様にバッドが好んだジェリー・ゴールドスミスやクインシー・ジョーンズの影響である。

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出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』 (2021/10/16 08:57 UTC 版)

「葬尸湖」の記事における「音楽スタイル」の解説

葬尸湖は、伝統的なブラックメタルに、中国の音楽の影響を加味した演奏をする。インタビューの中でBloodseaは、グループがブラックメタルを選んだのは、メタル・ジャンルの中でも他の音楽スタイルでは、バンドのメンバーたちの言いたいことを表現できないからだと述べている。ブラックメタルと、それが人間、自然、多神教、先祖崇拝などに向ける見方は、独特な哲学的気質があり、それがバンドの音楽にフィットするのである。ブラックメタルのジャンルで典型的に使用されている楽器の他に、バンドは、木魚、ハンドベル、塤など、伝統的な中国の楽器も用いている。静かでメロディ豊かな部分では、ギターが伝統的なサウンドを創り出す。バンドの曲の中には、20分を超える長さに達するものもある。Bloodfireは、自分たちが影響を受けたバンドとして、バソリー、メイヘム、キャンドルマス、アビゴール（英語版）、バーズムを挙げている。 歌詞については、伝統的、民俗的な中国の詩から着想が得られており、葬尸湖の曲は中国の伝説や中国神話に取材している。さらにバンドによれば、紀元前771年から紀元前221年にかけての時期、特に戦国時代が、着想を得る元となっており、その時代の書物に現れる感情面の烈しさや絶望がブラックメタル・ジャンルにフィットするのだという。中国にはキリスト教に由来する伝統がないため、反キリストや悪魔崇拝といったテーマは彼らには関係ない。その代わりに、彼らは中国の哲学や歴史に焦点を置いている。

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「ヨー・オウラーラング」の記事における「音楽スタイル」の解説

オウラーラングはオリジナル性の高いアーティストだったとされており、ソウル、ファンク、ロックの要素を自身の楽曲に取り込んでいた。彼の歌詞は、しばしば滑稽であったり、風刺に満ちており、日常生活や当時の流行を踏まえていた。『Rebeat』誌は、彼の「破壊的で風刺に満ちたスタイルと、ディストーションの効いたサイケなギターは、彼をカンボジアのロック・シーンにおけるジョーカー/反抗者にした」と評した。リンダ・サファン（英語版）は、「1970年代において、ヨー・オウラーラングとメアス・サモン（英語版）だけが、社会的メッセージを歌に込めていた歌手であり、シンガーソングライターであった。（オウラーラングは）カンボジアのブルジョワ的で従順な社会に皮肉を用いてコメントしていた」と述べている。 西洋の聴き手が、オウラーラングの作品に触れたのは、何十年も後になってからリリースされたコンピレーション・アルバムを介してであった。1996年にニューヨークの Parallel World というレーベルからリリースされた『カンボジアン・ロックス (Cambodian Rocks)』には、クメール・ルージュ以前のサイケデリック・ロックやガレージ・ロックが、曲名やクレジットの表示なしに22曲収録されていた。そのリリースからさらに何年も経つうちに、収録されたトラックの同定が進み、そのうち3曲がオウラーラングのものだと判明した。このコンピレーションによって、ガレージ、サイケデリック、サーフ・ロック（英語版）などとクメール人らしいボーカルのテクニックや、楽器の革新、大衆的なラムウォング（英語版）の「円舞曲」の流行を結びつけた、オウラーラングや彼の同時代のアーティストたちが生み出した音楽のサウンドの新しさに注目が集まった。評論家たちは、例えば彼の曲「Yuvajon Kouge Jet」について「ファズの効いた、リバーブに浸った (fuzzed-out, reverb-soaked)」曲だとか、「ゴーゴー・オルガンとファズ・ギター (go-go organ and fuzz-guitar)」、ゼムの「Gloria」のカバーのようだ、などと評した。一方、「Jeas Cyclo」（「シクロに乗って (Jis Cyclo)」とも）について、『The Diplomat』誌は「カンボジア独立後の最初の時期における最も長く好まれたポップ・ヒットのひとつ」と評した。その後、Khmer Rocks Inc. などによって編集された複数のコンピレーションに、彼の作品が数曲収録された。

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「フェルディナンド・カルッリ」の記事における「音楽/スタイル」の解説

カルッリは、彼の生きた時代では最も多作な作曲家の一人であった。ギター演奏のために400曲以上の作品のほか、ギターといろいろな楽器の合奏のために無数の曲を書いた。最も影響力のある仕事は、1810年発表された古典期最初の「ギター教則本、作品番号27」である。後にカルカッシ教則本と繋がるものであった。末尾にある「生徒と先生用２重奏曲」は大変有益なものであるが、世界中で出版されるときに切り離されてしまった。原典版はミンコフより出版されていたが、現在は入手不可能である。わが国では、不運なことに先にカルカッシ教則本が米国から先に輸入された為、原典版カルリ教本が輸入されることがなかった。クラシック・ギターを学ぶ学生の指導に今も広く使われているが、本来の意図する在り方から離れた抜粋でしか使用されていない。他にもギター伴奏によるソルフェージュ教本も出版。また、カルッリは息子のグスタボ（英語版）とギターとピアノ合奏曲を数曲作った。また、室内楽団と他のアンサンブル作品も書いた。 多くのクラシック・ギターリストが、カルッリの作品を幾度もレコーディングしてきた。1980年代のイギリスでは、デュオ・ト長調（Duo in G） 作品番号34がSF/テレビゲーム「ザ・アドベンチャー・ゲーム」のカルト主題曲として間接的にかなり好評を得たが、カルッリの最も有名な作品は、間違いなくアレキサンダー・ラゴヤとジャン＝ピエール・ランパルによりレコーディングされた「ギターとフルートのためのデュエット」である。前述したデュオ・ト長調（Duo in G）もまた、何度もレコーディングされているが、ジュリアン・ブリームとジョン・ウイリアムスによるものが最も有名である。

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